Синтезатор хонда


Легендарные электроклавиши. Синтезаторы фирмы Yamaha. Часть 1

Для кого-то слово "Ямаха" (Yamaha Corporation, ヤマハ株式会社 Yamaha Kabushiki Gaisha) означает мощный, стремительный мотоцикл или снегоход, для другого – Hi-Fi аппаратуру, а для третьего – великолепный рояль или бас-гитару. Да что там рояль или гитара: весь Венский оркестр, лучшие музыканты мира играют на инструментах компании Yamaha, это единственная в мире компания, которая одновременно выпускает рояли и пианино, медные и деревянные духовые, скрипки и ударные – практически все виды музыкальных инструментов и целый арсенал хитрых мелочей для исполнителей любого калибра и мастерства. История этой корпорации началась ещё в позапрошлом веке: её основатель, Торакусу Ямаха (Torakusu Yamaha, 山葉寅楠, Yamaha Torakusu; 20.04.1851–08.08.1916), родился в семье астронома, на юге Хонсю, в провинции Кии княжества Кисю (сегодня - префектура Вакаяма).

 

Третий сын внимательно наблюдал за работой отца, перенимал навыки работы руками, параллельно учился часовому мастерству в Нагасаки, занимался ремонтом медицинского оборудования. После революции Мейдзи 1867 - 1868 годов охватившая Японию пора перемен привела и к изменению культуры, в том числе музыкальной, "западная" музыка интенсивно внедрялась, в частности, в общественное образование, выступая как символ модернизации страны, - и эту тенденцию уловил Ямаха: в 1887 году случайный заказ на ремонт язычкового органа, фисгармонии, стал первым шагом к созданию знаменитого бренда. Работа с этим инструментом так захватила его, что после завершения ремонта он принял решение создать собственный образец фисгармонии. Основываясь на знаниях о строении этого музыкального инструмента, полученных в процессе ремонта, он начал вручную изготавливать каждую деталь. Спустя два месяца, он собственными силами доставил готовый орган на проверку в Институт музыкальных исследований в Токио (в настоящее время — Токийский университет искусств, 東京芸術大学). Специалисты института признали, что инструмент имеет правильную форму корпуса, однако выявили ряд недостатков, в том числе нестабильность настройки. Не поддавшись разочарованию, Ямаха решил остаться в Токио и добиться своей цели, занявшись изучением музыкальной теории и методов настройки, став особым слушателем в Институте музыкальных исследований. Через месяц напряженной учебы он вернулся домой, где начал трудиться с раннего утра до позднего вечера, изготавливая свой второй язычковый орган. После повторной проверки его инструмент был признан "достойным заменить импортные аналоги".

 

 

В 1889 году Ямаха создал на южном тихоокеанском побережье Хонсю, в городе Хамамацу, префектура Сидзуока, компанию Yamaha Organ Works по промышленному производству "европейских" музыкальных инструментов из высококачественной древесины. Это была первая такого рода фирма в Японии, а сам город Хамамацу впоследствии стал настоящим городом музыки: помимо предприятий Yamaha, Roland и Kawai, в нём находятся высшая школа музыки, знаменитый оркестр с собственным концертным залом, а также обширная коллекция музыкальных инструментов разных эпох, экспонирующаяся в местном музее. В 1892 году фирмой Ямахи был выполнен заказ на экспорт 78 органов в Юго-Восточную Азию. А 12 октября 1897 году появилась компания по производству музыкальных инструментов Nippon Gakki Co.(日本楽器製造株式会社 Nippon Gakki Seizō Kabushiki Kaisha), что буквально означает "японские музыкальные инструменты", а Торакусу Ямаха стал её первым президентом. В 1997 году, в честь столетнего юбилея Nippon Gakki была официально переименована в Yamaha Corporation Co. Ltd, хотя все эти годы продукция выпускалась под товарным знаком Yamaha. Символом фирмы стали три скрещенных камертона, а товарным знаком — фигура китайского феникса с камертоном в клюве.

 

 

Министерство образования Японии, заинтересованное развитием связей с Западом, в 1899 году оплатило Ямахе поездку в США для изучения производства пианино. В 1900 году компания выпустила первое пианино в Японии, в 1902 году - рояль, а уже в 1904 году пианино и орган Yamaha стали обладателями Гран-при на Всемирной выставке в Сент-Луисе.

 

В 1914 году из-за прекращения поставок немецких гармоник в Японию Yamaha создаёт свою губную гармонику и начинает её экспортировать. В 1920 году в компании работало уже около 1000 человек, и она производила 10 000 органов и 1200 пианино в год. В 1921 году японское правительство принимает решение задействовать колоссальный опыт компании Yamaha в деревообработке для создания авиационных пропеллеров. Однако в 1922 году пожар уничтожил заводы в Хамамацу и Накасаве, в следующем году от землетрясения пострадал токийский офис компании, и она была близка к банкротству. Но в 1927 году руководство компанией было доверено талантливому менеджеру Кайчи Каваками (Kaichi Kawakami). Он реорганизовал фирму, уменьшил цену на продукцию, и в течение 18 месяцев выплатил половину долгов. Каваками много работал над улучшением качества инструментов, нанял специалистов известной немецкой марки Bechstein, и в 1930 году открыл акустическую лабораторию и исследовательский центр. Это был первый в мире исследовательский центр, развёрнутый на базе фабрики по производству фортепиано. Лаборатория была создана с целью научного анализа звука для достижения максимально высоких характеристик звучания фортепиано Yamaha и была призвана улучшить качество продукции и поднять престиж фортепиано Yamaha выше импортных аналогов, доминировавших на тот момент на японском рынке. Благодаря научно-ориентированному подходу создание музыкальных инструментов было возведено на принципиально новый уровень. Также под управлением Каваками на рынке были представлены недорогие аккордеоны и гитары Yamaha.

В 1931 году компания перепрофилировала производство на выпуск металлических пропеллеров, а технологии металлообработки впоследствии были востребованы для отливки рам для роялей и пианино, а в дальнейшем - при производстве духовых инструментов.

Во время Второй мировой войны производство музыкальных инструментов было приостановлено, и Yamaha занималась военными заказами – выпуском пропеллеров для самолётных двигателей. После войны благодаря финансовой помощи США производство было демилитаризовано, и возобновлён выпуск гармоник и ксилофонов, полгода потребовалось для восстановления производства органов, аккордеонов, труб и гитар. С 1947 года гармоники вновь вышли на азиатский рынок; компания, используя металлообрабатывающие станки, закупленные для авиационных нужд, стала производить металлические рамы для пианино, и в течение трёх лет было восстановлено производство фортепиано.

С 1948 года в школах Японии вводится обязательное музыкальное образование детей, и это дало новый толчок развитию бизнеса Yamaha: в 1954 году открываются музыкальные школы Yamaha, которые занимаются популяризацией музыки, причём, для разных возрастных групп детей, включая детей раннего возраста, разрабатываются свои методики. Спустя 10 лет, в 1964 году, первая музыкальная школа Yamaha появляется в США. Этому предшествует открытие своего представительства в Лос-Анджелесе. Сейчас система музыкального образования детей и подростков Yamaha Music School существует во многих странах мира.

В 1950 году четвёртым по счёту президентом фирмы становится сын Кайчи Каваками, Геничи Каваками (Genichi Kawakami, 川上源一, 30.01.2012 - 25.05.2005), с именем которого связан не только прорыв Yamaha на международный рынок музыкальных инструментов, но и возникновение обособленного подразделения корпорации, связанного с производством мотоциклов, Yamaha Motor Company (ヤマハ発動機株式会社 Yamaha Hatsudōki KK). Геничи был страстным любителем рыбной ловли, и в начале 50-х годов купил себе лёгкий германский довоенный мотоцикл DKW RT125.

 

Поездки на рыбалку на мотоцикле настолько ему понравились, что он решил начать производство этого вида транспорта. 1 июля 1955 года компания принимает решение о разделении: одна ветвь компании производит мотоциклы (а впоследствии и гидроциклы, снегоходы и т.д.), а другая – музыкальные инструменты. Yamaha YA-1, первый, выпущенный в 1955 году, мотоцикл был точной копией того самого, немецкого DKW RT125 (впрочем, этот мотоцикл копировался всеми, кому не лень: англичанами - BSA Bantam, американцами - Harley-Davidson Hummer, в Польше – WFM Sokół 125 и в СССР – ММЗ М-1А "Москва"-ММВЗ "Минск") Стоимость мотоцикла в 138 000¥ была недоступна большинству желающих - средняя зарплата выпускника колледжа равнялась 10 780¥. В то время, когда в мотоциклетном дизайне доминировал чёрный цвет, YA-1 удивил мир своим каштаново-красным цветом. За простые формы и цвет он получил прозвище "Akatombo" - "Красная стрекоза".

 

Именно "Красной стрекозе" Yamaha обязана своими первыми спортивными победами: в первой же гонке в июле 1955 года у подножья горы Фудзи на YA-1 была одержана первая победа. Yamaha была первой японской маркой, выставлявшей свои мотоциклы на гонках в США и второй, вслед за Honda, принявшей участие в европейском Гран-При (в 1961 году). Первая победа по итогам чемпионата мира по мотогонкам состоялась в 1964 году, её для Yamahaв классе до 250сс на двухцилиндровом мотоцикле R056 одержал британец Фил Рид (Phillip William Read, 01.01.1939 – первый мотогонщик в истории, которому удалось выиграть чемпионскую корону во всех трёх классах).

 

Всего за годы выступления в чемпионатах мира гонщики, выступавшие на мотоциклах Yamaha, завоевали 37 чемпионских титулов, включая 16 титулов в самом престижном классе MotoGP/500сс.

 

Сегодня компания Yamaha располагает сетью из 60 заводов, расположенных в 45 странах мира, и занимает второе место в мире по производству мототехники. С 1989 по 1997 год Yamaha выступала как производитель двигателей для автомобилей чемпионата Formula One: здесь успехи были скромнее – всего два подиума (3-е место Марка Бланделла на Tyrell в Гран-При Канады-94 и 2-е место Деймона Хилла на Arrows в Гран-При Венгрии-97).

 

Геничи Каваками начал работу в компании с 1937 года с рядовых позиций и дважды возглавлял Yamaha Corporation (1950–1977 и 1980–1983). Именно ему приписывают международный успех корпорации. В 1950-х он совершил серию поездок в США и Европу с целью изучения технологий и потребностей рынка. Его неформальное имя "Император" было заслужено благодаря выдающимся деловым и личностным качествам, глубокому пониманию взаимоотношений между компанией и потребителем. Он участвовал в организации самой большой в мире сети музыкальных школ и престижных музыкальных конкурсов. Каваками-младший – безусловный символ компании, определивший её стратегию на десятилетия вперёд.

 

В 1966 году был основан фонд Yamaha Music Foundation. Он проводит международные конкурсы Junior Original Concert, первый такой концерт состоялся в 1971 году в Японии, в 1973 году – в Западной Германии. Этим фондом проводится также Международный фестиваль Electone, представляющий молодые таланты, которые используют в своем творчестве новейшие технологии. Работа Yamaha над развитием музыкального образования помогает дальнейшему росту бизнеса: количество продаж пианино увеличивается с 24 000 в 1960 году до 100 000 в 1966, Yamaha становится крупнейшим производителем фортепиано в мире. "Действительно великий рояль - это единственное, что позволяет вам выразить глубокие эмоции перед аудиторией. Именно Yamaha создаёт такие рояли. В них заложена невероятная смесь эмоций, отзывчивости и технического совершенства. И поэтому я люблю Yamaha." Это слова великого пианиста Святослава Рихтера (7(20).03.1915 – 01.08.1997), которого связывают с компанией Yamaha долгие годы дружбы. История сотрудничества началась в 1968 году, когда Святослав Рихтер выбрал концертный рояль Yamaha CF для участия в музыкальном фестивале Menton Music Festival и сделал серию архивных записей.

 

Позднее, при участии маэстро Рихтера был разработан знаменитый концертный рояль Yamaha CFIIIS. Компания Yamaha поддерживает мероприятия, связанные с памятью Рихтера, такие как Международный конкурс пианистов им. С. Рихтера, Декабрьские вечера в Пушкинском музее, Музыкальный фестиваль в Тарусе.

В 1972 году Эл Фостер (Al Foster, 18.01.1943), игравший в то время с Майлзом Дэвисом, стал эндорсером барабанов Yamaha, и это был поворотный момент, после которого ударные установки Yamaha стали восприниматься как инструмент мирового класса, способный удовлетворить все требования ведущих музыкантов.

В 1971 году компания запускает производство полупроводников, и в 1974 году, вслед за Roland Corporation (первый японский коммерческий синтезатор - Roland Sh2000, 1973 год) и Korg (miniKorg 700, 1973 год), начинает продажи своего первого синтезатора Yamaha SY-1.

 

Это была портативная (12 кг) трёхоктавная монофоническая одноосцилляторная модель с 28 пресетными звуками, с огибающей ASR и простейшими возможностями для синтеза, которая проектировалась как опция для оснащения домашних электронных оргáнов Yamaha. Клавиатура была чувствительна к послекасанию, что в те годы было редкостью. Версия инструмента, заключённая в гастрольный кейс, носила индекс SY-2, имела модифицированную схему, и ещё более выразительное, плотное, звучание, но, что самое любопытное - этот синтезатор поучаствовал в блокбастере Стивена Спилберга "Близкие контакты третьей степени" (появился в ленте даже раньше ARP2500) как гаджет французского уфолога, роль которого в фильме исполнял Франсуа Трюффо (отметка ролика 0:15 – 0:25).

 

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/N6S0RwxIJ60?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

 

YAMAHA GX-1

В 1973 году на выставке NAMM Yamaha представила свой первый полифонический и мультитембральный синтезатор Yamaha GX-1. На его разработку компания Yamaha затратила гигантский по тем временам бюджет, более 4 000 000$. Синтезатор создавался как тестовая модель не для массовой продажи: это был настоящий монстр - инструмент в фиберглассовом корпусе белого цвета весил 300 кг, стойка с педальной клавиатурой – ещё 87 кг, в комплекте шли четыре специальные акустические системы TX-II массой по 140кг.

 

Продажи начались в 1975 году, а поскольку стоимость GX-1 была заоблачной – 67 867$ (почти треть миллиона долларов в нынешних ценах; для сравнения: тогдашние синтезаторы стоили 2 000-4 000$, в 1975 году это была средняя цена автомобиля), то позволить себе приобрести этот инструмент могли лишь единицы. Первое концертное исполнение состоялось в 1975 году на 12-м международном фестивале Electone, на котором Яоэ Хирабе получил Гран-При за "Rhapsody Оn GX". Всего было собрано около 50 экземпляров, пределы Японии покинули менее десяти. Yamaha GX-1 – один из самых редких и дорогих синтезаторов за всю историю, поэтому (веб-страница всё стерпит) – роликов с его участием будет неоправданно много.

STEVIE WONDER Village Ghetto Land (Gary Byrd/Stevie Wonder) 1976

" rel="nofollow"><iframe src="http://www.youtube.com/embed/uawb--HeK2I?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe>

Стиви Уандер, увлечённый синтезаторами, первым из музыкантов приобрёл причём, сразу два Yamaha GX-1, и называл GX-1 "машиной мечты". Один из этих инструментов находится сейчас в лос-анджелесском музее мадам Тюссо рядом с восковой фигурой Уандера.

 

С их помощью записывался его знаменитый альбом Songs In The Key Of Life - партии струнных в песнях Pastime Paradise и Village Ghetto Land. Уандер подобрал тембры скрипок и виолончели, их записали со съёмных акустических систем синтезатора прямо на микрофоны, и сходство с реальными скрипками получилось очень убедительным. Звукорежиссёр альбома Гари Олазабал рассказывал: "Позже, когда мы были в студии Record Plant в городке Саусалито, мы прокрутили песню для одного легендарного музыканта, чьё имя я не хочу называть, чтобы не расстраивать его. Он спросил Стиви, где записывали струнные, и Стиви ответил, что это Лондонский Филармонический оркестр. Ну, парень поверил ему, хотя мы со Стиви пошутили; к счастью, парень ушёл и больше не появлялся в студии. Я сказал: "Стиви, давай ему скажем правду", — так и не сказали".

Первоначально синтезатор (на стадии разработки модель называлась Electone GX-707) позиционировался как оргáн (B3 образца XXIII века - так говорили о GX-1) и состоял из пяти секций: две чувствительных к динамике клавиатуры по пять октав (Upper и Lower) с полифонией 8 голосов, один одноголосный мануал (Solo, фактически – встроенный SY-2), из 37 клавиш, ножная басовая педальная клавиатура (25 педалей), в общей сложности – 184 клавиши (!!!) и ещё - интегрированная секция драм-машины: всё это - совершенно невероятные даже в наше время возможности по управлению звуком.

 

 

Чтобы понимать, насколько радикален был GX-1 на момент своего появления, достаточно вспомнить, какие инструменты в 1975 году имелись в распоряжении рок-клавишников. Электропиано, электроорганы, клавинет, меллотрон, стрингс-синтезаторы и синтезаторы-монофоники – вот и весь список. Да, компания Oberheim анонсировала четырёхголосный 4-Voice, а Moog Music вывела на рынок Polymoog, но это были всё-таки ещё не "настоящие" полифонические синтезаторы.

EMERSON, LAKE & PALMER Fanfare For The Common Man (Aaron Copland, arr. Keith Emerson) 1977 #2UK

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/fK92hdp6u18?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

Кит Эмерсон: "Он (GX-1) весил больше, чем контейнер с сумоистами, и пока команда техников устанавливала каркас, красочных выражений ему посвящалось больше, чем кому-либо. Я выбрал настоящего монстра, но и возможностей у него было как раз для крупнейшего хита ELP".

 

 

Fanfare For A Common Man – классическая работа родившегося в семье выходцев из России американского композитора Аарона Копленда, написанная им в 1942 году для Симфонического оркестра Цинциннати под впечатлением от знаменитой речи тогдашнего вице-президента США, левого радикала и мистика, Генри Уоллеса 8 мая 1942 года - "The Century of the Common Man", в которой тот объявил скорое наступление "века простых людей": "Век, в который мы вступаем и который возникнет из этой войны, может и должен быть веком простого человека". Копленд: "…всякий раз, когда я давал им разрешение, я находил в их версии исполнения нечто такое, что мне нравилось, и ради чего я давал им это разрешение. Конечно, я всегда больше предпочитаю собственный вариант (смеётся), но они сооружают вокруг него что-то своё, они не делают буквальное переложение моего произведения, они - одарённая группа. В данном случае я разрешил им делать это, потому что они начинают композицию почти как у меня, и заканчивают её практически точь-в-точь. А вот то, что они делают в середине - я до конца не совсем понимаю, как они умудряются связать это с моей музыкой, но каким-то образом (смеётся) делают это". Эмерсон: "Я чётко следовал партитуре и ничего не менял. Всё, что мы добавили — это ритм в стиле шаффл в исполнении Грега и Карла, а всё остальное я бережно отыграл на Yamaha GX-1. Да, я добавил блюзовое соло, но Копленд известен лояльностью к американской культуре!"

EMERSON, LAKE & PALMER Peter Gunn (Henry Mancini) 1977

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/Gbvy2R0LLrc?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe>

- А как так получилось, что Вы решили играть на Yamaha GX-1?

Кит Эмерсон: Вообще-то я скептически отношусь ко всем этим новым синтезаторам, потому что их уже, кажется, тысячи, и я многие из них перепробовал. Что касается Yamaha, я весьма недоверчиво отнёсся к тому, что об этом синтезаторе говорили. А говорили, что он может буквально всё. Вначале я не придал этому значения, я сказал: "Окей, я попробую поиграть на нём, так же, как пробовал другие инструменты". Я пришёл к ним в офис, там были два японца, которые стояли и с восхищением смотрели на этот синтезатор. Они объяснили мне, как с ним обращаться. Чем дольше я играл на нём, тем больше понимал, что инструмент мне действительно нравится. Я что-то менял в настройках, и эти джентльмены сразу спрашивали меня: "Как, как Вы это делаете? Минутку, это же здорово, как Вы это сделали?". На GX-1 можно делать тысячи настроек. А клавиатура у него очень лёгкая, клавиши, как пёрышки. Мне такая совсем не нравится. Я люблю ощущать вес в клавишах. Я даже просил моего техника, Криса Янга, прикрепить свинцовые грузики под каждой клавишей, однако стержни клавиатуры не выдержали бы дополнительный вес. Но всё-таки я сказал: "Фантастический инструмент! Я бы хотел поиграть на нём какое-то время". Они мне предоставили инструмент на неделю, а затем пришли забрать его для какого-то музыкального шоу. К тому времени я узнал, сколько он стоит, и это был лёгкий шок. Но после того, как я попробовал его, я уже ни на чём больше не играю. Я уже не использую ни орган, ни синтезатор Moog, всё делает Yamaha. Это показывает, насколько я полюбил его. Больше ничего и не надо, это - абсолютно самодостаточный инструмент.

 

Эта пьеса - обработка заглавной темы новаторского для своего времени детективного сериала Питер Ганн, эпизоды которого транслировались по каналам NBC и ABC в течение трёх сезонов с 1958 по 1961 годы. Это была первая работа композитора Генри Манчини с режиссёром Блейком Эдвардсом, после которой началось их многолетнее сотрудничество, включающее в себя "Завтрак у Тиффани" (со стандартом Moon River в исполнении Одри Хепбёрн), "Дни вина и роз" (с песней Days of Wine and Roses), а также "Розовая пантера", "Большие гонки", и многие другие ленты. Музыкальное сопровождение к этому сериалу, в котором использовались джазовые мотивы, сильно отличалось от оркестровок большинства голливудских композиторов того времени, ориентированных на симфоническую оркестровую музыку. Фирма RCA издала Peter Gunn отдельным альбомом, который пользовался огромной популярностью, за этот саундтрек Манчини удостоился двух премий Grammy.

В GX-1 звук каждого голоса формируется миксом сигналов двух осцилляторов (VCO), генерировавших семь видов звуковых волн, и обрабатывается 2-х-полюсным фильтром (VCF), низкочастотным осциллятором (LFO) и двумя генераторами огибающей (EG) типа ADSR (с фантастическим временем атаки – 1 миллисекунда) – всего имелось 36 звуковых схем, 36 VCO, 72 EG, 144 VCF. Из-за того, что все суб-модули были залиты эпоксидной смолой, только звуковые карты GX-1 весили больше, чем весь Polymoog.

 

Исполнитель мог модулировать звук при помощи ленточного контроллера, расположенного над соло-клавиатурой, ринг-модулятора, двумя педалями и пружинным коленным рычагом. Боб Муг, как мы помним, ещё в 60-х использовал ленточные контроллеры для сдвига высоты тона в своих синтезаторах, однако пользоваться ленточным контроллером GX-1 было гораздо удобнее, так как он не имел жёстко заданного центра, от которого необходимо осуществлять сдвиг. Центром становится любая точка, которой касается палец. Перемещая его вправо, можно сдвинуть тон на октаву вверх, а при перемещении влево высота тона снижается вплоть до 0 Гц (!). Самая же нижняя клавиша может производить лишь звук с фундаментальной частотой в 32 Гц. Голоса синтезатора (от верхней и нижней клавиатур) можно было смешивать вместе подобно тому, как это происходит в оргáнах, плюс ко всему, на полифонический звук могла накладываться партия монофонического синтезатора.

LED ZEPPELIN All My Love (John-Paul    Jones/Robert Plant) 1979

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/xmCtmx9ievE?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

В конце 1978 года Led Zeppelin приступили к записи своего последнего студийного альбома. Сессии In Through the Out Door проходили в Стокгольме, в принадлежавшей ABBA Polar Studios, и, возможно, что по примеру Бенни Андессона, владельца одного из GX-1, Джон Пол Джонс нашёл себе новую, как он её сам называл, "игрушку", вместе с которой он чувствительно доминирует на пластинке, резко изменив концепцию звука группы. Как вспоминал Джонс: "Мы разделились тогда на два лагеря, я и Плант были в сравнительно чистом лагере". Плант и Джонс делали множество песен днём, а Пейдж и Бонэм добавляли свой вклад по ночам. По словам Джонса, такой расклад произошел: "в основном потому, что у меня появилась новая игрушка. Это были новые большие клавиши. Роберт и я обычно рано приходили на репетиции... Так что к приходу остальных мы с Робертом обычно делали по три-четыре песни. Самые стóящие из них мы сразу начинали репетировать". Плант: "In Through the Out Door был, конечно же, не лучшей вещью в этом мире, но мы, по крайней мере, попытались внести какое-то разнообразие в то, что мы делаем, хотя бы даже ради собственной целости. Из всех пластинок Led Zeppelin, эта - интересная, хотя и немного сглаженная, просто потому что мы на долгое время выпали из обычного грохота и хаоса. В 77-м, после того как я потерял своего мальчика, я больше не хотел разъезжать, напевая "Hey hey mama say the way you move". Это потеряло для меня всякое значение. In Through the Out Door - более сознательный и менее животный альбом". Плант имеет в виду трагедию, произошедшую в его семье: 26 июля 1977 года музыканты прилетели в Новый Орлеан, где на 30 июля намечался концерт на стадионе Louisiana Superdome. Они регистрировались в гостинице French Quarter, когда Планту позвонила из Англии его жена Морин и сказала, что их сын, пятилетний Карак, серьёзно болен. А через два часа она позвонила вновь и сообщила, что сын умер: врачи нашли неопознанную инфекцию в желудке. Одна из вещей в альбоме, All My Love, навеяна этим горем и посвящена Плантом своему сыну. Это - одна из самых трогательных и пронзительных песен Led Zeppelin, а экспрессивное вибрато Джонса, имитирующего на GX-1 барочный рожок (отметка 2:34 ролика), - одно из самых красивых синтезаторных соло. Сам вокалист вспоминает запись песни как "один из прекраснейших моментов в истории группы". Реакция на альбом была неоднозначной, но продавался он просто здорово, особенно в Америке, где его просто сносили с полок. По обе стороны Атлантики он вскоре возглавил хит-парады, реанимировав интерес к прошлому творчеству группы. В результате, в конце октября 1979 года в Тор-200 Billboard находились девять (!!!) пластинок группы, то есть весь каталог Led Zeppelin. Никто и никогда, ни до, ни после, не добивался подобных показателей. Явная склонность Джонса к музыке усложнённой и более разнообразной, чем ортодоксальный хард-рок, позволила группе получить новые ориентиры в своём развитии, и показала, насколько был велик потенциал Zeppelin, стремительно влетавшего в новое десятилетие. Но 25 сентября 1980 года все надежды разом рухнули, и группа прекратила своё существование: барабанщик Джон Бонэм скоропостижно скончался от удушья, вызванного передозировкой спиртного.

 

LED ZEPPELIN Kashmir (Jimmy Page/Robert Plant/John Bonham) 1975/1979

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/hW_WLxseq0o?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

Oh let the sun beat down upon my face, stars to fill my dream

I am a traveler of both time and space, to be where I have been

To sit with elders of the gentle race, this world has seldom seen

They talk of days for which they sit and wait and all will be revealed

 

Talk and song from tongues of lilting grace, whose sounds caress my ear,

But not a word I heard could I relate, the story was quite clear

 

Пусть солнце на лицо падёт, наполнят звёзды сон,

Я - путешественник в мирах, я - странник тех времён,

Когда сидел я у костра, старейшинам внимал –

Их предсказаниям тогда никто не доверял.

 

Слова звучали словно песнь, мой услаждая слух.

Хоть я язык не понимал, но я и не был глух.

(перевод Ирины Емец)

Роберт Плант: "Stairway To Heaven – хорошая английская песня, но она не является определяющей для LZ, такой песней был Kashmir". Замысел этого мегашедевра зародился у него ещё в 1973 году, когда Пейдж с Плантом отправились в Марокко на Национальный фестиваль фольклора. Они двигались из города Гулимин в город Тантан по транссахарскому шоссе. "Это была одноколейная дорога, которая тянулась по пустыне. В радиусе двух миль на восток и на запад располагались протяжённые каменисто-песочные насыпи. Создавалось впечатление, что мы едем по дну какого-то канала, которому не было видно конца и края". Неровный и резкий гипнотический ритм родился во время полуночных репетиций Пейджа и Бонэма, а Джон Пол Джонс придумал оркестровую аранжировку, благодаря которой песня украсилась индо-арабским орнаментом. В студии партии духовых и струнных инструментов исполнили приглашённые музыканты, что было нетипично для Led Zeppelin. Музыканты и сами понимали, что сотворили шедевр, мало того, все они сошлись во мнении, что это лучшая композиция за всю их карьеру, и исполняли её на всех живых выступлениях, где Джонс сначала использовал в качестве оркестровки "струнные" меллотрона, а во время последних туров 79-80 годов – заменил капризный плёночный "сэмплер" на безотказный Yamaha GX-1. В 1981 году Джонс продал свой синтезатор Киту Эмерсону, у которого собственный GX-1 сильно пострадал, когда трактор протаранил его домашнюю студию. Сегодня синтезатор, на котором играли Джонс и Эмерсон, принадлежит итальянскому коллекционеру Риккардо Гротто, а первый GX-1 Эмерсона приобрёл в 1995 году оскароносный кинокомпозитор Ханс Циммер.

Помимо всего прочего, в GX-1 имелась возможность сохранять пользовательские патчи: в верхней части инструмента, поверх клавиатур и органов управления, под четырьмя (по числу клавиатур) откидывающимися крышками находились 70, размером немного больше спичечной коробки, картриджей (Tone Module) – по 20 для верхней, нижней и педальной клавиатур, и 10 – для соло-клавиатуры.

 

Существовало два типа картриджей: с заводскими установками Yamaha (Fixed Tone Modules – они имели шестизначные цифро-буквенные "серийные номера", первая буква которых обозначала "натуральные" звуки – с А по I, и "электрические" звуки – с J по Z) и картриджи с программируемыми настройками, на нижней грани которых были доступны 26 микровинтов-потенциометоров по числу дискретных электросхем синтезатора, участвующих в формировании звука.

                    

Фактически каждый такой отдельный картридж был идентичен панели обычного аналогового синтезатора. Для программирования собственного звука музыканту было необходимо извлечь такой картридж из слота под крышкой, и подключить его к специальному устройству, Tone Module Setting Box (не входившему в комплектацию, и оттого ещё более редкому, чем сам GX-1), которое, в свою очередь, нужно было подсоединить к пустующему слоту, как бы "обманывая" синтезатор.

 

В левой части панели Setting Box имелись 26-позиционный селектор, и три лампочки: To Left, To Right и OK. Для того, чтобы зафиксировать комбинацию настроек синтезатора с понравившимся звуком, селектор последовательно переключался в каждое из 26 положений, а соответствующий микровинт на корпусе картриджа поворачивался в соответствии с указанием лампочек до тех пор, пока индикатор не показывал ОК. Не самая простая процедура, однако, не забудем, что это было за три года до появления микропроцессора Z80, позволившего компании Sequential Circuits создать синтезатор (Prophet 5) с памятью на 40 пользовательских патчей.

ABBA Summer Night City (Benny Andersson/Björn Ulvaeus) 1978/1979 #5UK

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/8-BKDfBudcY?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe>

Записанный в 1978 году сингл Summer Night City предварил очередной лонгплей Voulez-Vous, вышедший в апреле 1979 года. 43-секундное вступление к песне, выполненное в балладном стиле, было тщательнейшим образом отредактировано, но качество записи не устраивало группу; в общей сложности сведе́ние песни заняло не менее недели — значительно больше, чем у любой другой записи группы. В конце концов, ABBA решили выпустить песню в сентябре как сингл, несмотря на свою разочарованность треком. Summer Night City стала первой песней за три года (со времён SOS), не достигшей топ-3 в Соединённом Королевстве, тем не менее, группа исполняла её во время мирового турне 1979 года даже с оригинальным вступлением, вырезанным в студии. Но любопытно другое: ABBA записали этот сингл в качестве своеобразного посвящения Bee Gees. Каково же было изумление Бенни и Бьорна, когда они узнали, что появившуюся годом ранее композицию If ICan't Have You из саундтрека к фильму Saturday Night Fever, ставшую хитом номер 1 Billboard в исполнении Ивонны Эллиман, Bee Gees писали, держа в уме... ABBA! Первичная запись происходила на Metronome Studio, но уже к 18 мая 1978 года ABBA переделали помещение кинотеатра постройки 1934 года на стокгольмском острове Кунгсхольмен в знаменитую звукозаписывающую студию Polar Studios, где позднее записывались Led Zeppelin, Genesis, The Ramones, Rammstein и многие другие. Синтезатор GX-1, который приобрёл Бенни Андерссон, был одним из центральных элементов Polar Studios, активно использовался Бенни при записи последних трёх альбомов группы, мюзикла Chess, а сегодня находится в его личной студии Riksmixningsverket. "Возможности этой машины - безграничны", - утверждает он.

 

И это – ещё далеко не всё. Соло-клавиатура GX-1, возможно, единственная из когда-либо созданных, обладает тремя режимами динамической чувствительности. Первый из них связан с реакцией синтезатора на скорость нажатия и управляет атакой огибающей, второй – с силой нажатия и контролирует характер звука (глухой, прозрачный) и его громкость, а третий даёт возможность движениями нажатой клавиши в горизонтальной плоскости управлять эффектами вибрато и вау-вау.

В синтезатор была встроена драм-машина, которую обозреватель International Musician magazine Джордж Гиббс описал как наиболее реалистично звучащую из всех, которые он когда-либо слышал. Авто-ритм имел 14 режимов – марш, вальс, свинг, танго, румба, босанова, самба и прочие, и 12 звуков – басовый барабан, бонго, колокольчик, хай-хет, цимбалы и другие.

 

RICK VAN DER LINDEN & BERDIEN STENBERG

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/XJkgn3ilnt4?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

Вообще-то, в ролике – EX-1, домашняя версия линейки Electone, близкая по устройству к GX-1, выпущенная в 1977 году в количестве 10 экземпляров по цене 34 903$ - третье место в списке самых дорогих синтезаторов Yamaha. За клавиатурой - Рик ван дер Линден (Rick van der Linden, 05.08.1946 – 22.01.2006), один из самых известных голландских клавишников. Рик начал обучаться игре на фортепиано с семилетнего возраста, в 1965 году поступил в Королевскую консерваторию в Гааге, и окончил её с отличием по классам органа, фортепиано, гармонии и контрапункта. В 1968 году, посетив в Роттердаме концерт The Nice, на котором трио Эмерсона исполняло свою версию 3-го Брандербургского концерта Баха, ван дер Линден решает присоединиться к группе Ekseption, которая исполняла джазовые и поп-интерпретации классических произведений. Группа добилась заметного коммерческого успеха в Голландии, пять её дисков получили золотой статус, а второй – был признан в 1969-м альбомом года. В 1978 году со своим троюродным братом Пьером ван дер Линденом, бывшим барабанщиком Focus, организовал трио Trace, вместе с Маришкой Вереш участвовал в проекте лидера и автора большинства песен Shiking Blue Робби ван Леувена Mistral, записывал сольные альбомы, один из которых называется GX-1, и выполнен исключительно с помощью синтезатора Yamaha. http://www.youtube.com/watch?v=pIG1WiDqGL4 В 2005 году в результате инсульта Рик был частично парализован, а через год пятьсот человек пришли на кладбище Хогевена проводить в последний путь знаменитого музыканта.

Yamaha GX-1, напоминавший своим видом пульт управления космическим кораблём из научно-фантастического фильма, стоил столь же космически дорого, поэтому, разумеется, позволить себе владеть этим аппаратом могла лишь элита поп-музыки.

 

Среди них, помимо упоминавшихся Уандера, Андерссона, ван дер Линдена, Эмерсона и Джонса – владелец RAK Records и продюсер The Animals, Arrows, Herman's Hermits, Donovan, Suzi Quatro, Hot Chocolate и Jeff Beck Group, Мики Мост (его экземпляр синтезатора сегодня принадлежит Ричарду Джеймсу из AphexTwin), Юрген Фритц из группы Triumvirat. Церковь саентологии Mountain View в Калифорнии также владеет одним экземпляром.

EMERSON, LAKE & POWELL Touch And Go (Keith Emerson/Greg Lake) 1986 #60 US

<iframe src="https://www.youtube.com/embed/h3aGZ9FxAVE?showinfo=0" frameborder="0"></iframe>

В декабре 1978 года, после восьми лет совместной работы и 30 миллионов проданных пластинок, Эмерсон, Лейк и Палмер официально расстались. Летом 1985 года вице-президент Polydor Records предложил Эмерсону реформировать E.L.P.. Лейк с радостью принял предложение, Палмеру же вернуться в родной коллектив не позволил тогда контракт с Asia. Прослушав нескольких ударников, в том числе известного сессионщика Саймона Филипса, Эмерсон обратился с предложением к своему давнему другу, выдающемуся барабанщику Кози Пауэллу, заменить Карла. Тот факт, что в результате инициалы группы остались прежними, дало основание циникам утверждать, что Пауэлла лишь за этим и пригласили. В ответ Эмерсон заявил, что Кози занял место Палмера только после того, как переговоры с Филом Поллинзом, Ринго Парром и Джином Прупа (Джин Крупа - виртуоз свинговой эры, умерший в 1973) не увенчались успехом. Тем не менее, именно Пауэлл исполнил на великолепном альбоме 1986 года роль "мотора": невзирая на то, что стиль группы был не слишком привычен для Кози, барабанщик продемонстрировал феноменальную игру. Единственный альбом Emerson, Lake & Powell занял в Британии 35-е, а в Америке - 23-е места хит-парадов. Не менее успешным оказалось и турне по Штатам, стартовавшее в августе, но гастроли также оказались первыми и последними для данного состава.

…и последнее явление ямаховского монстра:

EMERSON, LAKE & PALMER Black Moon (Keith Emerson/Greg Lake/Carl Palmer) 1992

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/JcjtOLbWbPI?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe>

Классический звук ELP дополнился возможностями новейших инструментов и технологий, композиции стали короче, чем в 70-е годы, и более доступными для современной публики. Возрождённая группа активно выступала на протяжении 1992 и 1993 годов, был намечен выпуск очередного альбома. Но к этому времени у Эмерсона возникли проблемы с нервом правой руки, и ему пришлось перенести тяжелейшую хирургическую операцию.

YAMAHA CS-80

Потратив огромные средства на разработку супер-синтезатора GX-1, который был слишком дорогим для массового производства, и являлся лишь стартовой площадкой для коммерческих разработок, Yamaha использовала полученные знания и опыт при создании более простых и доступных инструментов, которые стали выпускаться в значительных количествах и которые вознесут фирму к синтезаторному олимпу. Эта тактика себя оправдала, Yamaha и впоследствии успешно её использовала — например, при создании FM (FM-синтез, или частотная модуляция) и VS (векторный синтез) синтезаторов, и всего через год после появления GX-1 на его базе была создана серия синтезаторов CS, представители которой имели близкие к GX-1 характеристики, но были гораздо более компактными и намного менее дорогими. По поводу того, какой из синтезаторов CS-серии появился первым, трудно сказать что-то определенное — точно известно только, что это произошло в 1976 году. Некоторые источники утверждают, что первым был CS-50, а CS-60 и CS-80 появились лишь через год, другие же указывают 1976 как год появления всей CS-серии. Скорее всего, синтезаторы разрабатывались одновременно, а CS-50, как наиболее простой, был закончен первым. С появлением этих синтезаторов Yamaha стали воспринимать как крайне серьёзного конкурента на рынке электронных инструментов.

 

Старшую модель CS-серии, YamahaCS-80, создатели постарались максимально приблизить к GX-1: CS-80 при использовании одной клавиатуры имеет почти все те же возможности, что и GX-1. У CS-80 – та же восьмиголосная полифония, как и у GX-1, а уникальную архитектуру синтеза CS-80 также почти без изменений унаследовал от GX-1, поэтому он по праву считается первым великим синтезатором, сделанным в Японии.

 

WINGS With A Little Luck (Paul McCartney) 1978 #1 US #5 UK

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/pwE7vmGaiLs?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

Бывший солист Moody Blues Денни Лэйн (Denny Laine, Brian Frederick Arthur Hines, 29.10.1944) был видной поп-звездой шестидесятых. Он близко знал The Beatles, частенько выпивал и гулял с ними. Однако, покинув Moody Blues, Лэйн, с его привычкой к роскошной жизни, истратил всё, что заработал прежде, и к моменту звонка Маккартни докатился до того, что спал на матрасе в задней комнате офиса своего менеджера Тони Секьюнда. Возможность работать с Маккартни была для него тем шансом, который было нельзя упускать, и когда Маккартни позвонил и сказал: "Я создаю новый ансамбль для гастрольных турне. Тебя это интересует?" "Конечно", - ответил Лэйн, и в тот же вечер вылетел в Шотландию, на ферму Маккартни". Пол: "Мне всегда нравился его голос и песни, поэтому я и решил, что это подходящий человек для совместной работы. Наши голоса как бы дополняли друг друга".

CS-80 намного меньше GX-1, но всё равно остается самым громоздким из всех серийных синтезаторов и весит около 100 кг. Его дизайн повторяет дизайн комбоорганов серии YC, которые Yamaha выпускала в начале 70-х годов — инструмент как бы встроен в жёсткий кейс, закрывающийся сверху крышкой. Все регуляторы, кнопки и переключатели также заимствованы у электроорганов Yamaha Electone и YC. Для каждой функции CS-80 на передней панели имеется отдельный регулятор или переключатель, причем они разных цветов, чтобы легче было ориентироваться. Для регуляторов среза фильтра и частотно-импульсной модуляции используется зелёный цвет, для резонанса — красный, для высоты тона — белый, регуляторы громкости имеют серый цвет, затухания — желтый, а все остальные черные. Кнопки вызова пресетов также раскрашены во все цвета радуги, что придает инструменту несколько легкомысленный вид.

 

U.K. In The Dead Of Night (Eddie Jobson/John Wetton) 1978

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/74GBPl2FaK0?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

U.K. – недолго просуществовавшая прог-супергруппа, успевшая за короткий отрезок выпустить два прекрасных студийных альбома, - в марте 1978-го дебютировала с одноимённой пластинкой, доказавшей, что даже во времена разгула диско и панка прогрессивный рок может оставаться популярным. Работа, сочетавшая в себе приджаззованную гитару Аллана Холдсуорта (Soft Machine, Gong), многослойные синтезаторные подклады и электроскрипку Эдди Джобсона (Edwin "Eddie" Jobson, 28.04.1955, Roxy Music), изысканную ритм-секцию Билла Бруфорда (Yes, King Crimson) и Джона Уэттона (King Crimson, Uriah Heep), вызвала немало хвалебных откликов, а продажи дисков находились на достаточно высоком уровне. Выход пластинки сопровождался крупномасштабным туром, который хоть и прошел очень успешно, но посеял семена раздора между участниками группы.

U.K. Rendezvous 6:02 (Eddie Jobson / John Wetton) 1979

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/oZ5RgSPU3B4?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

Уэттон и Джобсон, на чьей стороне был менеджмент, старались вести команду в направлении коммерческого арт-рока, в то время как Холдсуорт по старой привычке на концертах впадал в джазовый импровиз. Бруфорд поддерживал устремления гитариста, и когда в коллективе произошёл окончательный раскол, Билл с Алланом ушли организовывать фьюжн-проект Bruford. Место ударника в U.K. получил успевший поработать у Фрэнка Заппы Терри Боззио, а вакансия гитариста так и осталась незаполненной. Работая в формате трио, весной 1979 года группа выпустила вторую полнометражку, Danger Money. Здесь музыка "британцев" стала более мелодичной и легко усвояемой, в то время как манера игры Боззио придала саунду некоторую жёсткость. (CS-80 - с ометки 2:45 ролика)

Для создания звуков в CS-80 используются две параллельные цепочки синтеза (в руководстве пользователя они названы "Channel I" и "Channel II"), каждая из которых фактически представляет собой отдельный синтезатор. Как уже говорилось, первым программируемым полифоническим синтезатором был SCI Prophet 5. Но синтезаторы CS-серии, появившиеся на два года раньше, также имеют пользовательские патчи, и здесь нет никакого противоречия, потому что CS-80 для их сохранения не используют микропроцессор. Вместо этого синтезатор оснащён четырьмя наборами миниатюрных регуляторов-потенциометров, которые являются уменьшенными копиями регуляторов передней панели. Они располагаются в небольшой нише в левой части синтезатора под откидывающейся крышкой.

 

 

В каждом из наборов можно сделать свои настройки, а потом вызвать их, нажав соответствующие кнопки патчей: в начале 70-х годов Yamaha использовала такой же способ сохранения настроек в своих электроорганах. Подобная система сохранения пользовательских настроек позволяет обойтись без микропроцессора, но это требует огромного числа внутренних соединений, что делает и без того сложный синтезатор ещё сложнее.

 

10CC Dreadlock Holiday (Eric Stewart/Graham Gouldman) 1978 #1 UK #44 US

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/jGLsAkeRd84?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe>

Эта песня в стиле белого реггей – последний супер-хит от поп/арт/глэм команды из Манчестера, более всего известной по синглу I’m Not In Love. За синтезатором – Данкан Маккэй (Duncan Mackay, 02.07.1950)

Кроме пользовательских патчей CS-80 имеет еще и два набора пресетных звуков (каждый набор предназначен только для своего канала):

Channel I — Strings 1, Strings 3, Brass 1, Flute, Electric Piano, Clavichord 1, Harpsichord 1, Organ1, Guitar 1, Funky 1, Funky 3;

Channel II — Strings 2, Strings 4, Brass 2, Brass 3, Bass, Clavichord 2, Harpsichord 2, Organ 2, Guitar 2, Funky 2, Funky 4.

Пресетные патчи звучат довольно просто и лишь отдаленно напоминают инструменты, заявленные в названиях, что, впрочем, характерно для всех аналоговых синтезаторов с непрограммируемыми пресетами. Кнопки вызова патчей расположены в два ряда (верхний ряд для первого канала, нижний — для второго). Последними в каждом ряду идут кнопки вызова двух пользовательских патчей (Memory) и патча, отстроенного регуляторами передней панели (Panel).

 

Пресетные, пользовательские и "панельные" патчи можно комбинировать в любых сочетаниях. Регуляторы передней панели у CS-80 функционируют только когда для данного канала выбран патч Panel. Изменять звучание пресетных и пользовательских патчей с их помощью нельзя, и, чтобы хоть как-то компенсировать этот недостаток, CS-80 оснащен регуляторами, которые позволяют изменять во время исполнения наиболее важные параметры синтеза. У CS-80 эти регуляторы располагаются над клавиатурой, справа от кнопок выбора настроек. Они позволяют изменять частоту среза (регулятор Brilliance) и резонанс (Resonance) в любом из патчей, включая патчи Panel. Используя эти регуляторы, ринг-модулятор и LFO, пресетные звуки можно изменить до неузнаваемости, а, комбинируя разные патчи, изменяя баланс каналов и расстраивая их регулятором Detune, можно получить множество новых звуков. Кстати, в руководстве пользователя приведены все параметры пресетных настроек, так что их можно воспроизвести с помощью регуляторов передней панели и внести в них любые поправки, если изменения частоты среза и резонанса регуляторами Brilliance и Resonance недостаточно.

 

TOTO Hold The Line (David Paich) 1978 #5 US #14 UK

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/htgr3pvBr-I?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

Дэвид Пэйч и Джефф Поркаро устали работать на других исполнителей, и решили организовать собственную команду, а компанию им составили их школьные приятели Стив Люкатер и Стив Поркаро (Steven Maxwell "Steve" Porcaro, 02.09.1957), а также партнёр по сессиям Дэвид Хангэйт и вокалист Бобби Кимболл. Когда новоиспечённые софт-рокеры, многие годы шлифовавшие своё мастерство в качестве сессионных музыкантов, записали свой одноимённый дебют, им было от силы пять минут от роду, но это не помешало их первому синглу ворваться в чарты по обе стороны Атлантики, попутно обеспечив альбому миллионные продажи.

CS-80 оснащён пятиоктавной (61 клавиша) динамической клавиатурой с полифоническим послекасанием, очень похожей на ту, которая используется в электропиано Yamaha CP20/30. Именно эта клавиатура является ключом к уникальным исполнительским возможностям CS-80. Клавиатура позволяет контролировать VCO (высоту тона), VCF (частоту среза) и VCA с помощью динамики, а также VCF, VCA, LFO и импульсную модуляцию с помощью полифонического послекасания, причём степень воздействия динамики/послекасания на параметры синтеза устанавливается отдельно для каждого канала. Ничего подобного в то время не имел ни один синтезатор. Помимо всего, CS-80 оснащен ленточным контроллером, который позволяет сделать исполнение ещё более выразительным.

RAINBOW Since You’ve Been Gone (Russ Ballard) 1979 #6 UK #57 US

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/xfWPqRtozh0?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

После мирового тура в поддержку Long Live Rock 'N' Roll Ритчи Блэкмор решил освоить рынок США и сделать музыку своей группы более коммерческой, чем вызвал недовольство Ронни Дио. В результате вспыхнувших разногласий Ронни удалился, микрофон перешёл к обладателю хриплого вокала Грэму Боннетту, попутно были уволены басист и клавишник, чьи места заняли Роджер Гловер и Дон Эйри. Хотя диск Down To Earth по качеству уступал работам периода фэнтези-металл, и не снискал особого успеха в США, однако коммерческий результат у работы всё же был - за счёт синглов All Night Long и Since You've Been Gone (написанной Рассом Баллардом из Argent).

 

 

Продолжение следует:  http://maxpark.com/user/303030624/content/2876769 

maxpark.com

Легендарные электроклавиши. Синтезаторы фирмы Yamaha. Часть 3

Продолжение, начало здесь:

http://maxpark.com/user/303030624/content/2840230  

и здесь: http://maxpark.com/user/303030624/content/2876769 

 

Вероятно, многим знакома история о том, как в январе 1962 года Майк Смит и Дик Роу, ответственные за поиск молодых талантов для звукозаписывающей компании Decca, сочли преждевременным подписание контракта с одной никому тогда не известной группой, а уже через каких-то два года после пренебрежительного отказа The Beatles, Decca выполняла заказ EMI на спешную допечатку дополнительного тиража пластинок: мощностей EMI уже не хватало для того, чтобы удовлетворить спрос поклонников. Нечто похожее произошло и с открытием Джона Чоунинга.

После четырёх лет экспериментов Чоунинг понял, что FM-синтез может быть с успехом использован производителями музыкальных инструментов, он обратился в Управление лицензирования (Office of Technology Licensing, OTL) Стэнфорда, которое 2 мая 1975 года подало заявку на патент, удовлетворённую 19 апреля 1977 года (US 4018121 A). Увы, тогда ещё не пришла эра повсеместного распространения персональных компьютеров и цифрового звука, а FM-синтез оказался слишком сложным для аналогового управления. Вся надежда была на крупных производителей электроорганов - Wurlitzer, Baldwin, Allen, Lowrey, Hammond. Однако, почти все они не проявили интереса к новой технологии, а у инженеров Hammond, не знакомых с цифровой электроникой, не было ни малейшего представления о том, как её практически реализовать. Зато технологией заинтересовалась фирма Yamaha, которая делала тогда самые первые шаги на американском рынке музыкальных инструментов, и уже два года (не слишком успешно) разрабатывала собственный метод цифрового синтеза. В США для консультаций с изобретателем приехал японский инженер Казукио Ишимура (Kazukiyo Ishimura, 1938, в будущем, с 1992 по 1997 год - директор Yamaha Electronics (UK) Ltd), которому хватило меньше десяти минут, чтобы оценить перспективность FM-синтеза. Как он вспоминал впоследствии, несмотря на то, что единственными цифровыми устройствами на тот момент были шкафо-подобные компьютеры, и компания вполне отдавала себе отчет в трудностях практической реализации данного метода синтеза, однако уже тогда Yamaha делала ставку на развитие цифровых технологий, справедливо считая их неотъемлемой частью электроинструментов будущего.

                                                                      

Напомним, что первые коммерческие цифровые синтезаторы появились в конце 70-х – начале 80-х годов, это были Fairlight Computer Music Instrument (CMI) (1979 год) и New England Digital (NED) Synclavier II (1980 год). Fairlight использовал семплерный метод синтеза, и стоил 18 000£ (25 000$). Synclavier – использовал комбинацию FM и семплерного синтеза, и ценник на него колебался в зависимости от модели от 25 000 до 200 000$ (как сказал один музыкант: "заплатив такие деньги, я думал, что смогу в нём жить"), поэтому, очевидно, что ни о каком массовом производстве речи идти не могло. Вдохновлённый примером Fairlight CMI, главный инженер E-Mu Дэйв Россум разработал дизайн инструмента, созданного для семплинга - E-Mu Systems Emulator. У ранних версий Emulator не было даже фильтров, а если музыкант отпускал клавишу, звук всё равно продолжал звучать, пока не заканчивался семпл. Неудивительно, что при стоимости в 10 000$ (в 1982 году цена была снижена до 8000$) этот семплер всё же стал прорывом на музыкальном рынке: новые улучшенные разработки E-Mu Systems не заставили себя долго ждать, и самое главное - в 1981 году следующий по цене конкурент стоил в два с половиной раза дороже. Помимо этого, небольшая немецкая фирма Palm Products GmbH, основанная изобретателем Вольфгангом Палмом (Wolfgang Palm, 1950), в 1981 году при финансовой поддержке музыкантов TangerineDreamвыпустила свой знаменитый синтезатор PPG Wave 2, использовавший метод таблично-волнового синтеза (wavetable synthesis), суть которого заключается в том, что в памяти инструмента формируется матрица, каждый из элементов которой представляет собой волновую форму - маленький фрагмент (период) семпла, базовый элемент, содержащий информацию о спектрально-гармоническом составе звука. Матрица служит таблицей данных для функции, которая описывает тембральную и динамическую структуру генерируемого сигнала. При этом синтезатор в каждый конкретный момент вычленяет из матрицы определённую волновую форму и циклически воспроизводит её в течение определённого промежутка времени. Скорость воспроизведения периодической волновой формы определяет частоту звучания сигнала, давая возможность извлекать различные ноты, задействуя минимум аппаратной памяти. Цифровой таблично-волновой синтез был дополнен в восьмиголосном PPG Wave 2 аналоговыми фильтрами и усилителями, и этот инновационный цифро-аналоговый гибрид обладал совершенно уникальным шероховатым, низкорезонансным, "песочным" звучанием, однако его стоимость (7 000-10 000$) и скромный тираж (300 штук PPG Wave 2.2 и 700 штук PPG Wave 2.3) превратили синтезатор в коллекционный раритет.

После двух годичных лицензий, в 1975 году между Стэнфордом и Yamaha было заключено лицензионное соглашение о предоставлении компании на 20 лет исключительных прав на технологию FM-синтеза, впоследствии принесшее университету в общей сложности больше 20 000 000$ и ставшее вторым наиболее прибыльным соглашением за всю историю университета (первое – лицензирование технологии рекомбинации ДНК). Директор OTL Стэнфорда Нильс Реймерс (Niels J. Reimers): "Мы догадывались, что FM может быть весьма важной технологией, но даже близко предположить не могли, насколько". Сам Джон Чоунинг также не остался внакладе: он получал роялти с каждого проданного Yamaha FM-синтезатора, а в 1975 году при поддержке музыкального факультета и при участии коллег – Леланда Смита, Энди Мурера, Лорена Раша и Джона Грея, стал основателем и директором Центра компьютерных исследований в музыке и акустике — CCRMA (Center for Computer Research in Music and Acoustics) при Стэнфордском университете – крупнейшего центра компьютерной музыки в США. Кроме этого, Чоунинг до 1995 года преподал в Стэнфорде – читал курс композиции и психоакустики, при этом CCRMA работает до сих пор.

Кстати сказать, в конце 80-х годов работы профессора Джулиуса Смита (Julius Orion Smith III) в CCRMA оформили алгоритм для ещё одного метода звукового синтеза – физического моделирования (также - цифровой волноводный синтез, Digital Waveguide Synthesis), при котором математически происходит моделирование комплекса реальных физических процессов, протекающих в музыкальных инструментах. Патент на него также был оформлен Стэнфордом, лицензия приобретена в 1989 году Yamaha, которая реализовала его в 1994 году в синтезаторе Yamaha VL1.

Что же касается Yamaha, то эти вложения вполне себя оправдали, и более того – вывели фирму в абсолютные лидеры отрасли, хотя пришлось ждать целых 10 лет, гораздо дольше, чем предполагали в Yamaha, прежде чем развитие микроэлектроники достигло уровня, позволившего выпустить на рынок массовый продукт на основе FM-технологии.

В 1973 году в подразделении Yamaha Electone, занимавшемся выпуском электроорганов (синтезаторного отдела у Yamaha тогда просто не было, поскольку синтезаторы она ещё не выпускала), началась разработка FM-синтезатора. С появлением нового поколения цифровых процессоров, отвечавших предъявляемым требованиям по вычислительной мощности, Yamaha создаёт в 1981 году свой первый цифровой синтезатор, Yamaha GS-1, после чего Yamaha переключилась исключительно на выпуск цифровых инструментов. Интересно, что Yamaha не называла продукты серии GS синтезаторами, а использовала расплывчатый термин "digital keyboards", при этом всячески подчёркивая их революционный тип синтеза.

                                         

Подобно GX-1, этот инструмент не стал массовым, а послужил тестовым полигоном для новой технологии синтеза. Yamaha GS-1 выглядел как кабинетный рояль с миниатюрной декой, был заключён в великолепный корпус из полированного дерева (1500 x 832 x 826 мм), весил около 90 кг, стоил 16 000$ (эквивалентно сегодняшним 50 000$, а если добавить сюда ещё и две трёхполосные стоваттные акустические системы TS-1, которые Yamaha рекомендовала использовать с GS-1, а также фирменный кейс, то цена возрастала почти вдвое), и предназначался для студийной работы. Впрочем, при желании его можно было и перевозить, поскольку ножки и педали были съёмными; Yamaha, как уже говорилось, предлагала для него жёсткий кейс, но подобную роскошь могли себе позволить немногие, поскольку это был один из самых дорогих синтезаторов за всю историю. Однако под обликом инструмента XIX века скрывалась передовая на тот момент электронная начинка, обеспечивающая шестнадцати пресетным звукам (фортепиано, электропиано, клавесины, клавикорды, органы, струнные, медные духовые и др.) 16-голосную полифонию с широкими возможностями исполнительского контроля (трёхполосный эквалайзер, аналоговый хорус, эффекты вибрато и тремоло), и полноценная 88-клавишная динамическая клавиатура с полифоническим послекасанием. При этом GS-1 по характеру звука был близок к аналоговым инструментам — весьма нехарактерное качество для FM-синтезатора, но легко объяснимое наличием аналоговых эффектов. Всего было продано около сотни GS-1, а ролик ниже – вероятно, первое появление синтезатора с технологией FM-синтеза в поп-музыке.

TOTO Africa (David Paich/Jeff Porcaro) 1982 #1 US #3 UK

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/FTQbiNvZqaY?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

Несмотря на значительный успех сборной сессионщиков, которые порой не знали, кому им придётся аккомпанировать утром, рок-критики знали, что в музыке, которую Toto записывали сообща вечером, всегда было больше фанка и джаза, и отказывались принимать их всерьёз, а журнал Time Out назвал их самой плохой командой в истории. "Что же, Toto хуже, чем синтетическая попса 80-х? – возмущался Стив Люкатер. – Журналисты не могли объяснить, почему называют нас дерьмовыми музыкантами, они просто ненавидели нас и всё. Но почему? Сам я всегда считал, что у нас дурацкое название, и мы никогда не были похожи на настоящих рок-звёзд. А когда старались на них походить, выглядели ещё глупее". Соло Стива Поркаро на GS-1 – на отметке ролика 2:51 – 3:07. На этом инструменте Стив также записал синтезаторную партию к сочинённой им балладе Human Nature из знаменитого Thriller Майкла Джексона.

YAMAHA DX7

В 1983 году подразделение Yamaha LSI (Large Scale Integration) начинает производство больших интегральных схем. Сегодня это подразделение занимается производством схем для синтезаторов, графических контроллеров, электронных чипов для рингтонов мобильных телефонов и звуковых карт Sound Blaster, микросхем для цифровых усилителей, чипов для GPS-навигации. В отличие от многих европейских и японских компаний, вынужденных продать свои полупроводниковые подразделения китайским собственникам, Yamaha продолжает выпускать микросхемы, в том числе и LSI на собственных мощностях. Это приносит не слишком большой доход (около 5 %), но зато позволяет фирме при разработке AV-компонентов ориентироваться на собственную элементную базу.

В июне того же, 1983 года, Yamaha выпускает на рынок свою легендарную модель Yamaha DX7, ставшую безусловным хитом восьмидесятых.

 

"Семёрка" имела колоссальный успех: при том, что первоначально Yamaha надеялась продать 15-18 тысяч DX7, за четыре года производства (с 1983 по 1987 год) было продано более 160 000 экземпляров, - и это третий показатель за всю историю, больше удалось реализовать (и то - в период, когда популярность DX7 пошла на убыль) лишь Roland (Roland D-50 – 200 000 экземпляров с 1987 по 1989 год) и Korg (Korg M1 - 250 000 экземпляров с 1988 по 1994 год). К тому же, успех Korg в выпуске M1 был неразрывно связан с Yamaha. Дело в том, что на момент появления М1 40% акций компании Korg, фактически контрольный пакет, принадлежали Yamaha. Сделка была заключена ещё в 1987 году, когда Yamaha была на пике после нескольких лет продаж DX7 в различных модификациях. Основатель Korg Цутому Като выкупил обратно долю Yamaha в своей фирме лишь в 1993 году.

 

DEPECHE MODE People Are People (Martin Gore) 1984 #4 UK #13 US

" rel="nofollow"><iframe src="http://www.youtube.com/embed/887qredDcbI?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe>

Мартин Гор: "Будь я сам рецензентом, я написал бы о нас плохо, по крайней мере, про первую пару альбомов. Нам никогда не нравилась музыка на первых двух наших альбомах, наоборот, мы с радостью о ней забыли бы. Недобрую службу нам сослужил и наш внешний облик — просто так случилось, что начало нашей карьеры выпало на очень странную эпоху в плане моды. Я недавно нашел пачку фотографий, сделанных в восьмидесятые, так там буквально всё выглядят ужасно — не только группа, но и все мои друзья. Вот и вышло, что, когда мы оказались в центре внимания, у нас была дурацкая одежда и дурацкие прически, с которыми нас потом ассоциировали". People Are People - десятый сингл Depeche Mode, и её первый мировой хит, притом, что Мартин Гор уже окончательно потерял надежду на прорыв в Соединенных Штатах, потому что тамошняя публика рассчитывала на танцевальную музыку, которую Гору писать не хотелось. Тем не менее, обновлённое звучание DM уже выходило за рамки стандартной коммерческой попсы: тяжёлый бит, необычная звуковая палитра, уникальное чувство мелодии, зачаровывающий танцевальный ритм и плюс ко всему социальный текст, - всё слилось воедино в цельном творении, которое журнал Record Mirror окрестил "металлическим попом". В Германии песня достигла первого места, а сингл стал самым продаваемым за 1984 год: летом его постоянно крутили по ТВ как фоновую композицию подведения итогов Олимпийских Игр. За клавишами DX7 – Алан Уайлдер (Alan Charles Wilder, 01.06.1959), ключевая фигура в развитии DM от их ранних поп-песенок до более тёмного стиля с насыщенной текстурой; фактически он создал классическое звучание её лучших альбомов, работая в качестве клавишника, аранжировщика и звукорежиссёра. В 1981 году Алан прочёл объявление в журнале Melody Maker о том что "популярной группе требуется клавишник в возрасте до 21 года, бездельникам не обращаться". На тот момент ему было уже 22, однако он решил скрыть этот факт, и отправился попытать судьбу. Первые песни DM казались ему слишком простенькими, и к тому же он запросто мог сыграть их одной рукой. Энди Флетчер: "Смешно, что Алану пришлось соврать насчет возраста. Из пяти человек он определённо был лучшим. Все остальные пришедшие на прослушивание были скорее нашими фанатами, чем музыкантами. Ему же даже не нравилась наша музыка. Однако, когда мы попросили его не только сыграть, но и напеть что-нибудь, он сделал это в течение двух секунд, только взглянув на текст песни..."

Основу DX7 составляют шесть звукообразующих модулей, получивших название "операторы" (Operators). В качестве базы для создания сложных звуков в синтезаторе используются простейшие синусоидальные волны. Каждый из производящих эти волны осцилляторов имеет свои собственные генератор огибающей (EG), усилитель и сумматор, и такой комбинированный модуль и называется оператором. Если выход одного оператора направить на вход другого, на выходе последнего будет частотно-модулированный сигнал.

         

Первый оператор будет в этом случае модулирующим (modulator), а второй — несущим (carrier). Поскольку в DX7 операторов не два, а целых шесть, появляется множество вариантов их коммутации. В отличие от модуляции посредством LFO, при котором частота самого модулирующего сигнала обычно остаётcя за рамками воспринимаемого человеческим ухом диапазона, в случае FM-синтеза модулятор и сам попадает в этот диапазон. А поскольку каждый из задействованных операторов может модулировать другие, возникает огромное разнообразие возможных тембральных оттенков. Один сигнал усложняет другой посредством частотной модуляции, второй, в свою очередь, воздействует на третий, и так далее.

 

 

                        

В синтезаторе DX7 существовала возможность для музыканта самому составлять цепочки операторов, и получать звуки беспрецедентной сложности, но имеющихся тридцати двух штатных комбинаций – заводских пресетов - вполне хватало для работы, что ещё раз доказывается огромной популярностью синтезатора.

 

CHICAGO You're The Inspiration (Peter Cetera/David Foster) 1984 #3 US #14 UK

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/CRfy1yorkec?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

Выпуская по альбому в год, группа Chicago была крупнейшим лидером сингл-чартов США в 70-х, а в новом десятилетии, когда Warner Bros., продюсер Дэвид Фостер и вокалист Питер Сетера сумели передавить команде джаз-роковую артерию с фирменным элементом стиля, - атакой духовых, - Chicago переродилась в заметное стадионное явление со слащавыми хитовыми пауэр-балладами и клипами на MTV. В ролике – целых четыре человека за клавишными, но тот, который с бородой, Билл Чамплин (William Bradford "Bill" Champlin, 21.05.1947), и играет на DX7 с пресетом E.Piano.

Схему соединения операторов назвали "алгоритмом" (Algorithm). Эти термины, оригинальные для синтезаторостроения, впоследствии стали традиционными. Алгоритмы предлагались самые разные: операторы можно было включить последовательно, параллельно и смешанно.

   

Весьма интересен вариант включения оператора с обратной связью (Feedback) — он при этом модулирует сам себя. Можно охватить обратной связью даже целую цепочку операторов, это давало огромное число разных оттенков звучания. И каждый из них легко восстановить в любой момент благодаря цифровой системе управления (если программист, конечно, не забыл сохранить пресет в RAM-памяти синтезатора или в специальных RAM-картриджах). Но это ещё не всё! Наличие у каждого оператора отдельного генератора огибающей позволяло создавать сложные тембры, способные изменять свой спектральный состав во времени.

 

a-ha Take On Me (Magne Furuholmen/Morten Harket/Pål Waaktaar) 1984/1985 #1 US #2 UK

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/P0zn7KEhrv0?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

К тому моменту, когда это никому не известное трио со своим хитом Take On Me стало первым (и до сих пор единственным) норвежским чарт-топпером, из скандинавов лишь ABBA удавалось пробиться на мировой поп-рынок. Одноклассники Пол Воктор и Магне Фурухолмен (Magne "Mags" Furuholmen, 01.11.1962), написали мелодию ещё в 16-летнем возрасте, и поначалу она носила совсем другое название. В конце 1983 года вместе со старым знакомым, вокалистом Мортеном Харкетом, парням удалось добиться контракта с Warner, однако первую версию сингла ожидал полный провал. Тогда Take On Me перемикшировали и в начале 1985 г. вновь запустили в продажу. И снова сингл никто не заметил. Поразительно, но компания не отвергла неудачливых викингов, и песню перезаписали третий раз - в результате чего она приобрела откровенно коммерческое синти-поповое звучание, весьма далёкое от первоначального замысла музыкантов. Но прежде, чем запустить многострадальную песню в продажу, компания решила подключить "тяжёлую артиллерию" и ударить не только по ушам, но и по глазам слушателя. В производство был запущен революционный по тем временам анимационный клип, сделанный методом ротоскопинга - где обрисовка плавно переходила в натуральные съёмки и наоборот. На съёмки клипа отвалили 100 000$, и длились эти съёмки (под руководством режиссёра Стива Бэррона и аниматора Майкла Паттерсона) аж 4 месяца. Но оно того стоило. Клип был запущен в тяжёлую ротацию на MTV за месяц до выхода сингла, и когда он таки вышел, публика уже была готова к "встрече со звездой", несмотря на то, что критика встретила дебют a-ha довольно высокомерно, отведя группе место этаких "поп-болванчиков".

Сдержанный внешний вид DX7 также был необычен для начала 80-х: в то время, когда производители синтезаторов вовсю стремились украсить корпуса своих инструментов натуральным деревом, обилием регуляторов, слайдеров, переключателей, японцы предложили "спартанскую" панель управления, на которой, помимо двух рядов мембранных кнопок вызова пресетов, находились лишь небольшой комбинированный светодиодный/ЖК монитор и 8 сенсоров для программирования. Слева от клавиатуры были размещены колёса отклонения тона и модуляции.

 

  

Строгое исполнение в тонком корпусе тёмно-коричневого пластика (масса DX7 – всего 14.5 кг), с нанесёнными шелкографическими схемами алгоритмов всех 32 пресетных звуков, подчёркивало наступление цифровой революции, которая сметёт громоздкие вычислительные машины, проигрыватели винила и неуклюжие аналоговые синтезаторы. Звуки можно было сохранять во внутреннюю RAM память на 32 ячейки, или же вставив специальный RAM картридж той же ёмкости в разъём на фронтальной панели. Все встроенные тембры можно было редактировать и перезаписывать в память. DX7 с завода поставлялся с двумя запрограммированными ROM картриджами, в каждом из которых находилось два банка по 32 тембра, в общем предоставляя покупателю 128 тембров на выбор.

 

GENESIS Invisible Touch (Tony Banks/Phil Collins/Mike Rutherford) 1986 #1 US #15 UK

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/epOBenUjIHw?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe>

Фил Коллинз, находившийся на пике популярности как сольный исполнитель, и уже четырежды покорявший американский хит-парад, словно локомотив, вытащил на вершину Billboard и сингл своей группы, для которой этот успех стал единственным за всю её многолетнюю историю. Что неудивительно, произошло это тогда, когда Genesis выпустили самый поп-ориентированный и самый продаваемый (свыше 15 миллионов копий) альбом в своей дискографии: критики вопрошали: "когда же, наконец, свободный мир отдохнёт от Коллинза?", а фабрики продолжали штамповать дополнительные тиражи. Соло Тони Бэнкса на Yamaha DX7 – на отметке ролика 2:09 – 2:23, остальные клавиши – MIDI-контроллер Yamaha KX88 и E-mu EmulatorII.

Поначалу, правда, на FM-синтез смотрели косо: современникам казалось, что звук у него слишком "тонкий", худосочный (если сравнивать с аналоговыми/субтрактивными приборами) и металлический. Причина тут была очень проста: вместо осцилляторов, управляемых напряжением, в FM-синтезаторах Yamaha стояли так называемые Digitally Controlled Oscillators (DCO), то есть "цифровые" осцилляторы, - и была на то не простая прихоть инженеров, но насущная необходимость.

 

Для того, чтобы осцилляторы, а точнее, операторы, модулируя друг друга и суммируясь, могли давать гармонический тон, их частоты должны были быть строго кратны друг другу. Сколько-нибудь значительное "выпадение" одного оператора из общего строя немедленно приводило к тому, что синтезатор начинал выдавать негармонический шум. VCO в ту пору не могли похвастаться надлежащей стабильностью (больше того, в случае с субтрактивным синтезом, некоторая нестабильность считалась скорее добродетелью, нежели пороком), так что инженерам Yamaha пришлось использовать DCO.

 

QUEEN Who Wants To Live Forever (Brian May) 1986 #24 UK

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/pC4ZOxpu2rs?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

Оззи Осборн как-то заметил: "Во времена, когда все вокруг занимались чёрт знает чем, Queen делали Музыку". Queen - пожалуй, единственная великая группа, которая не изобрела ни одного жанра в рок–музыке, но умудрилась зарекомендовать себя корифеями чуть ли не каждого из них. Более того, они смогли сделать то, чего не удалось даже The Beatles, а именно: уверенно и безапелляционно возвести рок–музыку в ранг большого искусства; своим примером группа доказала, что нет низких музыкальных жанров, а есть плохие музыканты. В июле 1985 года Queen принимает участие в благотворительном концерте Live Aid в помощь голодающим Эфиопии. Сказать, что группа выступила блестяще, значит, ничего не сказать: это был абсолютный триумф Queen, которая, по словам Элтона Джона, "просто всех уделала". В один миг Queen превратилась в популярнейшую группу мира, а все её диски стали раскупаться миллионными тиражами по всему миру. На волне такого успеха группа засела в Мюнхене над новым альбомом A Kind Of Magic. Во время сессий к группе обратился режиссёр Рассел Малкэхи, который работал над своим первым полнометражным фильмом Highlander/Горец с Кристофером Ламбертом и Шоном Коннери в главных ролях. Режиссёр спросил у Queen, будет ли им интересно записать основную музыкальную тему к фильму и, после двадцати минут просмотра рабочих съемок группа так увлеклась сюжетом, что предложила записать полностью саундтрек к фильму. Брайан Мэй (Brian Harold May, 19.07.1947), который на DX7 сыграл знаменитое стаккато в "открывашке" альбома One Vision и синтезаторную партию в общепризнанном шедевре Who Wants To Live Forever, вспоминал: "Я сталкивался со многими трагедиями в своей жизни: смерть моего отца, смерть моего брака, и так далее. Я мог сразу услышать эту песню у себя в голове, и она была почти закончена в машине по пути домой — я вспоминаю, как пел её своему менеджеру, когда он привёз меня домой, и он был очень удивлён. Он спросил: "Откуда это?" и я ответил: "Я даже не знаю". В Британии альбом, композиции которого, не скатившись в синти-поп, остались рок-номерами, сразу же взлетел на 1–е место. Пресса, как обычно, отреагировала отрицательно (группа постоянно словно выскальзывала из-под журналистского пера: последним никак не удавалось заклеймить их каким-нибудь определением, и многих это, видимо, не могло не раздражать). Отзыв Record Mirror был следующим: "Queen так долго занимается своим прибыльным ремеслом, что не имеет никакого смысла распространяться по поводу её бессменного образа (или его отсутствия). Единственная эмоция, которую сейчас пробуждает во мне Queen, — это острое желание постричь Брайана Мэя". Однако такие рецензии нисколько не помешали получить диску двойную "платину". Многие группы в 1986 году достигли своего апогея: главные свои альбомы записали Slayer, Metallica, Megadeth, Bon Jovi, Europe, Status Quo. Однако в 1986-м триумф Queen был настолько впечатляющим, что не было ни одной команды, которая могла бы сравниться с "королевским" квартетом; это уже было началом царствования на рок–Олимпе.

Но большинство пользователей вполне справедливо считало, что звук у синтезатора получился совершенно особенный. Во-первых, из-за отсутствия у DX7 даже намёков на эффекты, общее звучание оказалось довольно сухое и холодное. Во-вторых, наложил отпечаток и сам метод синтеза: басы вышли очень энергичные, органы —"жирные", а лидирующие звуки — экспрессивные. Очень удачно звучат колокола, вибрафоны, маримбы и т. п. У синтезированных звуков DX7 (авторы заводских патчей – лондонские звукоинженеры Дэвид Бристоу/David Bristow, Гари Люненбергер/Gary Leuenberger и Бо Томлин/Bo Tomlyn – запрограммировали их непосредственно с интерфейса) получилась такая "ядерная" взрывная атака, что они прошибали в миксе самые громкие партии. Тембры, изменяющиеся во времени, звуковые эффекты, металлические звуки, особенно колокольные, были просто вне конкуренции. Возможностей хватало фактически на все музыкальные стили! С электрическим пианино вообще произошел казус. Звук электропиано в DX7 (задуманный Люненбергером как приблизительная копия Rhodes Piano, пресет №11 - E. Piano 1, или, как его стали называть, DX Piano) оказался настолько удачным, что производители настоящих электропиано практически разорились, а позже стало просто не сыскать синтезатор, аналоговый или цифровой, в котором не имелось бы патча DX Piano (DX Rhodes, FM Rhodes, FM E. Piano, Digital Rhodes и т.п.) Вместе с тем, этот звук – один из самых ненавистных в среде рок-музыкантов, поскольку был использован в колоссальном количестве приторных поп-баллад 80-х годов.

 

 

 

Пресетные звуки DX7 (ROM1 A): 1-3 – медные духовые, 4-6 – струнные, 7 – оркестр, 8-10 – фортепиано, 11 – электропиано, 12-13 – гитара, 14 – лидирующий синтезатор, 15-16 – басы, 17 – электроорган, 18 – духовой орган, 19 – клавесин, 20 – клавинет, 21-23 – вибрафон, маримба, кото (традиционный японский щипковый инструмент), 24 – флейта, 25 – оркестровые литавры, 26 – цилиндрические колокола, 27 -28 - оркестровые барабаны, 29 – судейский свисток, 30 – голос, 31 – паровой двигатель, 32 – звук НЛО.

 

IT BITES Calling All The Heroes (Francis Dunnery) 1986/1989 #6 UK

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/TvKLoio-VjQ?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

Оказывается, возможно и такое: мастерски сыгранный прог с влиянием откровенной попсы. It Bites всегда звучали и выглядели крайне необычно, эпические треки сменяли коммерческие боевики, такие, как, например, несколько легковесный, но вполне симпатичный поп-номер Calling All The Heroes, прорвавшийся в топ британских чартов. Фрэнк Даннери, основной автор песен, и Джон Бек (John Beck, 29.07.1961), которому принадлежала ведущая роль в аранжировке материала, постоянно конфликтовали. В конце концов, в декабре 1990, когда группа прибыла в Лос-Анджелес, чтобы начать работу над своим четвёртым альбомом, Даннери предложил уволить Бека, однако, неожиданно был уволен сам. Группа продолжала работать втроём, ещё год концертировала по клубам под вывеской Violet Divine, после чего распалась. Даннери после ухода из It Bites выпустил четыре студийных и один концертный альбом, гастролировал в Британии и Европе соло и с Робертом Плантом, не без труда победил алкоголизм и наркозависимость, после чего переселился на Восточное побережье США, где занялся астрологией. А группа, спустя почти два десятилетия, в 2008 году, выпустила альбом с новым вокалистом Джоном Митчеллом.

Ещё из достоинств синтезатора стоит отметить полюбившуюся музыкантам качественную пятиоктавную клавиатуру, с хорошей чувствительностью к динамике и послекасанию. А 16-голосная полифония сразу же обрекла на забвение недавних лидеров рынка – пятиголосный Prophet 5 и восьмиголосные Oberheim и Roland Jupiter 8. "Цифровая бомба" DX7 разом "похоронила" аналоговые синтезаторы и послужила причиной (впрочем, далеко не единственной) банкротства таких уважаемых американских производителей, как Oberheim (1985 год), Moog (1986 год) и Sequential Circuits (1987 год; обанкротившуюся фирму вместе со всеми её разработками приобрела Yamaha, а Дейв Смит до 1989 года работал главой отдела исследований и разработок Yamaha).

 

THE CURE Just Like Heaven (Robert Smith/Simon Gallup/Porl Thompson/Boris Williams/Lol Tolhurst) 1987 #29 UK #40 US

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/n3nPiBai66M?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe>

Когда панк деградировал до уровня однотипных групп с "ирокезами", на его трупе как плесень выросла мрачная музыка, гот-рок, которая никогда реально не существовала за пределами богатого воображения горстки людей, нуждавшихся в собирательном термине. За тревожные, унылые, холодные и депрессивные записи The Cure с жалобным вокалом Роберта Смита, выпущенные в начале и в конце десятилетия, группу принято зачислять в категорию готов, хотя её поп-метаморфозы середины 80-х проложили им дорогу к известности. Первый хит The Cure в США – песня Just Like Heaven, которую Смит написал под впечатлением от небольшого романтического путешествия со своей будущей женой. В ролике слева - старый приятель барабанщика Бориса Уильямса Роджер О'Доннел (Roger O'Donnell, 29.10.1955), который дополнил одного из старожилов The Cure и школьного приятеля Смита (он - справа, и почти не попадает в кадр) Лола Толхерста (Laurence Andrew "Lol" Tolhurst, 03.02.1959), так как Лол, погрязший в беспробудном пьянстве, не справлялся в одиночку с игрой на клавишных, а потом и вовсе перестал адекватно оценивать рельный ход событий в группе.

Были, конечно, и недостатки — как у конкретного инструмента, так и у способа звукообразования. DX7 однотембрален, имеет не слишком большую полифонию, маловато памяти и весьма посредственные 12-битные цифро-аналоговые преобразователи. Кроме того, выход синтезатора... монофонический. Есть неувязки и с реализацией MIDI-протокола. Напомним, что стандартный протокол связи между электронными инструментами MIDI (Musical Instruments Digital Interface) явился результатом переговоров американской фирмы Sequential Circuits и японских компаний (Roland, Korg, Yamaha, Kawai) по спецификации аппаратного соединения электронных устройств и формата передаваемых по сети сообщений. MIDIвпервые был реализован в декабре 1982 года Дейвом Смитом в синтезаторе Sequential Circuits Prophet 600, а в январе 1983 года на выставке NAMM впервые произошло соединение по MIDI синтезаторов SCI Prophet 600 и Roland Jupiter 6. Благодаря MIDI синтезаторы получили возможность простого сохранения всех параметров звука в пресеты, управления инструментами на расстоянии, синхронизации приборов разных фирм для работы в единой связке.

 

Теперь клавишник смог появляться на сцене с лёгким наплечным MIDI-контроллером типа Yamaha KX5 (1984 год, 3.7 кг, 37 клавиш с чувствительностью к динамике и послекасанию, контроль 2-х синтезаторов по 2-м переключаемым каналам MIDI), конкурируя с гитаристами за место фронтмена.

 

 

 

THE CHICK COREA ELEKTRIC BAND Elektric City (Chick Corea) 1986

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/sSJYlfHjrTE?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

Как мы помним, аналоговые наплечные синтезаторы уже существовали (Moog Liberation, Roland SH-101), но они, естественно, не обладали таким функционалом, который мог предоставить MIDI, да и весили существенно больше. "Расчёски" или "гребёнки", они же подвесные клавиатуры, а на Западе - performance keyboard или keytar, наглухо срослись в массовом сознании с "подфанерной" поп-музыкой восьмидесятых, - особенно в СССР, где зачастую подвесные клавиатуры использовались исключительно в бутафорских целях. Однако множество профессионалов, среди которых, например, такой мастер бело-чёрных клавиш, как Чик Кориа, активно пользовались клавитарами во время "живых" выступлений. [В ролике звучит запись Чика, выполненная им при помощи рэкового "монстра" FM-синтеза Yamaha TX816 со 128-нотной полифонией, управляемого MIDIконтроллером Yamaha KX88, пресет - Syn-Lead.]

Оригинальный Yamaha DX7 уже была оснащен MIDI портами, хотя этот стандарт в то время только набирал обороты. Поэтому в первых сериях MIDI-интеграция была довольно скромной - информация передавалась только по первому MIDI каналу, принималась по любому из 16 логических MIDI каналов за раз, но не было функции, которая позволяла бы получать и принимать данные по всем MIDI каналам одновременно. Кроме этого, максимальное значение MIDI "velocity" (уровень динамики, сила нажатия), которое передавал DX7, было органичено на отметке 100 (по стандарту максимальное значение равно 127: каждое MIDI-сообщение состоит из одного статус-байта и, если необходимо, одного или нескольких байтов данных, а один бит из байта расходуется по служебной необходимости, для кодирования сообщений и передачи данных остаются только семь бит, а это - 128 различных значений от 0 до 27-1=127). При этом DX7 "понимал" и реагировал на полный динамический диапазон значений от 0 до 127 с внешнего MIDI-источника. Это означает, что при использовании первого поколения DX7 в качестве MIDI контроллера с внешними звуковыми модулями патчи в этих модулях следует "подгонять" в систему координат DX7. И, наоборот, если играть звуки DX7 с внешнего MIDI контроллера, значения "velocity" также нужно менять.

 

 

 

Недостатки DX7 первого поколения были исправлены в выпущенных в 1987 – 1989 годах версиях DX7S (1495$, бюджетный вариант, добавлены режимы Performance mode, Unison mode для более "жирного" звучания по типу аналогового, модернизированы и расширены возможности управления), DX7IID(2195$, увеличенная внутренняя патч-память и возможность битембральности) и DX7IIFD (2495$, с приводом для 3,5" флоппи-дисков 720K DS/DD).

 

 

Три обновленные модели имели улучшенное качество звука за счет перехода с 12-битного на 16-битный звуковой движок, более эстетически приятный пластиковый корпус, удобные клавиши и увеличенные слайдеры. Апгрейд с 12-битных до 16-битных цифрово-аналоговых конверторов помог решить одну из проблем первых DX7 - шум на выходе. Оригинальные 12-битные ЦАПы довольно ощутимо "шипели" на выходе и некоторым из пользователей приходилось использовать шумоподавитель, чтобы убрать шумы в паузах. Во втором поколении Yamaha учла все недостатки и очень мудро подошла к созданию DX7II, сохранив совместимость тембров с DX7 и позволив пользователям насладиться качеством 16-битного звука, используя оригинальные патчи. Тембры DX7II так же были обратно совместимы с первым поколением DX7. Обновленные Yamaha DX7 II поколения имели полноценную интеграцию по MIDI, включая возможность посылать и получать данные по любому или одновременно по всем 16 каналам, тем самым открывая доступ к управлению любым совместимым MIDI устройством.

 

 

 

В 1987 году, к 100-летию фирмы, ограниченной партией 300 штук была выпущена 76-клавишная версия DX7II Centennial, с 32-х голосной полифонией, 64 пресетами, в корпусе, отделанным серебром, с позолоченными кнопками, стоимостью 3995$. Но, тем не менее, ни один из следующих синтезаторов Yamaha, невзирая на многочисленные улучшения и нововведения, не смог даже приблизиться к уровню популярности DX7.

 

MIKE + THE MECHANICS The Living Years (Mike Rutherford/B. A. Robertson) 1988 #1 US #2 UK

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/sWjtz4V87Vo?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

Так уж получилось, что у нас в стране этот сайд-проект гитариста Genesis Майка Резерфорда больше всего известен по заигранному до дыр синглу 1995 года Over My Shoulder. http://www.youtube.com/watch?v=tKiLGysBO7U#t=40 К первому альбому поп-рокеров британская публика отнеслась очень прохладно, зато Америка отреагировала с энтузиазмом, и сингл Silent Running занял 21-ю строчку в чартах, а следующий релиз Living Years с одноимённой балладой, посвященной недавно умершим отцам Майка Резерфорда и Брайана Робертсона, возглавил списки популярности во многих странах мира и был номинирован на Грэмми. За клавиатурой DX7 – Эдриан Ли (Adrian Lee, 09.09.1957)

К недостаткам этого инструмента многие относят сложность программирования. Действительно, работа с этим инструментом не имеет ничего общего с традиционным программированием аналоговых синтезаторов, но при опредёленных навыках и опыте результат может быть очень интересным. Правда, главной характерной чертой FM-синтеза всегда была непредсказуемость результата — можно получить много хороших звуков, но практически нельзя предугадать, к чему приведут эксперименты. Попытку разрешения проблемы программирования синтезаторов серии DX предприняла фирма Jellinghаus Music Systems (JMS), выпустив на рынок программатор (Jellinghaus DX Programmer, 2000€).

 

Этот прибор даёт доступ практически ко всем параметрам синтеза привычным для всех саунд-дизайнеров методом. К сожалению, этих программаторов было выпущено всего лишь 25 штук, и приобрести такой экземпляр практически не представляется возможным.

 

ЗВУКИ МУ Гадопятикна (Пётр Мамонов) 1989

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/THhedjEsHbg?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

В конце 80-х, послушав одну группу, Алла Пугачева безапелляционно заявила: "Теперь и у некрасивых людей есть своя музыка". Разумеется, каждый, в том числе и представитель истеблишмента российского шоу-бизнеса, успешно опережающего общемировые деградационные тенденции, имеет право на собственное видение столь тонкой материи, как искусство, однако безнадёжную провинциальность и вторичность "русского рока" в контексте мировой рок-сцены довольно сложно оспорить. Тем больше у нас оснований гордиться собственными штучными явлениями, такими как, например, икона отечественной психоделики, "Звуки Му", о музыке которой, собственно, и рассуждала "примадонна". О музыке, поражавшей тех, кто умел слышать, с мощнейшей, дремучей энергетикой и первобытной магией ритмического примитивизма. "Когда они в ударе, - написал один американский журнал, - это, быть может, лучшая группа в мире". Продюсер третьего альбома Брайан Ино назвал их творчество "своеобразным маниакальным минимализмом", а Мамонова - "удивительным и страшным архетипом, явившимся словно из какого-то глубокого средневековья". Канонический "золотой" состав ЗМ просуществовал недолго, с июня 1986 года по осень 1989 года, однако именно в это время были записаны лучшие альбомы группы "Простые Вещи" и "Крым", а также состоялись успешные гастрольные туры в Европе и США. Клавишник группы, выпускник музыкальной школы и студент МЭИ Павел Хотин, поначалу играл на отвратительно звучавшем самодельном органе, получившем прозвище "Мини-Му", однако вскоре сменил его на главный аранжировочный инструмент "Звуков", синтезатор Yamaha DX7, который бас-гитарист Александр Липницкий выменял у Сергея "Африки" Бугаева на выигранную в футбол у своего друга половину редкой северной иконы XVII века "Единородный Сыне". "Я не совсем подходил как клавишник для "Звуков Му", – признавал позднее Хотин. – Я слишком любил мировой мейнстрим: джаз, джаз-рок, прогрессив-рок. Излишне увлекался музицированием: образование просилось наружу. Что бы я ни играл на репетициях, Петя говорил: "Не то!" Лишь когда я от этого начинал сходить с ума и принимался валять дурака, получалось "то".

Эта "трудность" с программированием DX7, да и большинства современных ему инструментов, в том числе (хотя далеко не в первую очередь) стала причиной того, что в 80-х – начале 90-х вышло столько похожих друг на друга записей: подавляющее большинство музыкантов оказалось слишком ленивыми, чтобы редактировать новое поколение синтезаторов, и просто использовало готовые пресеты. Эл Джерро, Деннис Уильямс, Билли Оушен, Frankie Goes To Hollywood, Tears For Fears, Ричард Маркс, Анита Бейкер, Modern Talking, CC Catch, Bananarama, Sabrina, Sandra, Ласковый Май: неужели кто-нибудь, помимо фетишистов "дискотек 80-х", способен вспомнить эти имена, и, будучи в светлом рассудке, сегодня слушать это? Очевидно, что проблему засилья музыкального комбикорма, как и любого другого, будь то литературного или кинематографического, наивно списывать на технологический прогресс, цифровые синтезаторы, цифровые кинокамеры, или текстовые процессоры. Впрочем, на сегодняшний день существуют десятки тысяч настроек параметров синтеза для пресетов DX7, которые можно скачать в интернете в виде банков системных сообщений, поэтому необходимость в конструировании собственных звуков для DX7 практически отсутствует.

Позже последовали различные модификации DX7, в том числе настольная версия TX7, мультитембральные клавишные версии DX7S, DX7IID, DX7IIFD и рэковая TX802, а также другие инструменты с иным количеством операторов, например, модель DX11 и ее рэковая версия TX81Z имеют 4 оператора, а рэковый монстр TX816 — сразу аж восемь!

 

STRATOVARIUS Halcyon Days (Timo Kotipelto/Matias Kupiainen) 2013

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/5f1qZRMmZxI?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

Основателями преимущественно локализованного в Германии и Скандинавии поджанра (или, если угодно, явления) пауэр-метал, считаются Helloween и Blind Guardian, однако финны Stratovarius (от Stratocaster и Stradivarius) также относятся к ранним исполнителям этого направления. Нынешний клавишник группы, сын знаменитого шведского джазового пианиста и аранжировщика Яна Юханссона, Йенс Юханссон (Jens Ola Johansson, 02.11.1963), исповедующий высокоскоростной неоклассический стиль — один из первых и влиятельнейших "шред"-клавишников. В 1983 году Юханссон обосновался в Калифорнии, став участником группы Ингви Мальмстина Rising Force, в 1990 году записал с Dio альбом Lock Up The Wolves, участвовал в ряде других проектов. После ухода Кевина Мура из Dream Theater, Юханнсон рассматривался как кандидат на его замену, однако американцы слишком долго тянули с ответом, и в 1995 году Йенс был завербован финнами.

Электропиано Wurlitzer EP-200А и RMI 300, синтезаторы Moog IIIP, Minimoog, ARP 2500 и Yamaha SY-2, каждый по-своему, поучаствовали в различных кинокартинах; что же, присутствие DX7 в мультфильме "Монстры против пришельцев" – очевидный признак цифровой эпохи. Президент Хатауэй, пытаясь выйти на контакт с роботом Галактазара, сначала наигрывает мелодию из спилберговского "Близкие контакты третьей степени", а затем – "банановую тему", интернациональный хит Гарольда Фальтермейера из фильма "Полицейский из Беверли-Хиллз":

P.O.T.U.S. HATHAWAY Axel F (Harold Faltermeyer) 1984/2009 #1 US #2 UK

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/5mWKgaZQLSw?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

Флагманом ямаховской линейки DX был монстр-синтезатор с 32-голосной полифонией, шестиоктавной (73 клавиши) фортепианной клавиатурой с полифоническим послекасанием, и дополнительным большим светодиодным дисплеем для отображения алгоритмов FM-синтеза и других параметров — Yamaha DX1 (1984 год, 13 500$).

 

 

 

В DX1 всё говорило о его качестве: физические размеры (1255 x 640 x 225 мм), масса (51 кг), великолепная клавиатура, и, разумеется, цена. Фактически DX1 содержал в себе два тон-генератора DX7, однако, это было, конечно, не всё. Подсветка цепочек задействованных операторов, 16-сегментные светодиодные индикаторы амплитуды для всех 6 операторов и большой 40-символьный двухстрочный ЖК-дисплей были не банальным украшением панели, - это был настоящий прорыв для FM-синтеза с точки зрения удобства, наглядности и доступности для музыканта при создании им своих собственных алгоритмов.

 

DIRE STRAITS Money For Nothing (Mark Knopfler/Sting) 1985 #1 US #4 UK

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/wTP2RUD_cL0?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe> 

Даже те, кому рок-музыка совершенно неинтересна, наверняка слышали Yamaha DX1, - этот резкий металлический звук "болгарки" - синтезаторный рифф в знаменитой Money For Nothing. Песня была буквально подслушана Марком Нопфлером в одном из супермаркетов Нью-Йорка, когда он случайно оказался свидетелем разговора двух грузчиков, жалующихся друг другу на жизнь. Они сожалели, что в свое время не стали музыкантами, и завидовали рок-звездам, которые "получают деньги ни за что". Популярности песни добавила жёсткая ротация на MTV клипа режиссёра Стива Бэррона, созданного с использованием инновационной компьютерной программы Quantel Paintbox. Изначально планировалось создать более красочный и детализированный ролик, но бюджет на съёмки быстро исчерпался, и было решено ограничиться тем, что в итоге получилось. Группа, исполнявшая поначалу совершенно "неформатный" блюз-рок, чудесным образом, и неожиданно для себя стала международным хит-мейкером, и, Нопфлер, стремясь усложнить аранжировки и добиться более плотного звучания, поочерёдно пригласил в команду двух клавишников: Алан Кларк отвечал за оргáн и фортепиано, а Гай Флетчер (Guy Edward Fletcher, 24.05.1960) – за синтезаторы. Родившегося в музыкальной семье Флетчера назвали в честь дяди, известного сонграйтера Гая Флетчера, который в паре с поэтом Дагом Флеттом сочинял песни для Элвиса Пресли, Клиффа Ричарда, Рэя Чарльза, Джо Кокера, Тома Джонса и многих других знаменитостей. После роспуска Dire Straitsв 1995 году "неизбежный Гай Флетчер" как клавишник и гитарист принимал участие во всех сольных записях Марка Нопфлера, а на 48-летние Гая Марк на сцене в Брайтоне подарил ему свой красный Stratocaster.

Заводские пресеты DX1 хранились в двух разделах - A и B - каждый с четырьмя банками по восемь патчей, в общей сложности 64 патча, плюс двойные слоты для картриджей ROM/RAM, в результате чего в любой момент времени было доступно 128 патчей. Неплохо для 1984 года! Конечно, учитывая размеры и вес DX1, большинство из 140 выпущенных экземпляров заняло свои места в студиях звукозаписи, но уже через год Yamaha объявила о выходе 76-клавишного синтезатора DX5 (3495$), ничем принципиально не отличавшегося по архитектуре от DX1, с несколько упрощённой панелью управления и иной отделкой корпуса.

 

EUROPE Open Your Heart (Joey Tempest) 1988 #86 UK

<iframe src="http://www.youtube.com/embed/qX4LC1HBmag?feature=player_detailpage" frameborder="0"></iframe>

80-е были для "волосатого" рока золотым веком, группам непременно требовались завитые как пудель вокалисты с мощным вокалом и ангельской внешностью, а их альбомы обязаны были включать в себя как жёсткие и быстрые гимны, так и слезливые баллады, под которые можно махать зажигалками, причём слово "любовь" должно было встречаться в текстах как можно чаще. С появлением MTV имидж группы приобрёл не меньшее значение, чем собственно музыка – а в некоторых случаях и большее: чем длиннее становилась шевелюра, тем лучше расходились пластинки. Однако на рубеже декады из-за шквальных ветров со стороны Сиэтла музыкальный климат быстро переменился, и многие глэм-группы, наслаждавшиеся головокружительным успехом, превратились в "ноль", а те, кто остался – либо попытались заиграть по-новому, либо – отстаивали свой фирменный саунд до последнего патрона. За клавишами DX1 - Мик Микаэли (Gunnar Mathias "Mic" Michaeli, 11.11.1962).

Последующие разработки Yamaha в области FM-синтеза оказались не менее интересными, в 1989 году выходит гибридный синтезатор, мультитембральная рабочая станция SY77 (3000$) и его рэковая версия TG77, а потом и более "навороченный" SY99. Эти инструменты от предшественников отличало, главным образом, наличие фильтров, которые давали инструментам все возможности субтрактивного синтеза, а также использование семплированных звуков, которые можно смешивать со звуками, синтезированными путем частотной модуляции (AFM – Advanced Frequency Modulation). Кроме того, на борту этих инструментов был встроенный процессор эффектов, которого так не хватало ранним моделям.

Вершиной FM-синтеза от Yamaha стал модуль FS1R, заключавший в себе возможности 8-операторного FM и формантного синтеза (Formant Shaping Synthesis — синтез, в основе которого лежит воссоздание в спектре звука акустических частотных резонансов, формирующихся из групп обертонов и называемых формантами). Однако, как это случилось и со многими другими синтезаторами конца 90-х, уникальная научная разработка не была оценена по достоинству пользователями, и через год инструмент был снят с производства.

От триумфа вернемся к прозаичному. Технологический успех привел к успеху финансовому. И без того небедная компания, Yamaha, познав многомиллионные прибыли, переходит к мировой экспансии. Два слова, сказанных Yamaha в начале 80-х, DX7 и Disklavier, обрекли компанию на постоянные метания из стороны в сторону. Одна Yamaha – это производитель профессиональных музыкальных инструментов, другая – развлечение для домохозяек и подростков.

В 1983 появляется первая Yamaha Clavinova YP-40. На тот момент это было всего лишь компактное цифровое пианино с немного расширенным набором звуков. Но уже с 1985 года появляются серии Clavinova CLP и CVP. В основе лежали простые идеи, годом ранее реализованные в Disklavier – возможность исполнения партий самим инструментом, почти без участия музыканта. Клавиновы наделяются способностью играть партии барабанов, баса и гармонического заполнения, заменяя клавишнику партнеров по музыкальной группе.

 

Параллельно, Yamaha развивает ещё одну линейку инструментов – Porta Sound. Сначала серия PSS (1982), а затем PSR (1984). В отличие от громоздкой Clavinova, это были небольшие переносные синтезаторы, оборудованные теми же функциями автоматического аккомпанемента. Постепенно возможности PSR-инструментов расширялись, интерактивные средства множились, синтезаторы становились всё более приспособленными к нуждам "солиста". И теперь уже не было необходимости уметь хорошо играть. Обладая самыми базовыми знаниями в музыкальной теории и гармонии, а также некоторыми вокальными способностями, музыкант с такой Yamaha легко мог выступать как "всё-в-одном", человек-оркестр.

Только вот благодаря всему этому Yamaha отдалила инструменты от их корней. С одной стороны – конечно, это ещё один шаг к прогрессу. С другой – уход от творчества к техногенности. Это уже были не в прямом смысле синтезаторы. Появляются термины "оркестратор", позднее - "интерактивный синтезатор". В профессиональной среде за такими инструментами закрепилась слава кабацких, и их вполне заслуженно стали называть не очень-то приятным термином "самоиграйка".

Yamaha до сих пор продолжает выпускать инструменты серии PSR. С каждым новым инструментом множатся обещания производителя о самом лучшем звуке, о супернавороченных способностях, и так далее. Однако смысл инструмента не меняется. Как и раньше, это инструмент с не очень качественной клавиатурой, двумя динамиками по бокам (чтобы избежать необходимости подключения к профессиональному оборудованию), разноцветными (чаще всего) кнопками на панели управления. Гораздо большее значение, нежели звуку, в этих приборах придается размерам дисплея и прочим внешним факторам. Бесспорно, PSR-серия принесла и до сих пор приносит Yamaha миллионные доходы от музыкантов-любителей, а также от желающих получить дома музыкальную игрушку для веселого времяпрепровождения. Однако, существует точка зрения, что распространение этих инструментов нанесло удар в спину компании, подорвав в глазах многих профессионалов репутацию Yamaha как производителя серьёзных музыкальных инструментов. С другой стороны, в том, что касается профессионального оборудования, традиционно высокое качество Yamaha не подлежит сомнению. Современные рабочие станции MOTIF и Tyros– просты в управлении, обладают широким спектром выразительных средств для аранжировки, имеют уникальные тембры и отличаются лучшим на сегодняшний день звучанием струнных и духовых, которое можно встретить в аппаратных синтезаторах.

  

Ну, а инструменты, созданные фирмой на протяжении нескольких десятилетий, навсегда останутся в истории. И сотни, тысячи музыкантов будут охотиться за Yamaha CS-80 и DX7, как и за десятками других моделей – до тех пор, пока последний их экземпляр не будет стёрт временем в пыль.

 

 

 

В компиляции использованы:

Gordon Reid. Yamaha GX1 Synthesizer. Sound On Sound, 2000

http://www.soundonsound.com/sos/mar00/articles/yamahagx1.htm

Richard Clewes. Yamaha CS80. Sound On Sound, 1995

http://www.soundonsound.com/sos/1995_articles/jul95/yamahacs80.html

Георгий Данилов. YamahaCS-80. Музыкальное Оборудование, 2007

http://www.moinf.info/articles/yamaha-cs80

Синтезатор Yamaha CS-80. http://www.fingus.ru/publ/36-1-0-86

Mark Jenkins. Analog History Lesson: Yamaha. Audio Undone, 2013

http://audioundone.com/analog-history-lesson-yamaha-mark-jenkins

History of Electroacoustic Music Stanford University

http://www.personal.psu.edu/meb26/INART55/stanford.html

Алексей Данилов. Частотная модуляция. http://danalex.ru/fm/

Сергей Нечитайло. О FM-синтезе звука. FM-синтез звука.

http://mcstore.ru/o_fm-sinteze_zvuka_fm-sintez_zvuka.htm

Сергей Нечитайло. Программные FM-синтезаторы. Музыкальное Оборудование,2003.

http://www.muzoborudovanie.ru/equip/studio/softsynth/fm/fmsynths.php

Алексей Данилов. Korg, Roland или Yamaha?

http://danalex.ru/korg-roland-yamaha/

Gordon Reid. Yamaha GS1 & DX1. Sound On Sound, 2001 http://www.soundonsound.com/sos/aug01/articles/retrofmpt1.asp

Gordon Reid. Sounds of the '80s Part 2: The Yamaha DX1 & Its Successors. Sound On Sound, 2001

http://www.soundonsound.com/sos/sep01/articles/retrofmpt2.asp

Александр Федоров. MIDI в деталях. Часть 1 — Основы. Музыкальное Оборудование, 2003.

http://www.muzoborudovanie.ru/articles/midi/midi1.php

и множество открытых интернет-источников.

 

В заключительной части "легендарных клавиш" – Том Оберхейм и его синтезаторы.

 

maxpark.com

Korg, Roland или Yamaha? | Алексей Данилов

Знаменитая японская троица. Три бренда, завоевавших в 70-80-е годы весь мир. Из-за них терпели убытки Moog, Oberheim и Arp. Они получали самые передовые патенты и наводняли мир доступными и относительно недорогими синтезаторами.

Единомышленники или беспощадные конкуренты? Соперничество во имя прогресса или экономия ради увеличения объемов продаж?

Наверное, далеко не каждый клавишник знает про таких монстров синтезаторостроения как Sequential Cirquits, Buchla, Doepfer, Analogue Solutions. Многие также лишь краем уха слышали, или случайно натыкались на Waldorf, Quasimidi, Clavia. Для кого-то даже Kurzweil – неизведанные территории. Но практически каждый в самом начале задает себе вопрос – «Yamaha, Roland или Korg?».

С одной стороны, это действительно оправданно. Каждая из этих трех компаний на любой момент времени имела и имеет в своем арсенале довольно богатый выбор для музыканта. Это и цифровые пианино, и инструменты с автоаккомпанементом (самоиграйки, или, иначе, интерактивные синтезаторы), синтезаторы аналогового моделирования и рабочие станции, семплеры и ромплеры, миди-клавиатуры и бесклавиатурные тон-генераторы. Любой крупный магазин предложит Вам широкий выбор – плати деньги и забирай.

Ну так и что же из этого лучше? Некоторые рвут рубаху на груди – «Только Ямаха!». Другие оппонируют – «Ямаха – это для любителей, а профессионалы выбирают Корг!». Третьи всех перекрикивают – «Мой друг делает все аранжировки на Роланде, и они звучат фирменно!».

Каждый из них – в чем-то прав, а в чем-то заблуждается. И проблема не в том, что кто-то из этой троицы лучше или хуже, а проблема всего лишь в недостаточной информированности ораторов.

В истории каждой из этих трех фирм есть великие прорывы. Синтезаторы-супербестселлеры, которые сделали счастливыми тысячи клавишников по всему миру. Технологические решения, принесшие миллионные прибыли владельцам компаний. Популярнейшие инструменты всех времен и народов.

Yamaha DX7 (1983), Roland D-50 (1987), Korg M1 (1988) – легенды, поднявшие своих создателей на гребень волны. Отодвинув на какое-то время всех остальных на второй план и заставляя конкурентов собрать всю волю в кулак, консолидировать все доступные ресурсы для того, чтобы выдать что-то еще более совершенное.

Разве можно сказать, что один из трех перечисленных инструментов – лучше других? Нет, ни в коем случае. Каждый из них давал что-то новое, расширял возможности, стимулировал музыкантов к творчеству, открывал невиданные горизонты.

Но надо отделить зерна от плевел и, наконец, разобраться, почему так непросто сделать выбор – Yamaha, Korg или Roland.

Yamaha

Одна из старейших мировых корпораций, Yamaha была основана японцем Торакусу Ямахой (Torakusu Yamaha) в 1897 году. Все началось с изготовления экземпляра фисгармонии (небольшой духовой орган с педальным нагнетанием воздуха), а выросло в огромный диверсифицированный бренд, пустивший свои инновационные щупальца в совершенно разные сферы – от производства спортивного инвентаря (ракеток, луков и так далее), авиационных пропеллеров, компьютеров, до мотоциклов, электроорагнов, роялей, синтезаторов, профессионального и бытового музыкального оборудования и многого другого. Компания Yamaha также значительно вовлечена в сферы образования и лабораторных исследований. Несмотря на все вышеперечисленное, музыкальные корни Ямахи подчеркиваются их логотипом, на котором изображены три перекрещивающихся камертона.

Но, поскольку нам больше интересны именно синтезаторы, не будем углубляться в другие сферы. Свой первый электронный инструмент Yamaha создает в 1959 году. Это был электроорган D-1 Electone, в основу которого легли лабораторные исследования Ямахи в области аналогового моделирования.

Далее, в течение почти 20 лет на этой стезе не было сделано особых прорывов. Основное внимание фирмы было направлено на производство акустических инструментов – гитар, барабанов, духовых. Кроме того, 1967 год был ознаменован тем, что сам Святослав Рихтер для гастролей по Италии выбирает рояль производства Yamaha. В скором времени ямаховские фортепиано выбиваются на лидирующие позиции в мире, и уверенно конкурируют с более старыми брендами.

А еще через некоторое время Ямаха представляет миру уникальный инструмент под названием Дисклавир (Disklavier, 1982). С виду как обычное фортепиано, Дисклавир обладал встроенной электронной системой, позволявшей воспроизводить мелодии, заранее записанные на диск, имитируя при этом их исполнение движением клавиатуры и всего молоточкового механизма. Дисклавир был не просто очередным интересным изобретением. К сожалению, он сослужил и не очень добрую службу. Но подробнее об этом чуть позже.

Вернемся к органам. Здесь Yamaha не прекращает выпуск новых моделей и до сих пор. С конца 50-х и до начала 80-х все органы были аналоговыми. Начиная с 1983 года, когда Ямаха купила права на эксклюзивное использование технологии FM-синтеза, которую разработал Джон Чоунинг, частотная модуляция ложится в основу генерации сигнала органов Ямахи, начиная с серий FC, FE, FS, FX. В серии FX также впервые были использованы засемплированные волны, пока еще только для имитации перкуссии в секции органной драм-машины.

Ну а с 1987 года в сериях органов HS и HX ямаха уже вовсю эксплуатирует собственную разработку под названием AWM (Advanced Wave Memory), по сути представляюшую собой технологию на основе семплированного звука. Последней ласточкой среди аналоговых органов Ямахи стала модель Electone D-500, выпущенная в 1983 году.

Были среди органов Yamaha и действительно выдающиеся модели. Орган Yamaha Electone GX-1 (1974) был уникальным, огромным и очень дорогим монстром с четырьмя мануалами (два стандартных органных, один ножной педальный, и один сольный). Цена на этот орган даже в то время составляла около 60 тысяч долларов. Верхний мануал представлял собой интегрированный в огромное тело инструмента монофонический синтезатор, схожий с Yamaha SY-1, который выпускался в отдельном небольшом корпусе. Немного подробнее об этом органе я писал в статье про аналоговые синтезаторы.

Конечно, этот инструмент был замечательным и очень мощным. Но нельзя сказать, что он принес фирме успех. Вознесение к синтезаторному олимпу было еще впереди, но к этому времени (середина 70-х), его очертания прорисовывались все яснее.

Первым реальным прорывом было создание одного из самых значительных синтезаторов всех времен и народов, могучего и безудержного Yamaha CS80 (1976). В уже упомянутой статье Вы сможете прочесть и о нем кое-какую техническую и общую информацию. Преувеличить значимость появления CS80 невозможно. До сих пор многие вполне оправданно считают его королем синтезаторов. С появлением этой модели Ямаху стали воспринимать как крайне серьезного конкурента на рынке электронных инструментов.

Однако главным свершением для корпорации Ямаха навсегда останется создание Yamaha DX7 – одного из самых распространенных в мире синтезаторов. Цифровой до мозга костей, он, фактически, похоронил будущее аналоговых синтезаторов. Но, говоря об этом синтезаторе, невозможно придумать ни одного отрицательного эпитета.

Как ни крути, прогресс остановить было невозможно, и цифровая эпоха заявляла о своих правах все громче. Изобретение Джона Чоунинга, вкупе с проницательностью и прозорливостью руководства Yamaha, создали уникальные условия для появления DX7.

Полифонический синтезатор, обладающий возможностью сохранения довольно большого числа пресетов, с широчайшей палитрой звуков от сольных и шумовых, и до тембров электропианино, мягких подкладов, имитации гитар, басов… Плюс ко всему – железная стабильность строя, небольшой вес и небольшая (относительно) цена. Да, дни аналоговых синтезаторов были сочтены. Было продано 160 тысяч экземпляров этого синтезатора, и он остался в числе самых продаваемых синтезаторов в мире.

От триумфа вернемся к прозаичному. Технологический успех привел к успеху финансовому. И без того небедная компания, Yamaha, познав многомиллионные радости в долларовом выражении, переходит к мировой экспансии.

Два слова, сказанных Ямахой в начале 80-х, DX7 и Дисклавир, обрекли компанию на постоянные метания из стороны в сторону. Одна Ямаха – это производитель профессиональных музыкальных инструментов. Другая – развлечение для домохозяек и подростков.

В 1983 появляется первая Yamaha Clavinova YP-40. На тот момент это было всего лишь компактное цифровое пианино с немного расширенным набором звуков. Но уже с 1985 года появляются серии Clavinova CLP и CVP. В основе лежали простые идеи, годом ранее реализованные в Disclavier – возможность исполнения партий самим инструментом, почти без участия музыканта. Клавиновы наделяются способностью играть партии барабанов, баса и гармонического заполнения, заменяя клавишнику партнеров по музыкальной группе.

Параллельно, Ямаха развивает еще одну линейку инструментов – Porta Sound. Сначала серия PSS (1982), а затем PSR (1984). В отличие от громоздких Клавинов, это были небольшие переносные синтезаторы, оборудованные теми же функциями автоматического аккомпанемента. Постепенно возможности PSR-инструментов расширялись, интерактивные средства множились, синтезаторы становились все более приспособленными к нуждам «солиста». И теперь уже не было необходимости уметь хорошо играть. Обладая самыми базовыми знаниями в музыкальной теории и гармонии, а также некоторыми вокальными способностями, музыкант с такой Ямахой легко мог выступать как «все-в-одном», человек-оркестр.

Только вот благодаря всему этому Ямаха отдалила инструменты от их корней. С одной стороны – конечно, это еще один шаг к прогрессу. С другой – уход от творчества к техногенности. Это уже были не в прямом смысле синтезаторы. Появляются термины оркестратор, позднее интерактивный синтезатор. В профессиональной среде за такими инструментами закрепилась слава кабацких, и их вполне заслуженно стали называть не очень-то приятным термином «самоиграйка».

Yamaha до сих пор продолжает выпускать инструменты серии PSR. С каждым новым инструментом множатся обещания производителя о самом лучшем звуке, о супернавороченных способностях, и так далее. Однако, смысл инструмента не меняется. Как и раньше, это инструмент с не очень качественной клавиатурой, двумя динамиками по бокам (чтобы избежать необходимости подключения к профессиональному оборудованию), разноцветными (чаще всего) кнопками на панели управления. Гораздо большее значение, нежели звуку, в этих приборах придается размерам дисплея и прочим внешним факторам.

Бесспорно, PSR-серия принесла и до сих пор приносит Ямахе миллионные доходы от музыкантов-любителей, а также от желающих получить дома музыкальную игрушку для веселого времяпрепровождения. Однако, распространение этих инструментов нанесло удар в спину компании, подорвав в глазах многих профессионалов и начинающих музыкантов репутацию Yamaha как производителя серьезных музыкальных инструментов.

Учитывая все вышесказанное, можно в чем-то согласиться с теми, кто кричит, что «Yamaha это для любителей». При этом, нельзя забывать все заслуги этой компании перед музыкой. Инструменты, созданные на протяжении нескольких десятилетий, навсегда останутся в истории. И сотни, тысячи музыкантов будут охотиться за Yamaha CS80, DX7, RX5, SY77, EX5, FS1R, как и за десятками других моделей – до тех пор, пока последний их экземпляр не будет стерт временем в пыль.

Korg

Компания была основана в 1962 году предпринимателем Цутому Като (Tsutomu Kato) и музыкантом Тадаси Осанаем (Tadashi Osanai). Инициатива исходила от последнего, и смысл ее сводился к необходимости создания удобной и качественной модели драм-машины. Дело в том, что Тадаси выступал, играя на аккордеоне в сопровождении ритм-машины Wurlitzer Sideman, о которой он был не слишком высокого мнения, как с точки зрения звука, так и с точки зрения удобства. Так что он убедил Като инвестировать средства в проект новой ритм-машины, которая бы удовлетворяла основным потребностям музыкантов того времени.

Первоначально компания была названа Keio, и уже через год своего существования она представила музыкантам свой первый инструмент – им стала ритм-машина Donca Matic DA-20. В сравнении с современными потомками, она была просто гигантской. Огромный ящик с управлением на верхнем торце, и со встроенным ламповым усилителем и большим динамиком. Более того, это был электромеханический прибор, то есть он издавал звуки не электронного происхождения, а механического. Технология была схожей с Wurlitzer – механический вращающиийся диск, вращаясь, специальными контактными пластинками запускал определенные перкуссионные звуки, генерация которых осуществлялась при помощи вакуумных ламп. Кстати, свое название «донка» получила благодаря артикуляционной схожести этого словечка со звуками, которые она издавала.

Тремя годами позже, в 1966, Keio выпускает уже Donca Matic DE-20 – уже на основе электроники, твердотельных накопителей. Правда, эта штука была не сильно меньших размеров.

В 1967 году Като поступило предложение от Фумио Миеды заняться разработкой клавишного инструмента. В скором времени на суд общественности был представлен программируемый электроорган. К этому времени фирма Keio получает новое название – KORG, созвучное со словом «орган».

С производством органов у Korg связана первая волна успеха. Пока еще скромная молодая фирма начинает создавать конкуренцию более серьезным компаниям, в числе которых на тот момент уже плотно закрепилась Yamaha. Однако, Като решает сделать ход конем и прорваться на новый рынок, пока еще недоступный японским компаниям – рынок синтезаторов.

В 1973 появляется первый синтезатор Korg MiniKORG. Это был небольшой, как следует из названия, инструмент. Идеологически, это был японский ответ Moog Minimoog – портативный аналоговый монофонический синтезатор, который клавишник мог таскать с собой на репетиции и возить на гастроли. Спустя некоторое время, Korg снова удивляет музыкантов, выпуская Korg MaxiKorg 800DV (1975), один из первых в мире дуофонических синтезаторов. Лично я, как обладатель этой модели, могу сказать, что это один из самых красивых инструментов. Причем как в плане звука, так и внешне. Также, в 1976 году была выпущена еще одна похожая модель, Korg 770 (на фото).

В 1977 появляется корговская линейка синтезаторов серии PS. Это были большие синтезаторы-полумодуляры (полу – потому что модули неразборно скреплены в едином корпусе), которые скорее были схожи с Arp 2600. Всего было выпущено три прибора в этой серии – Korg PS-3100, PS-3200 (на фото) и PS-3300. В соответствии с численным обозначением изменялась и степень навороченности инструмента. Самым мощным из них был 3300, который до сих пор многими считается одним из лучших в мире полифонических синтезаторов, наравне с Yamaha CS80. PS-3300 предлагал невиданную на тот момент времени полифонию в 48 голосов, которым могла позавидовать и легендарная Ямаха.

Этой линейкой Корг окончательно закрепился в сознании музыкантов как одна из фирм-законодателей в области синтезаторостроения. Огромные возможности модуляции и маршрутизации сигналов с помощью патч-кордов, уникальная полифония, отменное качество звука – ставили эти инструменты в один ряд с лучшими модульными системами того времени. Сейчас эти инструменты – сверхраритетны, и на иностранных аукционах за них идут ожесточенные торги, взвинчивающие цены до запредельных высот. Конечно, во многом виной тому коллекционеры, отбирающие у музыкантов синтезаторы ради пополнения своих коллекций.

Помимо дорогих и довольно больших инструментов PS, Корг выпускает еще одну легендарную серию синтезаторов. Конечно, это была всеми любимая (и мной, в частности, особенно) – линейка MS (1978). В эту линейку вошли не только синтезаторы. Она была представлена сразу пятью приборами, объединенными внешним видом и некоторыми элементами звуковой архитектуры и конструкции. Это были два монофонических синтезатора Korg MS20 и MS10 (упрощенная модель своего старшего брата 20-ки), экспандер MS50 (бесклавиатурная «надстройка» к MS20, которую, впрочем, можно использовать и как самостоятельный прибор), а также аналоговый секвенсор SQ10 и вокодер VC10.

MS20 и на сегодняшний день имеет поистине культовый статус. Неимоверно мощное и агрессивное звучание, которое можно получить из этого инструмента, удивительным образом сочетается с мягкостью и теплотой двух фильтров. Сами эти фильтры оказались настолько удачными, что многие производители модульных систем стали пытаться клонировать эти фильтры, в частности – Doepfer, MOTM, Analogue Solutions и другие. Сам MS20 был не просто синтезатором, а полумодуляром, то есть, как и более дорогие PS-синтезаторы, он позволял осуществлять маршрутизацию сигнала с помощью патч-кордов, что существенно расширяло его возможности.

В 80-е годы компания несколько переориентировалась на выпуск электронных пианино. Однако, и про синтезаторы Korg не забывал.

В 1980-м появляется на свет очень интересный инструмент Korg Trident (в 1982 была выпущена его вторая версия, Trident MkII). Его уникальной особенностью было сочетание в себе трех секций – синтезаторной, струнной (strings) и духовой (brass). Естественно, струнная и духовая секция были также созданы средствами аналогового синтеза, но благодаря комбинации всех трех секций появилась возможность получать богатые и интересные созвучия.

В 1981 выходят сразу два великолепных инструмента. Korg MonoPoly и Korg PolySix. Схожие по дизайну, они были несколько разными идеологически. MonoPoly представлял собой четыре независимых монофонических синтезатора, управляемых с одной панели, тогда как PolySix был полноценным шестиголосым полифоником.

Именно PolySix вошел в историю как один из самых лучших аналоговых инструментов в мире. Его звучание сложно перепутать с чем-либо еще. Все благодаря чипам SSM (которыми оснащались гораздо более дорогие инструменты), уникальным фильтрам, а также (что немаловажно) способности сохранять звуки в память инструмента, и даже затем перекидывать их на внешний носитель (кассету) через специальный интерфейс.

Полисикс может звучать мягко, может резко. Он умеет делать глубокие и красивые басы, но и мягкие пэды ему тоже по зубам. Он прекрасно читается в любом миксе. Пресеты с названиями, схожими с «полисикс», уже давно включаются практически в любую рабочую станцию и в любой концертный синтезатор.

К сожалению, дни аналоговых синтезаторов на момент выхода PS-6 (так иначе назывался Полисикс) уже были сочтены, в скором времени музыканты оказались во власти цифровой эпохи. Тем не менее, до сих пор PolySix является объектом вожделения многих электронщиков, да и не только.

Но настоящий прорыв для Корг был еще впереди. В 1988 году, когда уже отгремела ямаховская «семерка», выходит легенда всех времен и народов, Korg M1. 16-голосная полифония, отличный звук, разноплановые тембры (от синтетических до акустических), сочетание семплированного звука с цифровым синтезом, удобная клавиатура, навороченные возможности музыкальной рабочей станции, позволявшей создавать готовые аранжировки прямо внутри одного инструмента – все это обеспечило невероятный успех M1.

Инструмент был продан в количестве 250 тысяч экземпляров, и остался в истории как самый продаваемый синтезатор всех времен и народов. Даже Yamaha DX7 со своими 160 тысячами осталась позади. Но, между тем, успех Корга в выпуске M1 был неразрывно связан с Yamaha. Дело в том, что на момент появления модели 40 процентов компании Korg принадлежало… Yamaha. Вот такой вот поворот. Сделка была заключена еще в 1987 году, Ямаха тогда была на пике после нескольких лет продаж DX7 в различных модификациях. Цутому Като выкупил обратно долю Ямахи в своей фирме лишь в 1993 году.

Тем не менее, с появлением M1 Корг выбился в лидеры среди производителей синтезаторов. Остальные вынуждены дышать в спину, изыскивая ресурсы для покорения новой высоты, заданной Като и его фирмой.

В 90-е Корг продолжает выпуск рабочих станций. На это теперь было переориентировано все производство. Появляются серии 01/W (1991), затем X (1993), Trinity (1995), Triton (1999). И всему этому толчком был тот самый M1.

Кстати, интересная история была связана с названием инструментов серии 01/W. Первоначально ее хотели назвать M10, как продолжение M1. Но, один из разработчиков, увидев рабочее название, по ошибке прочел его вверх ногами – 01W. Случайность переросла в идею, и так понравилась всем остальным, что было принято решение сменить рабочее название. В результате оно таким и осталось.

Как бы то ни было, Корг наращивал потенциал своих рабочих станций. Постепенно уходя непосредственно от технологий синтеза. Каждая новая их станция получала новое название типа синтеза, но сущность была неизменной – все больший упор на семплированные звуки. По отзывам самих музыкантов, каждая следующая модель звучала хуже предыдущих. Производитель пытается впихнуть в ограниченную память инструмента как можно больше семплов. Сами семплы становятся все более увесистыми. Чтобы сэкономить на возрастающих потребностях в объемах памяти, применяется компрессия семплов. В результате, при воспроизведении семплов синтезатор вынужден очень быстро осуществить их декомпрессию. И, даже несмотря на то, что исходно эти семплы были очень высокого качества, на выходе декомпрессия приводит к существенному ухудшению звука.

Такая гонка за экстенсивным улучшением своих синтезаторов привела к тому, что одно время Korg полностью забросил разработки в области синтеза. Уже спустя годы компания снова вернулась к истокам, уже в виде инструментов аналогового моделирования, и выпустила серию MS2000. К сожалению, от классики в этом инструменте осталась только буквенное обозначение. А по звуку он уже не дотягивал ни до собственных стандартов 70-80-х годов, ни до новых стандартов, заданных современными производителями синтезаторов аналогового моделирования Clavia и Access. Хватаясь за соломинку, Korg эксплуатирует свою историю, выпуская программные пародии на свои легендарные синтезаторы прошлого. Правда, их качество сильно не дотягивает до уровня своих прародителей.

Поэтому и отношение к Korg сегодня двойственное. С одной стороны – великое прошлое, с другой – невыразительное настоящее. Но нельзя ни в коем случае отметать все, что было сделано этой фирмой. Помимо уже перечисленного, Korg создал очень много интересных и отлично звучащих инструментов – атмосферный Korg Wavestation, великолепный легкий концертный синтезатор Korg X5D, гибридный DW-8000, на основе физического моделирования Z1, ФМ-синтезатор DS-8, не говоря уже о различных процессорах обработки звука, семплерах, драм-машинах.

В 2010 году Korg неожиданно выпускает настоящий аналоговый инструмент – Monotron. Недорогой и компактный, он вызывает всплеск интереса к фирме со стороны серьезных музыкантов. Кто знает, возможно – это символ возврата к былой славе Корга, хотя загадывать тут сложно.

К сожалению, в 2011 году скончался основатель и бессменный лидер компании Цутому Като. Он всегда стремился соответствовать требованиям современности, и во многом подавал пример другим производителям. Но на сегодняшний день Корг продолжает выпускать все более навороченные и дорогие рабочие станции. Все те же большие дисплеи, куча зачастую ненужных функций, огромные возможности, но все меньше внимания главной составляющей – звуку.

Лично мне хотелось бы верить, что однажды Korg (а может и кто-то еще) совершит очередной прорыв в индустрии синтезаторов. Возможно, это, наконец, будет сделано не ради увеличения числа продаж, а ради того, чтобы в истории отпечатался еще хотя бы один действительно прекрасный инструмент, по значимости сопоставимый с MS20 или PolySix.

Roland

На мой взгляд, самый плодовитый синтезаторный бренд. Не по количеству наклепанных инструментов (хотя вообще и по этому критерию тоже), а по своеобразному «коэффициенту полезного действия» – соотношению интересных и качественных приборов в общей массе произведенного.

Основатель Roland, Икутаро Какэхаси (Ikutaro Kakehashi), до этого руководил другой компанией по производству органов и ритм-машин для них, Ace Tone, которая была создана в 1960-м году. Позднее она превратилась в японское отделение Hammond. В 1972 году Какэхаси покинул ее, чтобы создать в Роланд. Так что, формально это самая молодая корпорация из Большой Японской троицы.

С рождением названия Roland связана одна история. По информации из некоторых источников, Какэхаси, еще будучи руководителем Ace Tone,начал задумываться о том, что это название на международном уровне имеет не совсем правильное значение, и не ассоциируется с чем-то музыкальным (acetone – по-английски «ацетон»). На тот момент уже существовали фирмы Yamaha и Korg, и две яркие, по его мнению, заглавные буквы уже были заняты этими брэндами. Другие буквы – были заняты мировыми производителями музыкальных инструментов (О – Oberheim, М – Moog, S – SCI, L – Linn, A – Arp, и так далее). Так что, Какэхаси решил придумать яркое и запоминающееся название, используя какую-нибудь букву, которая до тех пор не ассоциировалась ни с какой фирмой. Выбор пал на литеру R, и родилось название Roland. Кстати, в японском языке нет звука «л», так что по-японски это название произносится как «рорандо». Казалось бы, незначительный факт, но если вдуматься – уже на этапе задумки перед компанией ставились планы глобального характера. И, как показало время, эти амбициозные планы были выполнены сполна.

Уже в первое десятилетие своего существования, Roland уверенно заявляет о себе как о производителе совершенно разного профессионального музыкального оборудования.

Началось все с драм-машин TR-77, TR-55, TR-33 – в качестве наследства от Ace Tone (1972 год). Уже в 1973 появляется первый монофонический синтезатор Roland SH-1000 (параллельно с корговским Миникоргом). Дальше – практически каждый год был ознаменован чем-то новеньким.

Приборы пространственной обработки звука – Roland Space Echo RE-201 (1974) – эта модель до сих пор считается эталоном в своем роде. Первое в мире электропиано с чувствительностью к силе нажатия – Roland EP-30 (тот же 1974).

Модульные системы Roland System-100 (1975) и гигантская System-700 (1976), занявшая почетное место в списке лучших модуляров мира, и получившая свое продолжение через несколько лет в более демократичной и компактной версии System-100M (1981) (на фото).

Комбо-усилитель Roland GC-120 Jazz Chorus (1975) – прибор, который изначально создавался как гитарный, но который полюбили клавишники всего мира в сочетании с электромеханическими пианино Rhodes Piano.

Великолепный гитарный синтезатор Roland GR-300 (1977), который до сих пор высоко ценят гитаристы, экспериментирующие со звуком, цифровой секвенсор Roland MC-8 (1977), программируемые драм-машины Roland CR-78 (1978) и CR-8000 (1980) (на фото).

Один из лучших клонов Hammond B3 – Roland VK-1 (1980).

И все вышеперечисленное – в неполное десятилетие. Внушительный разброс, согласитесь. Практически весь спектр приборов, необходимый целому музыкальному коллективу или любой студии звукозаписи.

Но это было только начало! Начиная с 1980 года Roland совершает революцию за революцией, производя инструменты, которые до сих пор последователи и завистники тщетно бьются не только превзойти, но даже и аутентично клонировать. Каждый инструмент становится вершиной звуковой эстетики. Их используют в своих записях и на концертах звезды мировой величины, разнося славу компании Roland по всей планете.

В 1980 году свет увидела драм-машина, которой была уготована судьба стать культовой на все времена. Roland TR-808. Роланд доказывает всем, что звук аналоговой бочки может не только пытаться приблизиться по звучанию к настоящему акустическому большому барабану. Он может диктовать совершенно новые музыкальные форматы. С этого времени драм-машина становится самостоятельным, равноправным участником музыкальных процессов. Уникальная мягкая, но одновременно глубокая и массивная бас-бочка (kick) и сегодня остается наиболее желанной основой ритма для многих музыкальных стилей, в частности – хип-хоп, электро, техно и R’n’B . Однако, этими жанрами не ограничивается сфера применения 808-й машинки. Часто ее звук (оригинал или семплированный) используется и в других электронных жанрах, а также в танцевальной музыке.

Не дав миру толком опомниться от одной великолепной драм-машины, в 1983 компания выпускает еще один шедевр – Roland TR-909. В чем-то похожий на предшественника, этот прибор обладал также рядом определенных достоинств. В частности, к этому времени уже появился MIDI-протокол, и инструменты стали оснащаться миди-интерфейсом. 909-й был одним из первых. У 808-го этого интерфейса еще не было, но для ценителей классики сегодня это не является преградой. Во-первых, 808-й, тем не менее, обладает интерфейсом DIN Sync для интеграции с другими устройствами, а во-вторых, сегодня на рынке есть миди-ретрофиты, благодаря которым инструмент можно интегрировать в современный миди-сетап.

Отличительной чертой 909-го также было наличие семплированных звуков. Для большей реалистичности в звучании «железа» такие звуки как хет и тарелки воспроизводились посредством семплов. При этом, основное «мясо» – бочка, малый, томы, клэп – генерировались силами аналогового синтеза, как и в 808-м.

Цифровое происхождение «железа» в 909-м, тем не менее, не лишило его обилия поклонников среди электронщиков. К примеру, открытый хай-хет TR-909 и сегодня уважают транс-продюсеры. А клэп 909-го многие электронщики признают лучшим среди всех драм-машин.

По звуку 909-й отличается от 808-го более собранным звучанием кик-драма, и благодаря этому инструмент гораздо шире реализовал себя в танцевальной музыке. Огромное количество танцевалки и электроники в 80-е и 90-е годы было создано с использованием именно этой машины. От этого, конечно, к репутации инструмента некоторым образом прилип термин «заезженности», но, учитывая стоимость этих приборов на сегодняшний день и нежеланием владельцев расставаться с ними, эта заезженность довольно условная.

Скорее, заезженными стали семплы этих инструментов в библиотеках для разных семплеров. И пресеты, имитирующие их звучание, в других, более современных драм-машинах. Правда, надо сказать откровенно, довольно сложно создать «семпл 909-го» на все случаи жизни. Он, как и 808-й, хоть и имеет существенные ограничения в рулежке звука, тем не менее – требует подстройки питча и длительности звуков (decay) в процессе работы над миксом. И чаще всего это довольно тонкая работа, осуществление которой силами семплеров лишает звучание того самого шарма. Так что, наличие семплов 808/909 и обладание оригиналами – это большая разница.

Кстати говоря, помимо уникального и неповторимого звука, эти приборы обладают и другими качествами – собственный очень музыкальный тайминг. Встроенный в них секвенсор позволяет получить раскаченный грув, и даже простые барабанно-перкуссионные партии с ограниченным набором звуков начинают дышать и эмоционально заряжать. Так что, даже если насемплировать их в сотнях различных настроек, достойно заменить классические инструменты не удастся.

Этими двумя драм-машинами Роланда далеко не ограничился. Также существуют более поздние цифровые машинки Roland TR-505, TR-707, TR-626, TR-727 (последняя со звуками латинской перкуссии), ну и аналоговая Roland TR-606. Все они тоже очень интересны, по-своему уникальны, но до легендарного статуса 808/909 они не дотянули.

Следующим явлением мирового масштаба стали синтезаторы Roland Jupiter-8 (1981) и Jupiter-6 (1983). Оба великолепные полифоники, с развитой архитектурой и возможностями модуляции, очень богатой палитрой и плотным жирным звуком. «Восьмерка» получила более культовый статус, прежде всего благодаря тому, что для генерации сигнала в ней были задействованы разработанные самими роландовцами дискретные схемы, тогда как в «шестерке» применены более распространенные среди синтезаторов топ-класса в то время чипы аналоговых осцилляторов CEM 3340. Соответственно, за уникальность звука многие готовы платить больше, и стоимость Jupiter-8 на аукционах сегодня может достигать 7-10 тысяч долларов, в зависимости от состояния. Это ставит инструмент в один ценовой ряд с упомянутыми ранее Yamaha CS80 и Korg серии PS. При этом, в отличие от JP-6, он, естественно, не обладал интерфейсом миди, а только собственный протокол Роланда DCB, и то только более поздние модели.

С инструментами Jupiter-6 и Jupiter-8 в 80-е годы было связано создание просто огромного количества величайшей музыки в разных жанрах – и поп, и танцевальная электронная, и даже рок.

Стремление Roland к мировому первенству проявлялось и в другом. В частности, модель Roland JX3P (1983) была одним из первых синтезаторов в мире, оборудованных интерфейсом MIDI.

Особого внимания заслуживает задумывавшийся как замена бас-гитаристу инструмент Roland TB-303. Который, кстати, провалился как коммерческий проект ввиду того, что подражание звуку бас-гитары у него получалось… эээ… в общем, вообще не получалось. И только спустя годы, распробовавшие уникальные 18-децибельные фильтры и грувастый секвенсор электронщики, в основном приверженцы techno и acid, открыли охоту на эти миниатюрные машинки. В результате этой охоты сегодня такую штучку дешевле чем за 2500 долларов купить практически нереально.

Охватить в рамках статьи всю продукцию, сделанную Роландом, невозможно. Лично мне достаточно лишь упомянуть, что в числе более чем 40 моих синтезаторов в студии, примерно треть – производства Roland. И это не учитывая приборы обработки, контроллеры и так далее. Причем в этом заслуга не какой-то личной приязни конкретно к этому бренду. Просто роландовцы оказались настолько плодовитыми, что в течение первых трех десятилетий своего существования насытили рынок действительно классными приборами, избежать появления которых в сетапе просто невозможно. Кстати говоря, великолепные гитарные «примочки» фирмы Boss – по сути, тот же Roland, вид сбоку. Boss, Edirol – это ответвления глобального концерна. Достаточно подумать, какое количество гитаристов во всем мире говорит спасибо им за крутейшие овердрайвы, дисторшны, фленджеры и прочие педальки.

Возвращаясь к основной теме, нельзя также не упомянуть такие аналоговые синтезаторы с цифровым контролем как Roland серии Juno (прежде всего модели 6/60/106), серии JX (прежде всего, JX8P и JX10), разноплановую серию MKS, в которую входили и семплер, и синтезаторы, и один из первых в мире ромплеров с зашитыми звуками электропиано (кстати, MKS20 Digital Piano даст фору практически всем современным дорогим рабочим станциям по качеству звучания именно электропиано).

Легендарная серия инструментов с маркировкой JV/JD/XP/XV (в общей сложности в производстве с 1991 по 2002 год) – много лет занимает самые почетные места во всех студиях мира.

Семплеры серии S на момент своего появления задали конкурентам настолько высокий уровень качества и удобства, что даже сегодня такие инструменты как Roland S-760 не теряют актуальности в студийной работе.

Но особо хотелось бы остановиться на уникальном синтезаторе Roland D-50, появление которого хронологически несколько опередило Korg M1, и при этом стало серьезным конкурентом владевшему на тот момент миром Yamaha DX7. И это была не просто конкуренция. Roland D-50 (а также рэковый вариант D-550) был продан в количестве более 200 тысяч экземпляров (напоминаю, M1 – 250 тысяч, а DX7 – 160 тысяч). Так что, значимость этого инструмента сложно переоценить.

В D-50 был реализован совершенно новый и уникальный тип синтеза – линейно-арифметический. Сущность его сводилась к тому, что для полноценной имитации инструментов использовался небольшой фрагмент семпла этого инструмента, содержащий только атаку звука. Все остальное звучание формировалось средствами цифрового синтеза, с применением алгоритмов, схожих с классическим субтрактивным аналоговым. Дело в том, что именно атаку таких звуков как фортепиано, гитара, духовые и так далее – сложнее всего имитировать. Но при этом большие по продолжительности семплы потребовали бы огромного количества дорогой памяти, что сделало бы синтезатор неконкурентоспособным в сравнении с DX7, к примеру. Немного подробнее Вы можете прочесть в специальной статье про линейно-арифметический синтез.

Как всегда, Роланд нашел идеально верное решение. Скомбинировав два подхода внутри одного прибора, создал инструмент стоимостью примерно в 2 тысячи долларов, и совершил очередной прорыв – как технологического, так и экономического характера.

D-50, кстати говоря, в отличие от M1 и DX7, оказался способным и сохранить свою ценность и в сегодняшнем мире. Правда, не совсем в тех проявлениях, ради которых он создавался. Благодаря уникальному внутреннему строю, игра на этом инструменте оказывается очень аутентичной в рамках восточных музыкальных жанров, прежде всего – в армянской музыке. Поэтому огромное количество любителей Roland D-50 – среди армянских музыкантов. Так что, если M1 сегодня продают за 200-300 долларов, DX7 – за 400-500, то D-50 в хорошем состоянии на вторичном рынке вполне может стоить до тысячи долларов. И, в отличие от других производителей, Roland часто снабжал свои приборы специальными программаторами для доступа к параметрам звука в режиме реального времени, и D-50 был не исключением (его родной программатор – PG-1000).

Сегодня Roland, как и остальные два участника «большой тройки» из Японии, в основном занимается не инвестициями в новые музыкальные разработки, а конкурентной борьбой за рынки сбыта и максимизации прибыли при минимуме издержек. Производство дорогих и навороченных рабочих станций – тренд десятилетия, и, как и в случае с Korg, чем больше в одну станцию пытается впихнуть функций производитель, тем больше он вынужден в результате экономить на элементарных составляющих своих детищ.

Большинство моделей Roland (а может даже и все) сегодня производятся в Китае. Качество инструментов от года к году заметно ухудшается. Если на рубеже тысячелетий все-таки еще появлялись хорошие приборы, то спустя десяток лет все скатилось в обычную рутину. Дешевле комплектующие, ниже качество, больше вложений в рекламу и внешнюю мишуру, и, как результат – насыщение рынка некачественным товаром, радоваться которому могут разве что неопытные любители. И то – до тех пор, пока впервые не столкнутся с реально хорошими синтезаторами предыдущих лет.

По странной иронии судьбы, именно 2001 год связан с уходом от дел бессменного руководителя и идеолога корпорации Roland Икутаро Какэхаси, который, кстати, за неоценимый вклад в развитие и популяризацию электронных инструментов десятилетием раньше был удостоен звания Почетного Доктора наук. После его ухода компания не произвела ни одного прибора, в котором бы существовали хотя бы намеки на что-то радикально новое. Единственное, чем Roland отметился за последние десять лет, так это довольно бессовестная эксплуатация прошлых заслуг ради получения прибыли.

Так, в 2005-м было начато производство дешевых, почти игрушечных, синтезаторов Roland Juno D, а затем эта серия пополнилась еще рядом моделей со схожими названиями. Ничем, кроме имени, эти инструменты не были связаны с великолепными Джунами из роландовского прошлого.

2006 год был ознаменован появлением синтезатора аналогового моделирования Roland SH-201, название которого явно намекает на серию прекрасных инструментов тридцатилетней давности – SH-101, SH-1/2/5/7/09.

В 2011 году в результате очередной маркетинговой реинкарнации миру был представлен Jupiter-80, а в 2012 году – его урезанное продолжение, Jupiter-50. Как и в случае с предыдущими инструментами, «новички», будучи обычными рабочими станциями, не имеют ничего общего с Юпитерами 80-х годов. Даже несмотря на то, что производитель попытался максимально приблизить их внешний вид к оригиналу.

Ну что ж, за всю историю Роланд наделал много инструментов. Еще вовсю можно наживаться на названиях с использованием маркировки TR, TB, RS, SDD, MKS и так далее.

Как Вы уже поняли, делать выводы о фирме по современным приборам – не стоит. Это действительно замечательный, очень достойный и хороший бренд. Просто надо уметь видеть разницу между инструментами, рожденными изобретателями, и инструментами, созданными бизнесменами ради наживы.

Что лучше?

В 80-е годы Япония дала музыкантам настоящие инструменты. И это не какая-то там жалостливая ностальгическая проповедь, это реальность. Yamaha, Korg и Roland дали понять всему миру, что они не просто достойные конкуренты, мнение которых можно учитывать. Они равноправные участники процесса раздела мира, хоть и не в воинственном понимании. И, вне зависимости от чьего-либо желания, с их авторитетом придется считаться всем.

Три небольших цифровых инструмента, Yamaha DX7, Roland D-50 и Korg M1 – поставили на колени весь мир производителей синтезаторов. Один за другим, лопаются сильнейшие бренды Америки, и все из-за прорыва, который осуществила могучая «японская троица».

В 1981 году исчезает с лица земли один из величайших производителей синтезаторов, американская компания Arp.

В 1985 банкротится Oberheim.

В 1986 Роджер Линн закрывает свою компанию Linn Electronics и уходит работать в японскую компанию Akai, в рамках которой создает несколько замечательных приборов.

В 1986 Роберт Мог, некогда подаривший нам первый коммерческий синтезатор Minimoog, объявляет о банкротстве компании Moog.

В 1987 году не выдержавший конкуренции Дейв Смит продает компании Ямаха свое детище Sequential Cirquits, создавшую, в числе прочего, великий Prophet-5.

В 1990 году изобретатель Рэй Курцвейл, изобретатель одного из первых семплеров в мире, Kurzweil 250, продает свою компанию корейцам Young Chang.

На этом, конечно, история американских синтезаторов не закончилась, но как Великая синтезаторная держава США перестали существовать, уступив все лавры японцам. Сегодня в Америке существует немалое количество фирм, производящих качественные и дорогие инструменты бутикового класса. Таких как Studio Electronics, Buchla и так далее. В отличие от современных японских разноцветных рабочих станций с огромными цветастыми дисплеями, из рук американских производителей выходят очень приличные синтезаторы.

На склоне лет, незадолго до своей кончины, Роберт Мог возродил компанию Moog и выпустил ряд хороших инструментов. И хотя они все же уступают по качеству его же старым детищам, тем не менее – это достойные внимания приборы.

Tom Oberheim также не так давно реинкарнировал свою фирму, добавив в название к своей фамилии еще и имя.

Также вернулись к производству Roger Linn и Dave Smith, каждый в своей ипостаси – первый с новыми моделями своих старых драм-машин, второй – с возрождением линии синтезаторов Prophet и некоторыми другими новыми моделями на старую тематику. В основном, кстати, аналоговыми.

Итак, что же лучше, Korg, Roland или Yamaha? Ответ – все они – просто прекрасны. Прекрасны как часть истории синтезаторов, как компании, подарившие музыкантам десятки, или даже сотни удивительных инструментов. Если Вы увлечены электроникой, синтезаторами – не нужно отдавать свои предпочтения только одному бренду. Оглянитесь вокруг! Причем не только на японцев! Столько недорогих и качественных инструментов продается в объявлениях, на форумах, на аукционах! Расширяйте свой сетап, получайте новые возможности, создавайте музыку на этих великолепных инструментах.

И не забывайте подписываться на этот блог, чтобы первыми узнавать о появлении новых статей. Как и раньше, всех приглашаю дружить в ЖЖ и вступать в синтезаторную группу ВКонтакте.

Легкого Вам выбора и интересного творчества!

© Алексей ДаниловПри перепечатывании ссылка на источник обязательна

Интересное:

danalex.ru

Korg, Roland или Yamaha? (часть 1)

Автор Алексей Данилов. Комментируйте в ЖЖ или в Оригинале статьи.

Знаменитая японская троица. Три бренда, завоевавших в 70-80-е годы весь мир. Из-за них терпели убытки Moog, Oberheim и Arp. Они получали самые передовые патенты и наводняли мир доступными и относительно недорогими синтезаторами.

Единомышленники или беспощадные конкуренты? Соперничество во имя прогресса или экономия ради увеличения объемов продаж?

Наверное, далеко не каждый клавишник знает про таких монстров синтезаторостроения как Sequential Cirquits, Buchla, Doepfer, Analogue Solutions. Многие также лишь краем уха слышали, или случайно натыкались на Waldorf, Quasimidi, Clavia. Для кого-то даже Kurzweil – неизведанные территории. Но практически каждый в самом начале задает себе вопрос – «Yamaha, Roland или Korg?».

С одной стороны, это действительно оправданно. Каждая из этих трех компаний на любой момент времени имела и имеет в своем арсенале довольно богатый выбор для музыканта. Это и цифровые пианино, и инструменты с автоаккомпанементом (самоиграйки, или, иначе, интерактивные синтезаторы), синтезаторы аналогового моделирования и рабочие станции, семплеры и ромплеры, миди-клавиатуры и бесклавиатурные тон-генераторы. Любой крупный магазин предложит Вам широкий выбор – плати деньги и забирай.

Ну так и что же из этого лучше? Некоторые рвут рубаху на груди – «Только Ямаха!». Другие оппонируют – «Ямаха – это для любителей, а профессионалы выбирают Корг!». Третьи всех перекрикивают – «Мой друг делает все аранжировки на Роланде, и они звучат фирменно!».

Каждый из них – в чем-то прав, а в чем-то заблуждается. И проблема не в том, что кто-то из этой троицы лучше или хуже, а проблема всего лишь в недостаточной информированности ораторов.

В истории каждой из этих трех фирм есть великие прорывы. Синтезаторы-супербестселлеры, которые сделали счастливыми тысячи клавишников по всему миру. Технологические решения, принесшие миллионные прибыли владельцам компаний. Популярнейшие инструменты всех времен и народов.

Yamaha DX7 (1983), Roland D-50 (1987), Korg M1 (1988) – легенды, поднявшие своих создателей на гребень волны. Отодвинув на какое-то время всех остальных на второй план и заставляя конкурентов собрать всю волю в кулак, консолидировать все доступные ресурсы для того, чтобы выдать что-то еще более совершенное.

Разве можно сказать, что один из трех перечисленных инструментов – лучше других? Нет, ни в коем случае. Каждый из них давал что-то новое, расширял возможности, стимулировал музыкантов к творчеству, открывал невиданные горизонты.

Но надо отделить зерна от плевел и, наконец, разобраться, почему так непросто сделать выбор – Yamaha, Korg или Roland.

Yamaha

Одна из старейших мировых корпораций, Yamaha была основана японцем Торакусу Ямахой (Torakusu Yamaha) в 1897 году. Все началось с изготовления экземпляра фисгармонии (небольшой духовой орган с педальным нагнетанием воздуха), а выросло в огромный диверсифицированный бренд, пустивший свои инновационные щупальца в совершенно разные сферы – от производства спортивного инвентаря (ракеток, луков и так далее), авиационных пропеллеров, компьютеров, до мотоциклов, электроорагнов, роялей, синтезаторов, профессионального и бытового музыкального оборудования и многого другого. Компания Yamaha также значительно вовлечена в сферы образования и лабораторных исследований. Несмотря на все вышеперечисленное, музыкальные корни Ямахи подчеркиваются их логотипом, на котором изображены три перекрещивающихся камертона.

Но, поскольку нам больше интересны именно синтезаторы, не будем углубляться в другие сферы. Свой первый электронный инструмент Yamaha создает в 1959 году. Это был электроорган D-1 Electone, в основу которого легли лабораторные исследования Ямахи в области аналогового моделирования.

Далее, в течение почти 20 лет на этой стезе не было сделано особых прорывов. Основное внимание фирмы было направлено на производство акустических инструментов – гитар, барабанов, духовых. Кроме того, 1967 год был ознаменован тем, что сам Святослав Рихтер для гастролей по Италии выбирает рояль производства Yamaha. В скором времени ямаховские фортепиано выбиваются на лидирующие позиции в мире, и уверенно конкурируют с более старыми брендами.

А еще через некоторое время Ямаха представляет миру уникальный инструмент под названием Дисклавир (Disklavier, 1982). С виду как обычное фортепиано, Дисклавир обладал встроенной электронной системой, позволявшей воспроизводить мелодии, заранее записанные на диск, имитируя при этом их исполнение движением клавиатуры и всего молоточкового механизма. Дисклавир был не просто очередным интересным изобретением. К сожалению, он сослужил и не очень добрую службу. Но подробнее об этом чуть позже.

Вернемся к органам. Здесь Yamaha не прекращает выпуск новых моделей и до сих пор. С конца 50-х и до начала 80-х все органы были аналоговыми. Начиная с 1983 года, когда Ямаха купила права на эксклюзивное использование технологии FM-синтеза, которую разработал Джон Чоунинг, частотная модуляция ложится в основу генерации сигнала органов Ямахи, начиная с серий FC, FE, FS, FX. В серии FX также впервые были использованы засемплированные волны, пока еще только для имитации перкуссии в секции органной драм-машины.

Ну а с 1987 года в сериях органов HS и HX ямаха уже вовсю эксплуатирует собственную разработку под названием AWM (Advanced Wave Memory), по сути представляюшую собой технологию на основе семплированного звука. Последней ласточкой среди аналоговых органов Ямахи стала модель Electone D-500, выпущенная в 1983 году.

Были среди органов Yamaha и действительно выдающиеся модели. Орган Yamaha Electone GX-1 (1974) был уникальным, огромным и очень дорогим монстром с четырьмя мануалами (два стандартных органных, один ножной педальный, и один сольный). Цена на этот орган даже в то время составляла около 60 тысяч долларов. Верхний мануал представлял собой интегрированный в огромное тело инструмента монофонический синтезатор, схожий с Yamaha SY-1, который выпускался в отдельном небольшом корпусе. Немного подробнее об этом органе я писал в статье про аналоговые синтезаторы.

Конечно, этот инструмент был замечательным и очень мощным. Но нельзя сказать, что он принес фирме успех. Вознесение к синтезаторному олимпу было еще впереди, но к этому времени (середина 70-х), его очертания прорисовывались все яснее.

Первым реальным прорывом было создание одного из самых значительных синтезаторов всех времен и народов, могучего и безудержного Yamaha CS80 (1976). В уже упомянутой статье Вы сможете прочесть и о нем кое-какую техническую и общую информацию. Преувеличить значимость появления CS80 невозможно. До сих пор многие вполне оправданно считают его королем синтезаторов. С появлением этой модели Ямаху стали воспринимать как крайне серьезного конкурента на рынке электронных инструментов.

Однако главным свершением для корпорации Ямаха навсегда останется создание Yamaha DX7 – одного из самых распространенных в мире синтезаторов. Цифровой до мозга костей, он, фактически, похоронил будущее аналоговых синтезаторов. Но, говоря об этом синтезаторе, невозможно придумать ни одного отрицательного эпитета.

Как ни крути, прогресс остановить было невозможно, и цифровая эпоха заявляла о своих правах все громче. Изобретение Джона Чоунинга, вкупе с проницательностью и прозорливостью руководства Yamaha, создали уникальные условия для появления DX7.

Полифонический синтезатор, обладающий возможностью сохранения довольно большого числа пресетов, с широчайшей палитрой звуков от сольных и шумовых, и до тембров электропианино, мягких подкладов, имитации гитар, басов… Плюс ко всему – железная стабильность строя, небольшой вес и небольшая (относительно) цена. Да, дни аналоговых синтезаторов были сочтены. Было продано 160 тысяч экземпляров этого синтезатора, и он остался в числе самых продаваемых синтезаторов в мире.

От триумфа вернемся к прозаичному. Технологический успех привел к успеху финансовому. И без того небедная компания, Yamaha, познав многомиллионные радости в долларовом выражении, переходит к мировой экспансии.

Два слова, сказанных Ямахой в начале 80-х, DX7 и Дисклавир, обрекли компанию на постоянные метания из стороны в сторону. Одна Ямаха – это производитель профессиональных музыкальных инструментов. Другая – развлечение для домохозяек и подростков.

В 1983 появляется первая Yamaha Clavinova YP-40. На тот момент это было всего лишь компактное цифровое пианино с немного расширенным набором звуков. Но уже с 1985 года появляются серии Clavinova CLP и CVP. В основе лежали простые идеи, годом ранее реализованные в Disclavier – возможность исполнения партий самим инструментом, почти без участия музыканта. Клавиновы наделяются способностью играть партии барабанов, баса и гармонического заполнения, заменяя клавишнику партнеров по музыкальной группе.

Параллельно, Ямаха развивает еще одну линейку инструментов – Porta Sound. Сначала серия PSS (1982), а затем PSR (1984). В отличие от громоздких Клавинов, это были небольшие переносные синтезаторы, оборудованные теми же функциями автоматического аккомпанемента. Постепенно возможности PSR-инструментов расширялись, интерактивные средства множились, синтезаторы становились все более приспособленными к нуждам «солиста». И теперь уже не было необходимости уметь хорошо играть. Обладая самыми базовыми знаниями в музыкальной теории и гармонии, а также некоторыми вокальными способностями, музыкант с такой Ямахой легко мог выступать как «все-в-одном», человек-оркестр.

Только вот благодаря всему этому Ямаха отдалила инструменты от их корней. С одной стороны – конечно, это еще один шаг к прогрессу. С другой – уход от творчества к техногенности. Это уже были не в прямом смысле синтезаторы. Появляются термины оркестратор, позднее интерактивный синтезатор. В профессиональной среде за такими инструментами закрепилась слава кабацких, и их вполне заслуженно стали называть не очень-то приятным термином «самоиграйка».

Yamaha до сих пор продолжает выпускать инструменты серии PSR. С каждым новым инструментом множатся обещания производителя о самом лучшем звуке, о супернавороченных способностях, и так далее. Однако, смысл инструмента не меняется. Как и раньше, это инструмент с не очень качественной клавиатурой, двумя динамиками по бокам (чтобы избежать необходимости подключения к профессиональному оборудованию), разноцветными (чаще всего) кнопками на панели управления. Гораздо большее значение, нежели звуку, в этих приборах придается размерам дисплея и прочим внешним факторам.

Бесспорно, PSR-серия принесла и до сих пор приносит Ямахе миллионные доходы от музыкантов-любителей, а также от желающих получить дома музыкальную игрушку для веселого времяпрепровождения. Однако, распространение этих инструментов нанесло удар в спину компании, подорвав в глазах многих профессионалов и начинающих музыкантов репутацию Yamaha как производителя серьезных музыкальных инструментов.

Учитывая все вышесказанное, можно в чем-то согласиться с теми, кто кричит, что «Yamaha это для любителей». При этом, нельзя забывать все заслуги этой компании перед музыкой. Инструменты, созданные на протяжении нескольких десятилетий, навсегда останутся в истории. И сотни, тысячи музыкантов будут охотиться за Yamaha CS80, DX7, RX5, SY77, EX5, FS1R, как и за десятками других моделей – до тех пор, пока последний их экземпляр не будет стерт временем в пыль.

Korg

Компания была основана в 1962 году предпринимателем Цутому Като (Tsutomu Kato) и музыкантом Тадаси Осанаем (Tadashi Osanai). Инициатива исходила от последнего, и смысл ее сводился к необходимости создания удобной и качественной модели драм-машины. Дело в том, что Тадаси выступал, играя на аккордеоне в сопровождении ритм-машины Wurlitzer Sideman, о которой он был не слишком высокого мнения, как с точки зрения звука, так и с точки зрения удобства. Так что он убедил Като инвестировать средства в проект новой ритм-машины, которая бы удовлетворяла основным потребностям музыкантов того времени.

Первоначально компания была названа Keio, и уже через год своего существования она представила музыкантам свой первый инструмент – им стала ритм-машина Donca Matic DA-20. В сравнении с современными потомками, она была просто гигантской. Огромный ящик с управлением на верхнем торце, и со встроенным ламповым усилителем и большим динамиком. Более того, это был электромеханический прибор, то есть он издавал звуки не электронного происхождения, а механического. Технология была схожей с Wurlitzer – механический вращающиийся диск, вращаясь, специальными контактными пластинками запускал определенные перкуссионные звуки, генерация которых осуществлялась при помощи вакуумных ламп. Кстати, свое название «донка» получила благодаря артикуляционной схожести этого словечка со звуками, которые она издавала.

Тремя годами позже, в 1966, Keio выпускает уже Donca Matic DE-20 – уже на основе электроники, твердотельных накопителей. Правда, эта штука была не сильно меньших размеров.

В 1967 году Като поступило предложение от Фумио Миеды заняться разработкой клавишного инструмента. В скором времени на суд общественности был представлен программируемый электроорган. К этому времени фирма Keio получает новое название – KORG, созвучное со словом «орган».

С производством органов у Korg связана первая волна успеха. Пока еще скромная молодая фирма начинает создавать конкуренцию более серьезным компаниям, в числе которых на тот момент уже плотно закрепилась Yamaha. Однако, Като решает сделать ход конем и прорваться на новый рынок, пока еще недоступный японским компаниям – рынок синтезаторов.

В 1973 появляется первый синтезатор Korg MiniKORG. Это был небольшой, как следует из названия, инструмент. Идеологически, это был японский ответ Moog Minimoog – портативный аналоговый монофонический синтезатор, который клавишник мог таскать с собой на репетиции и возить на гастроли. Спустя некоторое время, Korg снова удивляет музыкантов, выпуская Korg MaxiKorg 800DV (1975), один из первых в мире дуофонических синтезаторов. Лично я, как обладатель этой модели, могу сказать, что это один из самых красивых инструментов. Причем как в плане звука, так и внешне. Также, в 1976 году была выпущена еще одна похожая модель, Korg 770 (на фото).

В 1977 появляется корговская линейка синтезаторов серии PS. Это были большие синтезаторы-полумодуляры (полу – потому что модули неразборно скреплены в едином корпусе), которые скорее были схожи с Arp 2600. Всего было выпущено три прибора в этой серии – Korg PS-3100, PS-3200 (на фото) и PS-3300. В соответствии с численным обозначением изменялась и степень навороченности инструмента. Самым мощным из них был 3300, который до сих пор многими считается одним из лучших в мире полифонических синтезаторов, наравне с Yamaha CS80. PS-3300 предлагал невиданную на тот момент времени полифонию в 48 голосов, которым могла позавидовать и легендарная Ямаха.

Этой линейкой Корг окончательно закрепился в сознании музыкантов как одна из фирм-законодателей в области синтезаторостроения. Огромные возможности модуляции и маршрутизации сигналов с помощью патч-кордов, уникальная полифония, отменное качество звука – ставили эти инструменты в один ряд с лучшими модульными системами того времени. Сейчас эти инструменты – сверхраритетны, и на иностранных аукционах за них идут ожесточенные торги, взвинчивающие цены до запредельных высот. Конечно, во многом виной тому коллекционеры, отбирающие у музыкантов синтезаторы ради пополнения своих коллекций.

Помимо дорогих и довольно больших инструментов PS, Корг выпускает еще одну легендарную серию синтезаторов. Конечно, это была всеми любимая (и мной, в частности, особенно) – линейка MS (1978). В эту линейку вошли не только синтезаторы. Она была представлена сразу пятью приборами, объединенными внешним видом и некоторыми элементами звуковой архитектуры и конструкции. Это были два монофонических синтезатора Korg MS20 и MS10 (упрощенная модель своего старшего брата 20-ки), экспандер MS50 (бесклавиатурная «надстройка» к MS20, которую, впрочем, можно использовать и как самостоятельный прибор), а также аналоговый секвенсор SQ10 и вокодер VC10.

MS20 и на сегодняшний день имеет поистине культовый статус. Неимоверно мощное и агрессивное звучание, которое можно получить из этого инструмента, удивительным образом сочетается с мягкостью и теплотой двух фильтров. Сами эти фильтры оказались настолько удачными, что многие производители модульных систем стали пытаться клонировать эти фильтры, в частности – Doepfer, MOTM, Analogue Solutions и другие. Сам MS20 был не просто синтезатором, а полумодуляром, то есть, как и более дорогие PS-синтезаторы, он позволял осуществлять маршрутизацию сигнала с помощью патч-кордов, что существенно расширяло его возможности.

В 80-е годы компания несколько переориентировалась на выпуск электронных пианино. Однако, и про синтезаторы Korg не забывал.

В 1980-м появляется на свет очень интересный инструмент Korg Trident (в 1982 была выпущена его вторая версия, Trident MkII). Его уникальной особенностью было сочетание в себе трех секций – синтезаторной, струнной (strings) и духовой (brass). Естественно, струнная и духовая секция были также созданы средствами аналогового синтеза, но благодаря комбинации всех трех секций появилась возможность получать богатые и интересные созвучия.

В 1981 выходят сразу два великолепных инструмента. Korg MonoPoly и Korg PolySix. Схожие по дизайну, они были несколько разными идеологически. MonoPoly представлял собой четыре независимых монофонических синтезатора, управляемых с одной панели, тогда как PolySix был полноценным шестиголосым полифоником.

Именно PolySix вошел в историю как один из самых лучших аналоговых инструментов в мире. Его звучание сложно перепутать с чем-либо еще. Все благодаря чипам SSM (которыми оснащались гораздо более дорогие инструменты), уникальным фильтрам, а также (что немаловажно) способности сохранять звуки в память инструмента, и даже затем перекидывать их на внешний носитель (кассету) через специальный интерфейс.

Полисикс может звучать мягко, может резко. Он умеет делать глубокие и красивые басы, но и мягкие пэды ему тоже по зубам. Он прекрасно читается в любом миксе. Пресеты с названиями, схожими с «полисикс», уже давно включаются практически в любую рабочую станцию и в любой концертный синтезатор.

К сожалению, дни аналоговых синтезаторов на момент выхода PS-6 (так иначе назывался Полисикс) уже были сочтены, в скором времени музыканты оказались во власти цифровой эпохи. Тем не менее, до сих пор PolySix является объектом вожделения многих электронщиков, да и не только.

Но настоящий прорыв для Корг был еще впереди. В 1988 году, когда уже отгремела ямаховская «семерка», выходит легенда всех времен и народов, Korg M1. 16-голосная полифония, отличный звук, разноплановые тембры (от синтетических до акустических), сочетание семплированного звука с цифровым синтезом, удобная клавиатура, навороченные возможности музыкальной рабочей станции, позволявшей создавать готовые аранжировки прямо внутри одного инструмента – все это обеспечило невероятный успех M1.

Инструмент был продан в количестве 250 тысяч экземпляров, и остался в истории как самый продаваемый синтезатор всех времен и народов. Даже Yamaha DX7 со своими 160 тысячами осталась позади. Но, между тем, успех Корга в выпуске M1 был неразрывно связан с Yamaha. Дело в том, что на момент появления модели 40 процентов компании Korg принадлежало… Yamaha. Вот такой вот поворот. Сделка была заключена еще в 1987 году, Ямаха тогда была на пике после нескольких лет продаж DX7 в различных модификациях. Цутому Като выкупил обратно долю Ямахи в своей фирме лишь в 1993 году.

Тем не менее, с появлением M1 Корг выбился в лидеры среди производителей синтезаторов. Остальные вынуждены дышать в спину, изыскивая ресурсы для покорения новой высоты, заданной Като и его фирмой.

В 90-е Корг продолжает выпуск рабочих станций. На это теперь было переориентировано все производство. Появляются серии 01/W (1991), затем X (1993), Trinity (1995), Triton (1999). И всему этому толчком был тот самый M1.

Кстати, интересная история была связана с названием инструментов серии 01/W. Первоначально ее хотели назвать M10, как продолжение M1. Но, один из разработчиков, увидев рабочее название, по ошибке прочел его вверх ногами – 01W. Случайность переросла в идею, и так понравилась всем остальным, что было принято решение сменить рабочее название. В результате оно таким и осталось.

Как бы то ни было, Корг наращивал потенциал своих рабочих станций. Постепенно уходя непосредственно от технологий синтеза. Каждая новая их станция получала новое название типа синтеза, но сущность была неизменной – все больший упор на семплированные звуки. По отзывам самих музыкантов, каждая следующая модель звучала хуже предыдущих. Производитель пытается впихнуть в ограниченную память инструмента как можно больше семплов. Сами семплы становятся все более увесистыми. Чтобы сэкономить на возрастающих потребностях в объемах памяти, применяется компрессия семплов. В результате, при воспроизведении семплов синтезатор вынужден очень быстро осуществить их декомпрессию. И, даже несмотря на то, что исходно эти семплы были очень высокого качества, на выходе декомпрессия приводит к существенному ухудшению звука.

Такая гонка за экстенсивным улучшением своих синтезаторов привела к тому, что одно время Korg полностью забросил разработки в области синтеза. Уже спустя годы компания снова вернулась к истокам, уже в виде инструментов аналогового моделирования, и выпустила серию MS2000. К сожалению, от классики в этом инструменте осталась только буквенное обозначение. А по звуку он уже не дотягивал ни до собственных стандартов 70-80-х годов, ни до новых стандартов, заданных современными производителями синтезаторов аналогового моделирования Clavia и Access. Хватаясь за соломинку, Korg эксплуатирует свою историю, выпуская программные пародии на свои легендарные синтезаторы прошлого. Правда, их качество сильно не дотягивает до уровня своих прародителей.

Поэтому и отношение к Korg сегодня двойственное. С одной стороны – великое прошлое, с другой – невыразительное настоящее. Но нельзя ни в коем случае отметать все, что было сделано этой фирмой. Помимо уже перечисленного, Korg создал очень много интересных и отлично звучащих инструментов – атмосферный Korg Wavestation, великолепный легкий концертный синтезатор Korg X5D, гибридный DW-8000, на основе физического моделирования Z1, ФМ-синтезатор DS-8, не говоря уже о различных процессорах обработки звука, семплерах, драм-машинах.

В 2010 году Korg неожиданно выпускает настоящий аналоговый инструмент – Monotron. Недорогой и компактный, он вызывает всплеск интереса к фирме со стороны серьезных музыкантов. Кто знает, возможно – это символ возврата к былой славе Корга, хотя загадывать тут сложно.

К сожалению, в 2011 году скончался основатель и бессменный лидер компании Цутому Като. Он всегда стремился соответствовать требованиям современности, и во многом подавал пример другим производителям. Но на сегодняшний день Корг продолжает выпускать все более навороченные и дорогие рабочие станции. Все те же большие дисплеи, куча зачастую ненужных функций, огромные возможности, но все меньше внимания главной составляющей – звуку.

Лично мне хотелось бы верить, что однажды Korg (а может и кто-то еще) совершит очередной прорыв в индустрии синтезаторов. Возможно, это, наконец, будет сделано не ради увеличения числа продаж, а ради того, чтобы в истории отпечатался еще хотя бы один действительно прекрасный инструмент, по значимости сопоставимый с MS20 или PolySix.

Читать продолжение статьи - Korg, Roland или Yamaha? (часть 2)

© Алексей ДаниловОригинал статьиПри перепечатывании ссылка на источник обязательна

danalex.livejournal.com

Как выбрать синтезатор | Алексей Данилов

Еще будучи учениками старших классов музыкальной школы, многие обнаруживают в себе стремление быть причастным к сфере профессиональной музыки. И тогда начинается поиск ответов на многие вопросы. Например, нужны ли в шоу-бизнесе все полученные за годы учебы знания, или может все зависит только от денег и связей? Каким образом можно протиснуться в такую далекую, не связанную с музыкальной школой, богемную музыкальную тусовку? Как грамотно применить свои умения и навыки?

Если этот ученик играет на фортепиано – возникает очень важный психологический барьер. Все привыкли тебя воспринимать как паренька, который вместо футбола после школы берет ноты и идет на занятия в музыкалку. Или которого можно на уроке пения попросить сыграть что-нибудь на классном рояле, надеясь услышать популярную песенку из телевизора, а в реальности получая что-нибудь неинтересное из ученической программы…

Через это проходят все. Но однажды случается что-то, что заставляет тебя все переосмыслить. Со мной это произошло так. Выходя однажды вечером из музыкальной школы, я увидел на стенде объявление, гласившее «Продаю синтезаторы, оркестраторы и электрогитару». И если электрогитара была для меня чем-то абсолютно чужеродным, то всё остальное вызывало вполне дружественный настрой!

Некоторое время спустя, идя на те же занятия по музыке, мне встретился какой-то рокерского вида мужичок, который, поравнявшись со мной,спросил, на чем я играю (узнать ученика музыкальной школы всегда было просто по папке с нотами). Узнав, что на фортепиано, сказал, что он собирает музыкальный коллектив, и спросил: «Ну, синтезатор-то освоишь?»…

Он мне оставил телефон, по которому я не дозвонился, и еще долго я всматривался в лица прохожих в надежде снова встретить несостоявшегося «коллегу». Я его больше не видел, но зато в моей голове после этого прочно отложилась идея, что если уж я играю на фортепиано – синтезатор-то освою!

И вот с этого начинается самое главное. Что такое синтезатор – в такой момент знаешь довольно абстрактно. Зато прекрасно понимаешь, что их существует тысячи разных. И все они с первого взгляда – просто клавиатуры с дисплеями и кучей непонятно для чего нужных кнопок. Иногда еще и разноцветных. Игра на таком инструменте представляется примерно так: мы включаем его, выбираем звук пианино, а дальше делаем примерно то же самое, что привыкли за семь лет делать в музыкальной школе. И если даже решаемся глянуть, на что же инструмент еще способен, то вскоре понимаем, что ничего не понимаем. Пресеты с названиями «Lead» вызывают ужас (как можно играть одной нотой!), имитации гитар и саксофонов – улыбку…

Да. Перед тем как что-то купить, нужно выяснить, что именно нам нужно и для чего. Далее я постараюсь, теперь уже без лишней болтовни, рассказать, как правильно выбрать для себя первый синтезатор.

По каким критериям выбирать первый синтезатор

Итак, для начала определяемся, что мы хотим с синтезатором делать. Вариантов несколько.

1. Продолжать с его помощью обучаться в музыкальной школе. Этот вариант я рекомендую сразу отмести. Обучаться музыке можно только на настоящем акустическом фортепиано (пианино или рояль). Почему – тема отдельного разговора и другой статьи (см. по ссылке).

2. Развлекаться дома, для себя, семьи и друзей. Если у Вас нет никаких музыкальных амбиций и для Вас музыка – просто веселое времяпрепровождение – тогда купите любую самоиграйку, их выбор на рынке огромен. Они все делают примерно одно и то же и звучат примерно одинаково, так что ориентируйтесь на то, сколько Вы готовы отдать за эту игрушку денег.

3. Играть в музыкальной группе. Вот это уже серьезно. Об этом и поговорим.

К сожалению, жизнь музыканта не так безмятежна, как может показаться со стороны. И если Вы планируете играть в музыкальной группе, то должны помнить, что, скорее всего, свой инструмент Вам придется таскать на собственном хребте. И если гитара или бас-гитара в чехле обычно весит 4-5 килограмм, микрофон вообще ничего не весит, а барабаны уже есть в большинстве репетиционных помещений, то с клавишными дела обстоят сложнее. Синтезаторы в среднем весят 12-14 кило, и таскать этот вес два-три раза в неделю довольно тяжело и неудобно. Плюс, помимо самого синтезатора, приходится таскать педали, блоки питания, ноты и так далее. Поэтому один из главных критериев при выборе синтезатора – это его транспортабельность – то есть габариты и вес. Не стоит переоценивать свои силы. Даже если Вы силач (хотя среди музыкантов я редко встречал качков), спина все равно будет болеть.

Второй важный критерий при выборе первого инструмента – жанровые особенности Вашей будущей группы. Точнее – разнообразие звуков, которое Вам может потребоваться в работе. Если группа играет рок – то Вам понадобятся звуки органов, струнных инструментов. Если джаз – фортепиано, электропианино, лиды. Поп – фортепиано и различные фоновые звуки. Фанк – звуки электропиано, клавинета, имитации духовых инструментов. Электронная музыка – понадобится куча всего, да еще с возможностью глубокой редакции и изменения тембров в реальном времени.

Ну а если Вы планируете стать универсальным исполнителем и работать в профессиональных коллективах за деньги (а если Вы серьезно занимаетесь музыкой – рано или поздно Вы все равно к этому придете), то от Вас может потребоваться играть в абсолютно разных стилях, абсолютно разными звуками. Плюс часто придется вмешиваться в звуки самостоятельно. А значит, инструмент должен быть легким в управлении, иметь достаточное количество памяти для сохранения своих пресетов и большое количество редактируемых параметров. Возможность редактирования встроенных пресетов – это очередной критерий в выборе синтезатора.

Также очень важно учесть такой критерий как интуитивность управления. Дело в том, что у каждого синтезатора – своя структура синтеза, свои элементы управления на панели, своя логика навигации в меню. И они не всегда очевидны. В большинстве случаев разные модели одного производителя могут быть схожими. Но между моделями синтезаторов разных марок сходства в управлении может практически не быть. К примеру, у одного инструмента переключение банков звуков под левой рукой, у другого – под правой. Казалось бы, мелочь. Но если эта мелочь непривычна или создает дискомфорт – она может с Вами сыграть злую шутку во время выступления. У разных синтезаторных брендов разные обозначения одних и тех же параметров в меню. Привыкший к обозначениям синтезаторов Yamaha войдет в ступор, погрузившись в меню инструментов Kurzweil. Кроме того, чем более наворочена структура синтеза – тем глубже и разветвленнее меню, тем сложнее «наугад» управлять инструментом. Конечно, лучше всего не лениться и изучить пользовательскую инструкцию, но одно дело осилить пятьдесят страниц, и совсем другое – перелопатить два огромных тома. Так что обращаем внимание на то, насколько интуитивно управление выбранного инструмента.

Еще один критерий – качество клавиатуры. Но тут нужно понимать, что оно напрямую влияет на вес. Именно клавиатура – самая тяжелая часть синтезатора. Поэтому в более легких инструментах клавиатура всегда простенькая, не самая удобная. Конечно, для большинства случаев привыкание к клавиатуре – вопрос времени. И самой простой легкой клавиатуры хватит, чтобы сыграть почти все, что может понадобиться. Но надо помнить, что если Вы хотите исполнять на концертах рояльные пассажи – хлипкая клавиатура не для Вас. И с тяжестью инструмента придется как-то мириться.

Следующий критерий – надежность. К сожалению, как и любая электроника, синтезаторы имеют свойство периодически ломаться. Причем некоторые модели подвержены этому больше других. А так как покупка синтезатора – это не за хлебом в магазин сгонять, то надо заранее предусмотреть возможные проблемы. Помните, купить всегда проще, чем продать. И продавать обычно приходится дешевле, чем купил.

Кстати, говоря про надежность, я абсолютно не хочу сказать, что покупать нужно только новые инструменты из магазина. Как раз наоборот, многие старые инструменты по надежности дадут большую фору новоделам, ведь раньше качество деталей и сборки было существенно выше. Сегодня рынок работает в основном на объемы, и производителям даже выгодно, чтобы Ваш новый синтезатор сломался через год-полтора, ведь тогда Вы снова пойдете в магазин. Поэтому особого риска при покупке б/у синтезатора нет. Просто надо знать возможные слабые места выбранной модели и при покупке убедиться, что инструмент в рабочем состоянии.

Далее, иногда полезно учитывать такой критерий критерий как расширяемость. Вы никогда наперед не сможете предположить, что именно Вам потребуется от этого же синтезатора через год или два. Но, зная, что Ваш профессиональный рост приведет к повышению требований к инструменту, полезно удостовериться, что при необходимости его можно «проапгрейдить», то есть улучшить какие-то из его характеристик. Например, можно увеличить объем памяти или количество встроенных пресетов, или добавить какие-либо опции (например, семплерная опция, или различные интерфейсы для интеграции в другие системы или соединения с периферийными устройствами). Многие модели синтезаторов позволяют загружать звуки с разных носителей. Более старые – с дискет, современные – с компьютера по USB или MIDI-интерфейсу. Для некоторых моделей существуют свои собственные носители информации, найти которые не всегда легко. Есть также много инструментов, расширить которые можно специальными платами расширения. И когда-нибудь возможность «улучшить» инструмент без лишних затрат Вам обязательно пригодится.

Немаловажный критерий, который мне бы также хотелось упомянуть, это качество звука. Качественный звук синтезатора – это не то же самое, что «хороший набор звуков». В инструменте может быть две тысячи разных звуков, но при этом все они могут звучать плоско и неинтересно. И может быть совсем наоборот – только один звук, но зато высочайшего качества. Матерые клавишники очень трепетно относятся к этому критерию. Многие готовы ради одного единственного звука купить отдельный синтезатор. Но это обычно сопутствует студийной деятельности, а мы пока планируем выбрать синтезатор для игры в группе. Однако если через какое-то время Вы захотите записываться в студии – Вам придется нелегко, если Ваш инструмент не соответствует студийным требованиям качества. Ну и потом, хорошее качество звука – это хорошая читаемость на репетициях и во время концертов, это меньше головной боли Вам и звукорежиссеру, это больше шансов у слушателей расслышать каждую ноту Вашего соло.

Ну и последний критерий, который для многих не менее важен, чем вес и звуковая палитра – цена. Цена – это относительный критерий. Мы всегда хотим очень хорошо и очень дешево, но на деле можем только балансировать в промежуточных значениях. Невозможно от недорогого синтезатора требовать качества и возможностей инструмента, который стоит в несколько раз дороже. Но ведь при выборе всегда нужно от чего-то отталкиваться?

Итак, мы рассмотрели восемь важнейших критериев при выборе синтезатора:

  • вес
  • разнообразие звуков
  • возможность редакции
  • интуитивность управления
  • надежность
  • расширяемость
  • качество звука
  • цена

Какие модели синтезаторов рекомендую Вам я

Теперь я вкратце расскажу о некоторых конкретных моделях. Это те приборы, которые я обычно рекомендую начинающим клавишникам, когда мне задают вопрос о выборе первого синтезатора. Так или иначе, со всеми этими инструментами я имел опыт работы.

Да, кстати. В перечень умышленно не были включены синтезаторы с 88 молоточковыми клавишами. Поскольку их нетранспортабельность (средний вес 20 – 25 кг) делает их непривлекательными для таскания на репетиции и концерты. Конечно, если есть машина, а еще лучше пара техников, которые будут за Вами все это таскать, то проблема практически снимается, но за правило мы это брать не будем. Поэтому здесь приведены инструменты, вес которых не превышает 15 килограмм. Итак, инструменты с 61 – 76 клавишами.

Korg X5D

Самое главное преимущество этого синтезатора – его вес. Всего 4.5 кило. А при его миниатюрных габаритах – этот инструмент вообще подарок для концертирующего музыканта. Таким весом могут похвастать и кое-какие другие синтезаторы, но среди всех моделей этой весовой категории – Korg X5D абсолютный лидер по критерию качества звука. Непонятно, что стало происходить с разработчиками Корг позднее – то ли они все разом оглохли, то ли просто перестали думать о качестве и переключились на тупое зарабатывание денег, но все концертные (легкие) синтезаторы, выпущенные ими после X5D, звучали все хуже и хуже. А если еще учесть, что этот инструмент – один из самых дешевых, которые только можно найти, то выбор для многих становится просто очевидным.

В общем, основная модель, на которую я всегда обращаю внимание тех, кто просит помочь выбрать первый синтезатор, это Korg X5D. Он имеет 61 клавишу, добротный звук, возможность редактирования и получения собственных тембров. К сожалению, меню не слишком развернутое, но не может же быть все идеальным! Для тех, кто не любит или не умеет рулить собственные звуки – есть интерфейс MIDI и возможность по нему загружать в Корг пресеты, скаченные из интернета. При покупке важно обращать внимание на дееспособность кнопок на панели. Большинство корговских синтезаторов не отличаются надежностью в этом плане, поэтому надо внимательно проверить каждую кнопочку. Если кнопка не отвечает на нажатие с первого раза или требует усилий при нажатии – в скором времени она может перестать срабатывать вообще. Замена кнопок – это деньги, поэтому либо отказываемся от покупки, либо торгуемся, указывая на технические недостатки инструмента.

В остальном инструмент довольно надежен, и если Вы его покупаете в полностью рабочем состоянии – пару-тройку лет проблем возникнуть с ним не должно. Клавиатура – легкая, поэтому ждать привычной пианисту отдачи не стоит. Кстати, если в Ваших планах игра большого количества рояльных партий, то, скорее всего, Вам стоит послушать другие модели. Имитация живого фортепиано в Korg X5D довольно примитивная, звуки пианино сгодятся для рок-н-роллов или попсовых подыгрышей, но не более того.

Короче, Korg X5D – универсальная недорогая рабочая лошадка, которая прослужит верой и правдой, и которую не захочется выкинуть, как только появятся деньги на более дорогую модель. Кстати, этот инструмент можно записывать и в студии, качество звука вполне позволяет. Многие серьезные клавишники, имеющие в своем сетапе большое количество дорогих приборов, не брезгуют играть на Korg X5D.

Korg Triton Le

Легкий концертный синтезатор. Буквы Le в названии обозначают «Light Edition», то есть – это облегченная версия синтезаторов серии Triton. «Облегченность» по весу обусловлена более простой в сравнении с взрослыми Тритонами клавиатурой, ну и с удалением всяких ненужных для концертирующего музыканта элементов вроде навороченного LCD-дисплея, большого количества слотов для расширений и так далее. Кроме того, «облегчение» произошло и по качеству звука. Цифро-аналоговые конверторы, скорее всего, в этом инструменте еще более дешевые, чем даже в Тритонах. Правда, хотя качество звука и не супер, для концертных целей инструмент вполне пригоден. Читаемость в группе чаще всего можно попытаться компенсировать уровнем громкости (осторожно, чтобы остальные не обиделись!).

В положительную сторону относительно того же Korg X5D этот инструмент отличает большое количество разнообразных тембров, большой удобный дисплей, развитое меню редакции звука, удобное составление комбинаций. Многие тембры звучат очень достойно – например духовые пачки (brass), комбинации струнных (strings). Да, и еще важный положительный момент – наличие слота для карт SmartMedia, на которых можно хранить пресеты.

Отдельно нужно сказать про звуки рояля. Они, возможно, получше, чем в X5D, но все же далеки от совершенства. Более взрослые модели можно было расширить специальной карточкой с рояльными звуками. Здесь эта функция отрезана, хотя можно было бы оставить хотя бы один слот расширения. Фабричные звуки фортепиано звучат сносно, но не более. Классику не поиграешь, джаз тоже сложновато, но для многого другого вполне сойдет.

Существует в трех версиях с разным количеством клавиш – 61, 76 и 88. Но сразу хочу сказать, что 88-клавишная версия – абсолютно бессмысленный продукт фирмы Korg. Мало того, что рояльные звуки их слабое место, так еще и клавиатура в 88-й версии дубовая и неиграбельная. В версиях с 61 и 76 клавишами клавиатуры вполне пригодные для нормальной игры, хотя однозначно хорошими их не назовешь.

Что касается надежности – проблема с кнопками такая же, как в X5D. Плюс добавляется еще одна неприятная деталь – тонкие пластиковые боковины. Одно неловкое движение, случайный удар или падение – боковины трескаются. Непонятно, зачем нужен был выпендреж с «рельефными боковинами», но что есть, то есть. При покупке проверяйте косметическое состояние, если на боковинах есть трещины – они будут расползаться. Ничего критичного в этом нет, но приятного тоже мало.

Ну и напоследок приведу одну очень положительную на мой взгляд особенность этого инструмента. Его 76-клавишная версия весит всего лишь 9 кило. Для рынка синтезаторов это явление практически уникальное, и если Вы привыкли к широким размашистым партиям – вероятно, это Ваш вариант. Кстати говоря, очень удобно иметь 76 клавиш, если Вам потребуется использовать сразу несколько звуков в одной песне. В большинстве случаев требуется какой-то один звук с широким диапазоном и еще несколько с небольшим. 61 клавишу довольно сложно разделить более чем на 2 части. А 76 можно дробить на 4 без ущерба для основной партии. Многие пятиоктавные инструменты весят 10-14 кило, а тут 6.5 октав – всего 9. Кстати, пятиоктавная версия этого инструмента тоже довольно легкая, 7.8 кг. Тяжелее, чем X5D, но не критично.

Цена на вторичном рынке раза в полтора выше, чем X5D, но вполне приемлемая.

Korg TR61/TR76

В целом, эта серия инструментов является прямым продолжением серии Triton Le, то есть ей характерны все те же положительные и отрицательные стороны. Те же габариты и вес, та же клавиатура, тот же звук, те же не слишком надежные кнопки на панели, те же пластиковые боковины.

Улучшениями относительно предыдущей модели стало увеличение памяти под пресеты (существенно больше звуков, чем в Triton Le), замена слота для SmartMedia более современным слотом под SD-карты и появление USB-интерфейса для соединения с компьютером. По USB инструмент распознается компьютером как миди-клавиатура (после установки драйверов), плюс по этому же интерфейсу можно осуществлять передачу данных между компьютером и синтезатором.

Производитель заявляет о каком-то мифическом улучшении звука рояля, но, честно говоря, я этого особо не ощутил. Хотя – рояльные звуки вполне можно использовать. 88-клавишная версия – все та же бессмыслица. Разве что в нее все-таки можно вставить недешевую опцию с рояльными звуками, но шедевром инструмент от этого, к сожалению, не становится.

Цена выше, чем Triton Le, но ненамного. И если преимущества, описанные выше, принципиально важны – то этот инструмент неплохой вариант.

Korg Karma

Технология Karma, которую когда-то Корг анонсировал как невиданную доселе революцию в синтезаторостроении, лично мне неинтересна никаким боком. Допускаю, что кому-то в каком-то контексте это может быть нужно, но я стараюсь рассматривать инструменты с точки зрения игры на них, а не с точки зрения запускания секвенций.

В целом, Карма – тот же самый обрезанный Тритон, но с добавленным «уникальным» арпеджиатором и с несколько переработанной панелью управления. Существует только в версии с 61 клавишей. Вес – 10 кг, то есть побольше, чем Triton Le.

Цена этого синтезатора выше цены Triton Le, что лично для меня могло быть абсолютно непонятным, поскольку на первый взгляд прибор не имеет значительных преимуществ. Но есть один нюансы. Во-первых, Карму можно расширять картами с дополнительными звуками (есть 2 слота, причем с очень удобным доступом). Во-вторых, качество звука у Karma субъективно (на мой слух) выше, чем у Triton Le и Korg TR. И если нет необходимости в клавиатуре с 76 клавишами – имеет смысл обратить внимание именно на Карму. С чего вдруг качество звука у похожих приборов отличается – мне непонятно. Возможно, чтобы обеспечить успех на рынке своему чудо-арпеджиатору, Корг решил также оснастить прибор более качественными цифро-аналоговыми конверторами. А может мне просто показалось…

К сожалению, без проблемных моментов тоже не обошлось. Экземпляры Korg Karma раннего периода выпуска (с серийниками до номера 650) часто имеют дефекты ROM-памяти, что приводит к щелчкам и хрипу при игре некоторыми пресетами. При покупке такого инструмента очень важно проверить серийный номер на его задней панели, и если он попадает в группу риска – досконально отслушать все звуки. Потратите лишнее время, но обезопасите себя от проблем в будущем.

Korg Triton Extreme

Сначала я не очень хотел включать этот инструмент в список. Потому что он, с одной стороны, достаточно тяжелый (14.4 кило), с другой довольно дорогой (дороже остальных версий Triton, не только Le), и по качеству все-таки не дотягивает до уровня, соответствующего такому весу и цене. Но потом все-таки решил, что его стоит упомянуть. Тем более, что мое первоначальное нежелание, скорее всего, было продиктовано некоторой предвзятостью.

Предвзятость заключается в том, что Triton Extreme – еще один образец не совсем честных маркетинговых технологий со стороны фирмы Korg. Производитель заявляет его главным преимуществом ламповый выходной каскад, якобы обеспечивающий теплоту и плотность звучания.

Действительно, Triton Extreme звучит как-то несколько благородней, чем, к примеру, Triton Le или TR. Но причем тут лампа? Мне не раз приходилось работать с этим инструментом на сцене. Вот я подхожу к нему, нажимаю «волшебную кнопочку» Valve Force и вижу, как левый верхний угол синтезатора начинает источать синий свет. Заглядываю внутрь отверстия, из которого он светит, и вижу, что лампа там действительно есть, и она даже похожа на те лампы, которые стоят в ламповых гитарных усилителях. Только вот светится не она сама, а маленькая галогеновая синяя точка под этой лампой, создавая «эффект» работы лампы. Смешно, конечно. Особенно смешно представлять, где же это разработчики увидели подобные лампы, дающие синий (!) свет…

Ну ладно, это вроде как хохма. Более качественный звук, скорее всего, обеспечивают более качественные конверторы на выходе инструмента, а кнопка Valve Force, помимо галогеновой лампочки, активирует еще и какой-нибудь дополнительный компрессор, который делает звук слегка громче для имитации плотности.

Но у прибора есть и другие очевидные плюсы. К примеру, сенсорный дисплей, который значительно облегчает навигацию и программирование. Правда, при частой транспортировке именно дисплей попадает в «группу риска». Починка такого элемента – задача практически нерешаемая, а заменить обойдется, вероятно, в еще одну стоимость синтезатора. Таким образом, Triton Extreme требует более плотного кофра для транспортировки, а это, соответственно, повышает общий вес Вашей ноши.

Также плюсом является большое количество пресетов и комбинаций – примерно по полторы тысячи. Это действительно очень богатый выбор звуков. А доступность редактирования и наличие программируемых ручек на морде прибора делают его пригодным даже для использования в электронных жанрах, ну и добавляют маневренности звучания в ходе концерта.

Есть и другие приятности – тач-контроллер под левой рукой ниже джойстика, удобная и хорошая клавиатура (действительно хорошая) , USB-порты, позволяющие не только подключаться к компьютеру, но и подключать к инструменту внешние накопители, разъем для карт CompactFlash или Microdrive, возможность прямо с синтезатора записывать аудио-CD (хотя, кому это может понадобиться?), большая полифония (120 голосов, но в концертных условиях практически бессмысленная), и так далее.

На самом деле, инструмент относится больше к рабочим станциям, нежели к концертно-исполнительским синтезаторам, поэтому он напичкан кучей ненужных вещей вроде секвенсора, семплера (вот уж корговские семплеры никогда не были на высоте), большим количеством выходов и дополнительных интерфейсов на задней панели, и так далее. На сцене это все не пригодится, но килограммов прибавляет.

Так что, теперь Вы понимаете, почему я сначала не хотел говорить про Triton Extreme: хоть у него и шире возможности и лучше звук, чем у того же Triton Le, все же эти достоинства не компенсируют его тяжеловесность и дороговизну (в среднем, раза в полтора-два дороже, чем Le). Ниже Вы познакомитесь еще с некоторыми моделями, где вес и стоимость уходят на второй план.

Но как вариант – рассмотрите и Triton Extreme.

Korg X50

Раньше я часто советовал Korg X50 как одну из главных альтернатив X5D. Причина – его вес. Те же неполные 5 килограмм. Конечно, с точки зрения транспортировки – просто отличный вариант. Плюс ко всему – X50 содержит гораздо большее количество зашитых пресетов по сравнению с X5D. А это именно тот критерий, который по неопытности может отпугнуть неопытного клавишника от корговского «старичка». Рулить или загружать звуки не каждому сподручно, чаще хочется, чтобы включил, прокрутил, выбрал звук – и все играет. Тем более, что, по заверению Корга, звуки в X50 – из Korg TR. Особенно это важно для немногочисленных представительниц женского пола в синтезаторных рядах. Тяжестей таскать не надо, звуков много – сплошная радость. Да еще в придачу есть USB-интерфейс, и компьютерный редактор, позволяющий использовать инструмент как встраиваемый плагин.

Но есть у этой радости и негативные стороны. Одна из них – клавиатура. Неимоверно хлипкая, неприятная на ощупь, отвратительная по качеству. Если посмотреть на инструмент сбоку в профиль – то можно увидеть, что клавиатура X50 выгнута вверх, что лишний раз подтверждает ее неблагородное китайское происхождение. Если Вы не особо претенциозны – возможно, эта клавиатура Вас и не сильно обломает. Главное заранее знать, к чему нужно быть готовым. В принципе, для обычной игры обычных клавишных партий X50 вполне подойдет.

Но есть и второй негативный момент – глюки операционки. Мне однажды довелось играть концерт, где одним из синтезаторов был X50, когда организаторы не смогли выполнить райдер. Примерно половину времени его использования мне пришлось бороться с непредсказуемым поведением инструмента. Пресеты переключались сами, кнопки на панели переставали работать, или выполняли совершенно другие команды вместо тех, которые были под ними подписаны. Часть партий пришлось экстренно переносить на другой инструмент. Является это закономерностью или случайностью – вопрос второй, но после того случая X50 – запрещенный райдерный инструмент для меня, и теперь я стараюсь более осторожно подходить к советам, если речь заходит об этом приборе.

По некоторой информации, такое поведение Korg X50 – не единичный случай. Причиной глюков является физическое повреждение коммутации внутри дохленького корпуса. Получается, что подобная ситуация может случиться с любым экземпляром. Избежать этого можно, если внимательно относиться к его транспортировке и убедиться в отсутствии проблем при покупке с рук. Но все равно, придется быть начеку.

В общем, что можно сказать. Если вес, возможности и количество звуков имеют решающее значение – можно остановить свой выбор на Korg X50. Но при покупке этого синтезатора с рук я Вам настоятельно рекомендую потратить побольше времени на его полную и доскональную проверку. Описанные выше глюки могут не проявиться сразу, поэтому советую договориться с продавцом о гарантиях возврата Ваших денег сроком не менее недели-двух. В течение этого времени играйте на инструменте как можно больше, оставляйте его включенным, сходите с ним на репетицию. Если за это проблем не заметите – радуйтесь и надейтесь, что не заметите их никогда.

Kurzweil K2000

Среди всех остальных синтезаторов, перечисленных в этой статье, Kurzweil K2000 – дедушка. В своем роде синтезатор-легенда. Выпущенный в начале 90-х годов, он претерпел множество усовершенствований, модификаций, расширений, и выпускался аж до конца века. Именно этот синтезатор (в модификации K2VX) стал когда-то моим первым профессиональным инструментом.

Перед тем как перейти к его многочисленным достоинствам, стоит все-таки сказать о важном недостатке. Конечно, он касается его веса. Инструмент весит почти 13 килограмм, и это без чехла, педалей и прочего. Таскать его всюду с собой – задача не из легких. Однако, если Вы все же отважитесь (хорошенько подумайте) – то синтезатор Вас не разочарует.

Во-первых, у него очень хорошая клавиатура. Несмотря на то, что клавиши полувзвешенные (в поздних модификациях, а в ранних вообще невзвешенные), играть звуками фортепиано очень удобно. Что уж говорить о любых других звуках! Во многом этот фактор и повлиял на общий вес инструмента. Но не только он. Инструмент имеет прочный и надежный корпус, который способен выдержать многое, не в пример корговским пластиковым боковинам. Если заглянуть внутрь прибора – то мы увидим кучу разных навороченных плат и прочей электроники. Сравнивая все это с тем, что находится внутри современных клавишных побрякушек – понимаешь, почему «раньше трава была зеленее». Понятное дело, в пять кило тут никак было не уложиться.

Во-вторых, это инструмент обладает действительно очень качественным звуком. Об этом свидетельствует хотя бы то, что Kurzweil K2000 до сих пор используется в лучших студиях по всему миру. Любые звуки, взятые с этого синтезатора, будут всегда хорошо читаться. Ваши партии никогда не потеряются ни за шквалом гитарных риффов, ни за барабанной тяжелой артиллерией. И на сцене, и в студии инструмент будет служить верой и правдой. Причем, на первый взгляд, вне общей картины, звуки могут показаться странноватыми, где-то даже смешными. Не нужно этого бояться, как только Вы заиграете вместе с остальными музыкантами, все встанет на свои места. Единственное, к чему нужно быть готовым – это к тому, что он все-таки звучит немного жестковато и тяжеловато. Короче, инструмент с мужским характером!

В-третьих, Kurzweil K2000 – очень навороченный инструмент в плане редакции звука. И, кстати, «два тома инструкций» – это как раз про него… Действительно, это обратная сторона его продвинутости – сложность в управлении. На самом деле, этот прибор – не концертный синтезатор, это целая рабочая станция с огромными возможностями в области саунд-дизайна. Поэтому пока Вы научитесь бегло ориентироваться в его меню – пройдет немало времени. Зато, один раз досконально разобравшись, получите в свои руки очень мощное музыкальное оружие. Но если Вы не готовы к таким подвигам – тогда придется довольствоваться любой другой моделью.

Отдельно надо сказать про расширяемость этого инструмента. Для этого к нему существует ряд плат расширения, которые вставляются внутрь корпуса. С ними на борту появляется гораздо большее количество пресетов, причем звуки с этих плат выгодно отличаются от обычных фабричных пресетов. Некоторые версии K2000 (например, Kurzweil K2VX) расширены по умолчанию. Для концертной деятельности наличие этих плат очень удобно и полезно. Но и без них он очень хорош. Кроме того, расширить возможности этого прибора можно и с помощью использования его внутреннего семплера. Для этого потребуется приобрести дополнительные устройства – CD-ром и жесткий диск – которые подключаются к Курцу по протоколу SCSI специальным кабелем. Также понадобится увеличить объем оперативной памяти инструмента. Конечно, это все – дополнительные денежные затраты, надо иметь в виду. Также нужно учитывать, что в концертных условиях использование всяких внешних устройств довольно проблематично. Поэтому расширение вторым способом больше пригодится в условиях студийной работы (или для работы над аранжировками дома).

Теперь о возможных проблемах. Одна из наиболее частых проблем у большинства K2000 – неисправность процессора эффектов. Вообще, с точки зрения звука неработающий процессор эффектов – не такая уж потеря, потому что пресеты в этом синтезаторе и без него отлично звучат. Но поломка процессора приводит к появлению различных очень неприятных шумов на выходе синтезатора. Щелчки, гул, шуршание, хрип. Чтобы от них избавиться, значение уровня эффектов в меню нужно выставить на ноль. Однако, согласитесь, регулярная возня с этим мало кому будет интересна. Поэтому, если уж Вы вознамерились остановить свой выбор на этом монстре синтезаторостроения, будьте внимательны при покупке. Зайдите в меню и проверьте, не поставил ли продавец перед Вашим приходом значение эффектов в нули. Если да – прибавляйте уровень обработки, и если при этом слышите неприятные шумы – имейте в виду, что проблемное состояние уже наступило. Ремонтировать процессор эффектов бессмысленно, а возможно он вообще не ремонтопригоден. Я знаю одного специалиста, которому удалось обмануть Курц и выключить процессор из цепочки, оставив работать все остальные функции. Но, по его заверениям, больше он этого делать никогда не будет, поскольку уж больно это хлопотно. Так что, столкнувшись с такой проблемой при покупке, отказываемся от сделки и ищем экземпляр в полностью рабочем состоянии.

Кроме этой критичной проблемы, у прибора есть и другие, к счастью – гораздо менее существенные. Они связаны с тем, что все Kurzweil K2000 уже довольно старые, им по 15-20 лет. Естественно, за такой период наступает износ некоторых деталей, вроде кнопок и клавиатуры. Кнопки на панели управления можно заменить силами любого электронщика, который «на ты» с паяльником. Аналогичные кнопки можно найти на радиорынке. Работа клавиатуры может быть нарушена из-за загрязнения контактных резинок под клавишами. Симптомы – слишком тихая или слишком громкая игра некоторых клавиш, или вообще отсутствие звука при нажатии на какие-то из них. Проблема решается в домашних условиях – необходимо развинтить инструмент, добраться до клавиатуры, снять резиночки и протереть спиртом их и платы, к которым они крепятся. Практически гарантированно после этого наступает излечение.

Взвесив все за и против, все же не оставляйте этот инструмент без внимания. Если будет возможность – по крайней мере послушайте его и оцените качество звука. Оно действительно на высоте. Тем более, что сейчас эти инструменты продаются с рук за копейки, иногда даже дешевле, чем простенький Triton Le. А ведь когда-то, в начале 90-х, Kurzweil K2000 стоил почти 2.5 тысячи долларов! И звучит он все так же хорошо!

Кстати, рекомендую обращать внимание при покупке на версию установленной в прибор операционной системы. Их было очень много, и чем версия позже – тем, естественно, лучше. Наиболее предпочтительная версия – 3.87. Также вполне нормальная версия – 3.54. Более ранние – 3.01 или 3.18 – не то, что нужно. В сравнении со свежими операционками, эти имеют ряд существенных функциональных ограничений. Конечно, операционку можно поменять, но для этого потребуется либо покупать специальный чип с нужной системой, либо «оперировать» инструмент на предмет перепрошивки его собственных чипов. Естественно, это будет связано с дополнительными денежными затратами. И, кстати, если операционка имеет версию ниже 2.xx – величина этих затрат возрастает. Кроме того, операционные системы могут быть также в двух вариантах – Calvin и Janis. Более предпочтительными являются версии Janis, их можно отличить по букве J после цифрового обозначения системы, например 3.87J. Отсутствие J означает, что это система Calvin. Изменить Calvin на Janis невозможно.

Суммируем все, что необходимо знать при покупке K2000: проверяем версию операционки, выясняем количество оперативной памяти, проверяем работоспособность процессора эффектов, наличие плат расширения, удостоверяемся в работоспособности всех кнопок на панели управления и в том, что все клавиши играют с одинаковой динамикой (уровнем громкости при одинаковом нажатии). Если все в норме – поздравляю, перед Вами отличный концертный инструмент. Попробуйте его поднять, и если сочтете его приемлемым по весу – удачной покупки!

Kurzweil K2661

Еще один очень интересный представитель серии K от Kurzweil. С момента выхода K2000 прошло уже около 12 лет, за которые этой фирмой было выпущено несколько моделей, большинство из которых были в большей степени ориентированы на студийную работу. Это были модели K2500 и K2600 в различных модификациях – серьезные и дорогие рабочие станции. Так вот, Kurzweil K2661 – это концертная версия модели K2600, облегченная по весу за счет размера и типа клавиатуры, но сохранившая многие ее достоинства.

Весит 2661-й гораздо меньше, чем 2600-й, но все-таки даже немного больше, чем 2000-й, а именно – 14.5 килограмм. Также очевидным недостатком в сравнении с 2000-м является цена – он стоит в несколько раз дороже. В зависимости от установленных расширений, K2661 может стоить от 1.5 до 2.5 тысяч долларов даже на вторичном рынке.

А теперь перейдем к достоинствам.

Во-первых, полифония в сравнении с 2000-м – в два раза больше. Если раньше у нас было 24 голоса, то сейчас имеем 48. Ну, справедливости ради надо сказать, что на концерте даже 24 голосов – выше крыши. Единственная ситуация, в которой может не хватить такой полифонии – это игра широких рояльных пассажей с зажатой педалью. Но это редкость, тем более пятиоктавная клавиатура вряд ли даст особо развернуться. Но 48 все-таки лучше, чем 24. Особенно если помимо концертов Вам интересна еще и аранжировка в домашних или студийных условиях. Тут уже большая полифония будет отнюдь не лишней.

Во-вторых, теперь мы можем забыть о проблемном процессоре эффектов. В K2661 установлен процессор, идентичный K2600, то есть гораздо более навороченный и дорогой – а называется он KDFX. С эффектами дело обстоит наоборот – в студийной работе они может быть и не нужны, а на сцене лишними не будут.

В-третьих, теперь на борту есть практически полнофункциональный режим эмуляции классических электроорганов а-ля Hammond. Он называется KB3. В том числе, имеем доступ с панели к drawbars – не может не порадовать любителей органных звуков в духе Deep Purple или даже Jimmy Smith.

Многие другие параметры также отличаются количественно в положительную сторону, но вряд ли их влияние на выбор так уж принципиально. Единственным дополнительным существенным отличием от K2000 является наличие слота под SmartMedia карту, тогда как старые инструменты были оборудованы Floppy.

В остальном – это еще один действительно хороший синтезатор с добротным звуком, возможностью глубокой редакции и довольно сложным меню. Вообще, существует мнение (и вполне вероятно, небезосновательное), что лучшим инструментом серии K был именно 2000-й. Однако, положив на одну чашу весов достоинства K2661, а на другую – его цену, Вы сможете для себя решить, какой именно выбрать инструмент.

Kurzweil KME61

Еще одна реальная альтернатива Коргу X5D – недорогой, нетяжелый и качественный синтезатор Kurzweil KME61. Можно так сказать, это некая сбалансированная середина между простотой и легким весом X5D и ценой и разнообразием звуков Kurzweil K2661.

Как следует из названия, этот синтезатор имеет 61 клавишу. При этом его вес – около 10 кило. То есть тяжелее, чем Triton Le, но существенно легче, чем Kurzweil K2000 и K2661.

В принципе, этот инструмент состоит из сплошных преимуществ. Качество звука – традиционно хорошее для этого производителя. Управление – предельно простое. Да и модель довольно свежая, так что проблем, характерных для более старых синтезаторов, еще возникать у нее не должно.

Инструмент в общей сложности имеет на борту 256 звуков, большая часть из которых отведена под фортепиано, электропиано, органы и оркестровые звуки. Однако есть банки и с электронными звуками, то есть он будет вполне актуален как универсальный инструмент.

Единственное, в чем Kurzweil KME61 ограничен – так это в редакции звука. О ней придется практически вообще забыть. Ну, оно и понятно, все-таки «старшая» серия, из которой корнями этот инструмент, – PC2. Синтезаторы этой серии и весят больше, и стоят дороже, но при этом имеют более широкие возможности в редактировании.

Ну и еще можно к недостаткам отнести то, что его не так-то просто найти, чтобы купить. Наверное, потому что те, у кого он есть – не особо хотят его продавать.

Kurzweil PC161

Инструмент более ограничен по возможностям редактирования в сравнении с приборами серии K, но все же более развит, нежели Kurzweil KME61, который вообще практически не имеет доступа к параметрам звука. При этом, правда, Kurzweil PC161 проигрывает последнему по цене (он несколько дороже) и немного больше весит (около 10.5 кг).

Количество пресетов – 512, то есть вдвое больше, чем у его более легкого брата, а кроме того – инструмент можно расширять (с помощью карточек) и обновлять операционную систему по MIDI (а не покупать отдельно чип с операционкой, как в случае с K2000).

Как и Kurzweil KME61, этот инструмент сделан на основе более ранней серии PC2 и перенял от нее все лучшие качества – звук, добротность сборки, надежность. Правда, ему все же недоступны такие же широкие возможности редактирования, как на старших моделях.

Kurzweil PC161 – можно сказать, это инструмент, приближающий Вас по качеству звука к топовым моделям, но при этом более приемлемый по весу и простоте управления. Сильными сторонами серии PC всегда были рояли, электропианино, органы, оркестровые звуки, струнные – в общем, имитация живых инструментов. Тем не менее, это не значит, что здесь Вы не найдете электронных тембров – они тоже в достатке. В общем, Kurzweil PC161 – универсальная, надежная, не слишком тяжелая и довольно свежая по звучанию «рабочая лошадка», пригодная для работы в большинстве жанров, за исключением, пожалуй, только чисто электронных. Надо хорошо понимать, что, покупая Kurzweil, Вы всегда платите за качество и надежность. Все-таки это единственный производитель синтезаторов в мире, который до сих пор придерживается очень высоких стандартов звучания, и даже младшие модели по качеству звука превосходят самые дорогие инструменты других фирм. А при таких раскладах иногда все-таки можно пойти на компромиссы и по весу, и по стоимости.

Roland XP-50/XP-60

Это классические синтезаторы/ромплеры от Роланда. Их тон-генераторы идентичны легендарным студийным рэковым приборам JV-1080 и JV-2080 (соответственно). О качестве звука здесь говорить излишне, это, так же как и Kurzweil K2000, своего рода стандарт де-факто. Есть небольшое отличие в звуке между XP-50 и XP-60. В первом цифро-аналоговые преобразователи 16-битные, во втором – 18-битные, благодаря этому звук 60-го чуть ярче. Но это не делает 50-й худшим вариантом, просто он звучит несколько иначе.

По весу XP-60 чуть-чуть проигрывает, он весит 10.6 кг, тогда как XP50 – 9.3. Эти инструменты имеют одинаковое количество звуковых пресетов – по 512, плюс 128 ячеек отведено под сохранение пользовательских звуков. То есть выбор достаточно богат. Пресеты можно комбинировать в перформансы для разделения клавиатуры или наложения звуков друг на друга. Ну и разнообразие звуков тоже отвечает всем требованиям нормального концертного синтезатора – на XP-50/60 можно играть все, что угодно.

Также радует то, что эти синтезаторы можно очень легко расширить с помощью специальных карточек SR-JV. В любой из них можно вставить максимум 4 карты, и карты эти стоят, в принципе, довольно недорого. Карт SR-JV существует множество разных, поэтому, в зависимости от жанра, в котором Вы хотите играть, Вы подберете себе нужную звуковую палитру. Хотите – рояли или электропиано, хотите – органы или коллекции звуков винтажных синтезаторов, можно также добавить оркестровые звуки, струнные, барабаны, басы, можно нашпиговать инструмент кучей разнообразных электронных звуков и спецэффектов, и так далее. Очень удобно. А главное – Вам нет необходимости сразу покупать кучу карточек. Синтезатор самодостаточен, звуков и так хватает. А почувствуете необходимость расшириться – тогда и потратите еще немного денег.

Обе модели выпущены в середине 90-х, причем 50-ка чуточку постарше. Так что, на сегодняшний день им уже почти более 15 лет, а значит нужно быть готовым к тому, что может потребоваться профилактика кнопкам или чему-либо еще. В принципе, я не особо часто встречал Роланды с убитыми кнопками, но, тем не менее, эти механические элементы все равно имеют свой срок службы.

При покупке XP-50 рекомендуется проверить версию его прошивки. Наблюдались проблемы с прошивкой 1.03. Глюки связаны со спотыканиями при работе с внутренним секвенсором. Правда, в живой работе Вам это может никогда не пригодиться, и проблему Вы даже не заметите, но предусмотреть все же полезно.

Что касается управления инструментом – оно достаточно интуитивное. Возможности редактирования у обоих приборов огромные. Человеку, имеющему опыт работы с разными синтезаторами, не составит труда быстро сориентироваться в навигации. Но поскольку мы стоим перед выбором первого синтезатора – надо быть готовым все-таки потратить определенное количество времени на изучение мануала и порыться в меню. Да, кстати, дисплей у 60-й модели существенно больше, чем у 50-й, так что в плане редактирования и доступа к параметрам меню он все-таки поудобнее. Возможно, потому он и дороже.

Цена на оба прибора варьируется в пределах между ценами X5D и Triton Le, так что эти два Роланда без труда составят им конкуренцию в соревновании за право стать Вашим первым синтезатором.

Да, и еще, при покупке будьте внимательны, не перепутайте их по ошибке с XP-80 или XP10. В принципе, XP80 – это тот же XP-60, но только с большой тяжелой клавиатурой. Таскать такое на репетиции дико неудобно. А XP-10 – сильно обрезанная и упрощенная модель, и хотя она подкупает своим легким весом – лучше все-таки не поддаваться этому соблазну.

Roland XP-30

Этот синтезатор по праву считается одним из лучших среди концертных инструментов.

Во-первых, уже знакомая по предыдущему описанию серия XP от Роланда с благородным и качественным звуком, только теперь уже с еще большим количеством фабричных пресетов – почти полторы тысячи!

Во-вторых, еще более легкий вес по сравнению с другими инструментами серии XP – всего лишь 7.8 килограмм.

В-третьих, в фабричную сборку уже включены три дополнительных карты расширения, но для Вас остается еще целых два свободных слота под любые другие карты!

В-четвертых, теперь есть возможность сохранять свои пресеты на SmartMedia. Правда, карты поддерживаются только недешевые 5-вольтовые.

В-пятых, инструмент существенно свежее, чем его собраться по серии, он выпускался до 2002 года и по сути является одним из последних действительно хороших синтезаторов от фирмы Roland. А значит – меньше вероятность скорого появления разных проблем.

В управлении и по возможностям редакции он схож со своими старшими (по возрасту) братьями, так что по этому пункту тоже вердикт положительный.

В общем, это достаточно интересный и привлекательный вариант концертного синтезатора. Правда и цена на него с рук повыше, чем на другие инструменты серии XP, да и, пожалуй, повыше цен на многие другие инструменты, которые я перечислил. Ну и продают этот Роланд довольно редко, как впрочем и многие другие хорошие сбалансированные модели. Так что, если Вам удастся найти его за приемлемые деньги – Вы не пожалеете.

Какие синтезаторы лучше НЕ покупать

Во-первых, в профессиональной деятельности откажитесь от использования любых современных синтезаторов Casio. Эта фирма когда-то была одним из пионеров синтезаторостроения, ее силами были созданы уникальные синтезаторы, работающие по принципу фазовых искажений. Но среди всех остальных производителей именно Casio первой свалилась в дыру коммерциализации и маркетинга. С тех пор она прочно заняла нишу инструментов «не для музыкантов» – развлекательные, «якобы» учебные, мультимедийные, «интерактивные» – называйте их как хотите, среди них нет моделей, достойных выполнять функцию настоящего концертного синтезатора.

В лучшем случае их можно использовать на подхвате, для антуража, или на репетиционных базах, где инструменты иногда дают в прокат. Это когда свой тащить не хочется, а набор звуков примерно подходит. В некоторых случаях инструменты Касио используют для работы в ресторанах – но я бы не стал отождествлять ресторанную работу со сценической деятельностью и вообще с шоу-бизнесом.

Во-вторых, забудьте про самоиграйки от Yamaha с маркировкой PSR. На сайтах, продающих такие инструменты, они обычно находятся в разделе «интерактивные синтезаторы». Так вот, этим красивым термином продавцы пытаются подать Вам банальную самоиграйку под соусом профессионального инструмента. Мало того, многие еще и стоят бешеных денег при этом!

Да, иногда у этих «расчесок» бывает довольно яркий и прикольный звук, но не стоит этим обманываться – эти приборы не заточены под работу в коллективе. Как только Вы начнете издавать звуки вместе со своей группой – Вас все потеряют. Раздутый и размазанный звук, который сначала показался таким хорошим, просто не будет читаться в миксе, а то, что все-таки можно будет расслышать – будет звучать смешно и примитивно.

В-третьих, избегайте слишком старых синтезаторов. Ну, тут я ничего не могу сказать плохого об их звуке – в 70-е и 80-е годы было создано огромное количество синтезаторных легенд, многие из которых в настоящее время занимают почетные места в сетапах профессиональных звукозаписывающих студий по всему миру.

Но даже если Вам удастся купить такой раритет недорого – он будет требовать к себе постоянного внимания, текущего ремонта, профилактики или замены деталей. Вы не будете гарантированы от различных происшествий во время концерта или репетиций. Аналоговый прибор может внезапно потерять строй. Цифровой может зависнуть или просто перестать издавать звук. Ну и так далее.

Мало того, большинство старых инструментов весьма ограничены по своему применению, не имеют большого разнообразия звуков, оснащены старинными слотами для сохранения звуков на внешние носители (если вообще имеют такую функцию), ну и достаточно много весят.

В-четвертых, не советую покупать инструменты от 15 килограмм и более. Спина у человека не железная, и даже если груз Вам не кажется особо тяжелым – через два-три года постоянного ношения его на себе Вы почувствуете, что стоило прислушаться к этому совету.

В-пятых, не ведитесь на рекламные обещания производителей современных синтезаторов. Как минимум, почитайте характеристики на независимых сайтах, спросите на профессиональных форумах, позвоните знакомому, который имеет в этих вопросах опыт. За последние несколько лет я повидал огромное количество всякой ерунды вроде Roland Juno D, Roland GW-7, Korg MicroX или Yamaha MM6, обещающих за смешные деньги огромные возможности и высококачественный звук, и все это в легком, но прочном корпусе.

Поверьте, если бы можно было получить качество звука Kurzweil K2000 с возможностью расширения как у Роландов серии XP, количеством встроенных звуков как у Korg Triton Extreme, приятной на ощупь клавиатурой в 76 клавиш и набором контроллеров как на Kurzweil K2661, и при этом все это весило бы как Korg X5D и имело габариты как у Korg Triton Le – многие готовы были бы очень хорошо раскошелиться ради такого инструмента! Но это несбыточные мечты тысяч клавишников по всему миру, причем не только начинающих.

А все перечисленные выше современные безделушки – это всего лишь очередной способ впарить Вам барахло и срубить по-быстрому денег.Так что пока исходим из реальности.

До новых встреч в новых статьях. Кстати, если эта страничка оказалась для Вас познавательной, то смело подписывайтесь на этот музыкальный блог, в нем еще будет немало интересного. Также приглашаю всех желающих обмениваться комментариями и дружить в ЖЖ

Удачного Вам выбора.

© Алексей Данилов

Выражаю благодарность Rostyk за помощь при подготовке статьи.При перепечатывании ссылка на источник обязательна.

Интересное:

danalex.ru

Что лучше - Casio или Yamaha

Casio или Yamaha – этим вопросом часто задаются родители, которые хотят купить своему чаду синтезатор. Цифровое пианино хоть и принадлежит к классу синтезаторов, но его никогда правильно не подберешь без так называемого «тест-драйва». Много аспектов, таких как: звучание, механика клавиш, звук через наушники могут вам не понравиться. Поэтому лучше все протестировать «вживую».

Иногда даже самый неприметный экземпляр может порадовать очень хорошими характеристиками. Если не умеете играть на пианино и вообще в нем не разбираетесь, то лучше вам самим в магазин не ходить. Попросите кого-то из знакомых, кто знает толк в музыкальных инструментах, пойти с вами и оценить потенциал пианино.

Можно выделить следующие классы цифрового пианино: высший, средний, начальный, настольные пианино, гибриды пианино и синтезатора и АРС (автономные рабочие станции). Во всех классах определенного лидера нет. Практически в каждом можно найти хороший инструмент как Casio, так и Yamaha. Выбор будет только за вами. А теперь немного о классах и о вариантах пианино Casio и Yamaha, на которые следует обратить внимание:

  1. Пианино высшего класса. Очень хорошее качество звучания. Богатый диапазон звучания. Солидный вид. Инструменты этого класса можно назвать заменой классическому инструменту. Цена же таких начинается от 3000 долларов. В первую очередь следует обратить внимание на такие модели Yamaha: CLP-470, CLP-370, CLP-480, CLP-380, CLP-F01.
  2. Пианино среднего класса. Этот инструмент оптимальный вариант для игры на нем дома. Хорошее соотношение цены к качеству. Стоимость от 1800 до 2500 долларов. Модели Yamаha: CLР-340/440, CLР-330/430.
  3. Напольные пианино для начального уровня. Предназначены для начинающих музыкантов. Соответственно качество таких инструментов уступает среднему классу, но и цена ниже 1400 долларов. Интересные варианты: Casіo PX-200, РX-800, РX-130, PX-330, AР-400, AР-220, AP-420, AР-45, Yаmaha YDР-S30/S31, YDР-140/141, YDР-160/161, CLР-220/320.
  4. Настольные пианино. Упрощенная альтернатива акустическому пианино. Минимум функций, но при этом звучание, по сравнению с предыдущим классом, будет намного богаче. Цена варьируется от 1000 до 1500 долларов. Неплохой вариант – Yаmaha P-140, Р-155.
  5. Гибриды. Основное преимущество – это цена (800-1100 долларов). Обьединили в себе разные примочки синтезатора и цифрового пианино. Вариант неплох только тогда, когда ну уж очень надо чем-то заменить пианино. Лучшие экземпляры: Yamаha DGX-620/630, Casіo PX-410.
  6. Workstation. Очень хороший вариант для музыкантов-профессионалов. Не надо никаких ПК, никаких сложных программ и установок. Включаете – и сразу приступаете к работе. Цена за такое чудо техники составит от 1500 до 8000 долларов. Большой ценовой диапазон объясняется качеством звучания, которое может дать такая станция. Соответственно, чем больше цена, тем лучше качество. Лучшие здесь модели Yamаha серии ХS или TYROS2.

Немного разобравшись в ценах на цифровые пианино и в их типах, можно заметить следующую закономерность: пианино фирмы Casio в большей мере предназначены для начинающих музыкантов, в то время как Yamaha – профессиональные инструменты. Этим объясняется то, что в Yamaha нет такого разнообразия второстепенных функций, как в Casio. Упор делается на максимальное сходство с акустическим инструментом. Если вы – профессиональный музыкант, артист – берите электронное пианино Yamaha, не пожалеете. Casio – оптимальный выбор для начинающих и учеников музыкальных школ.

Как вы думаете, какое пианино звучит лучше: Casio PRIVIA PX-130 или Yamaha P-95? Смотрим видео!

Порекомендуйте друзьям.

Чтобы не пропустить новые интересные статьи с нашего сайта - подпишитесь на обновления по электронной почте

Наверх

propianino.ru


Смотрите также